Arte, del
siglo XVI a principios del
siglo XIX
Siglo XVI
ARTE:
* Renacimiento.
Se denomina Renacimiento al periodo de la historia europea, caracterizada por
un renovado interés por el pasado grecorromano clasico y
especialmente por su arte. Con el Renacimiento, el hombre centra toda su
actividad, en el hombre como tal, es decir después del aletargamiento
medieval el hombre piensa ahora con una libertad de espíritu, que le
conducira a la libertad de pensamiento, el culto a la vida y el amor a
la naturaleza son otros aspectos importantes, ademas el Renacimiento
estableció como fuentes de inspiración el equilibrio y la
serenidad. Pero lo mas característico de esta época es la
separación entre lo cívico y lo religioso.
Surgió en Italia en el siglo XV, se expandió por el resto de
Europa desde finales de ese siglo e inicios del XVI. Los artistas se inspiraron
en el arte clasico grecorromano, por lo que se habló de
«renacimiento» artístico tras el oscurantismo medieval.
Estilo inspirado en la naturaleza, surgieron nuevos modelos de representación,
como el uso de
la perspectiva. Sin renunciar a la tematica religiosa, cobró
mayor relevancia la representación del
ser humano y su entorno, apareciendo nuevas tematicas como
la mitológica o la histórica, o nuevos géneros como el paisaje, el
bodegón e, incluso, el desnudo. La belleza dejó de ser
simbólica, como
en la era medieval, para tener un componente masracional y mesurado, en
base a la armonía y la proporción.
* Escultura.
La escultura del Renacimiento es un proceso de recuperación de la
escultura de la Antigüedad clasica. Los escultores encontraron en
los restos artísticos y en los descubrimientos de yacimientos de esa
época pasada la inspiración perfecta para sus obras,
también se inspiraron en la Naturaleza.
El renacer a la antigüedad con el abandono de lo medieval, y el reconocimiento
de los clasicos con todas sus variantes y matices fue un fenómeno
casi exclusivamente desarrollado en Italia. El arte del Renacimiento
logró interpretar la Naturaleza y traducirla con libertad y con
conocimiento en gran multitud de obras maestras.
La escultura en el Renacimiento tomó como
base y modelo las obras de la antigüedad clasica y su
mitología, con una nueva visión del pensamiento humanista y de la
función de la escultura en el arte. Se buscó la
representación naturalista del
cuerpo humano desnudo con una técnica muy perfeccionada, gracias al
estudio meticuloso de la anatomía humana. En Italia convivieron por
igual los temas profanos con los religiosos; no así en otros
países como
España y Alemania, donde prevaleció el tema religioso.
El cuerpo humano representó la Belleza absoluta, cuya correspondencia
matematica entre las partes se encontraba bien definida, y el
contraposto fue utilizado constantemente desde Donatello a Miguel Angel.
En esta época es cuando se dio practicamente la liberación
de la escultura del marco arquitectónico, los relieves se realizaron con
las reglas de la perspectiva y semostraban a los personajes con expresiones de
dramatismo que llevaban a la sensación de gran terribilidad en los
sentimientos.
Un papel fundamental fue la figura del
mecenas, representado por la iglesia y personajes de la nobleza que
obtenían con su mecenazgo prestigio social y propaganda política,
y abarcó todos los temas: religiosos, mitológicos, de vida
cotidiana, retratos de personajes, etc.
ESCULTORES RENACENTISTAS.
Lorenzo Ghiberti (1378 - 1455) fue un escultor, orfebre, arquitecto y escritor
de arte italiano del Quattrocento.
Comenzó su actividad artística como orfebre. Sin embargo, no ganó
fama hasta 1401, cuando participó en el concurso para decorar las
segundas puertas del
baptisterio de la catedral de Florencia, resultando ganador.
Su obra tuvo tanto éxito que posteriormente el gremio de comerciantes de
Florencia le encomendó el encargo de ejecutar para el mismo baptisterio
una tercera doble puerta, que acabó en 1452. Esta decorada con
diez bajorrelieves de bronce dorado que representan escenas del Antiguo Testamento, en un estilo
totalmente diferente al anterior, en el que se aplican consecuentemente las
reglas de la perspectiva renacentista. Miguel Angel bautizó esta
puerta como
«Puerta del Paraíso», nombre con que se la sigue conociendo
actualmente.
Donatello 1386 – 1466) fue un famoso artista y escultor italiano de
principios del Renacimiento, fue uno de los padres del renacimiento. Donatello se
destacó en una fuerza innovadora en el campo de la escultura monumental
y en el tratamiento de los relieves, donde logró representar una
granprofundidad dentro de un mínimo plano, denominandose con el
nombre de stiacciato.
El David de marmol para la catedral de Santa María del Fiore en
Florencia, fue su primera obra documentada en 1408.
Entre sus obras mas importantes se encuentran el David de bronce en el
museo del Bargello, el Púlpito exterior de la catedral de Prato, la
estatua ecuestre de Gattamelata en Padua, la María Magdalena penitente
en el museo dell'Opera del Duomo en Florencia y Judith y Holofernes en el
Palacio Vecchio.
Jacopo della Quercia (1367-1438) fue un escultor italiano del Primer Renacimiento. Trabajó
sobre todo en Siena,
Bolonia y Lucca.
En sepriembre de 1403 va a Ferrara
para elaborar en el Duomo la figura de marmol de la Madonna della
melagrana, que acaba en 1409.
Entre 1406 y 1407 realiza el monumento fúnebre de Ilaria del Carretto,
obra que le había encargado el señor de Lucca, Paolo Guinigi.
En 1409 se le encarga la Fonte Gaia en la piazza del Campo de Siena
De 1421 es el relieve sobre madera de la Anunciación ejecutado para la
Colegiata de San Gimignano.
Verrocchio (1435 - 1488) fue un pintor, escultor y orfebre cuatrocentista
italiano. Trabajó en la corte de Lorenzo de' Medici en Florencia. Entre
sus alumnos estuvieron Leonardo da Vinci, Perugino, Ghirlandaio y Sandro
Botticelli, pero también influyó en Miguel Angel.
Trabajó en el estilo serenamente clasico del primer renacimiento florentino.
Alrededor de 1465 trabajó en el lavabo de la antigua sacristía de
la San Lorenzo, Florencia. Entre 1465 y 1467
ejecutó el monumento funerario a Cosme de Médicipara la cripta
bajo el altar de la misma iglesia, y en 1472 completó el monumento a
Pedro y Juan de Médici en la antigua sacristía. Se le consideraba
el pintor mas influente de Florencia de su período.
Antonio Pollaiuolo (1433 1498), fue un pintor escultor, orfebre y grabador
cuatrocentista italiano, que asimismo perfeccionó el arte del esmaltado.
Junto a Ghiberti trabajó en los relieves de las puertas del baptisterio de
Florencia. En cuanto a sus grabados, estos influyeron en Andrea Mantegna y, por
intermedio de Mategna, en Durero.
En 1484 Antonio fijó su residencia en Roma, donde ejecutó la
tumba del papa Sixto IV en la gruta de la Basílica de San Pedro
(finalizada en 1493), una composición en la que vuelve a manifestar su
modo de exageración anatómica de las figuras. En 1496 fue a
Florencia para dar los últimos retoques al trabajo ya empezado en la
sacristía del
Santo Spirito.
Agostino di Duccio (1418 - 1481). Escultor italiano. Nació en Florencia,
y su formación se realizó con Donatello y Michelozzo durante las
obras del
púlpito de Prato. De Donatello aprendió la técnica de los
relieves en stiacciato, utilizandola profusamente para buscar efectos de
pura decoración superficial.
En 1441, tras una acusación de robo, abandonó su ciudad natal,
refugiandose en Módena. En esa ciudad realizó el altar de
San Geminiano para la catedral, donde es visible la influencia de Michelozzo.
En 1446 estuvo en Venecia, donde estudió la escultura tardo
gótica, presente en numerosos de los monumentos de la ciudad, y
estableció contacto con Matteo de' Pasti, con elque colaboró
posteriormente en la decoración del Templo Malatestiano de
Rímini.
Donatello. 'Púlpito de la iglesia de San
Lorenzo' (1465). Florencia
* Pintura.
La pintura sufrió una notable evolución desde las formas
medievales, con formas naturalistas y tematicas profanas o
mitológicas junto a las religiosas. Los estudios de perspectiva
permitieron hacer obras de gran efecto realista, basadas en proporciones
matematicas, con especial utilización de la sección
aurea tras el estudio publicado por Luca Pacioli. Se utilizó el
fresco y el temple, mientras que se introdujo el óleo a mediados del siglo XV por
influencia flamenca. Uno de sus principales exponentes fue Leonardo Da Vinci,
genio polifacético que introdujo la perspectiva aérea. Otro
nombre de relevancia fue Rafael, maestro del
clasicismo sereno y equilibrado, con una perfecta ejecución
pictórica, como
se demuestra en sus frescos de las Estancias del Vaticano.
La Anunciación - Rafael, Museos Vaticanos
PINTORES RENACENTISTAS.
Benozzo Gozzoli (1421 - 1497), fue un pintor cuatrocentista italiano.
Entre 1437 y 1439 pintó El rapto de Elena, tabla octogonal destinada a
decorar el frente de un 'cassone'. Entre 1440 y 1445 realizó la obra
Virgen con el niño y nueve angeles de la National Gallery de
Londres.
El aprendizaje con el maestro Angélico se prolongó por espacio de
diez años, interrumpidos únicamente entre los años
1444-1447, en los que Benozzo colaboró con Ghiberti en la
creación de la 'Puerta del Paraíso' del Baptisterio de
la catedral de Florencia. El 23 de mayo de 1447viajó a Roma, en
compañía de Fra Angélico, llamados por Eugenio IV, con el
encargo de decorar una capilla de los Palacios Vaticanos. Bajo las
órdenes de un nuevo pontífice, Nicolas V, decoraron la
capilla Nicolina, en el mismo Vaticano. Este periodo de formación, o de
colaboración, finalizó en 1449 tras la decoración de la
capilla de San Bricio, en la catedral de Orvieto.
Ghirlandaio (1449 - 1494) fue un pintor cuatrocentista italiano. En 1480
Ghirlandaio pinta un San Jerónimo y otros frescos en la iglesia de
Ognissanti, en Florencia, incluyendo una Última cena a tamaño
real en su refectorio. Hacia 1480 se data también el fresco de la
Última Cena en el refectorio del Convento de San Marcos. Entre 1481 y 1485 trabajó
en los frescos de la Sala del Reloj (también conocida como
la sala de los Lirios) del
Palacio Vecchio. Allí pinta una Apoteosis de San Zenobio, obra
'metafísica' con muchas estructuras arquitectónicas,
medallones con héroes de la antigua Roma y otros detalles interesantes
que crean una perspectiva sorprendente de gran dignidad arquitectónica.
Sandro Botticelli (1445 –1510), fue un pintor cuatrocentista italiano. En
1467 Sandro vuelve a Florencia, frecuentando el taller de Andrea del
Verrocchio, donde trabajó al lado de Leonardo da Vinci. De esta
época datan toda una serie de Madonas influidas por Lippi. Para el año 1470, Botticelli tendría taller
propio. Ya entonces su obra se caracteriza por una concepción de la
figura como
vista en bajorrelieve, pintada con contornos claros, y minimizando los fuertes
contrastes de luz y sombra queindicarían formas plenamente modeladas.
Recibió ese año un importante encargo: una de las pinturas sobre
Virtudes para la Sala del Tribunal de los Mercaderes, La fortaleza. Esto indica que para entonces, con
unos 30 años de edad, ya debía haber ejecutado obras destacadas.
En 1472 entró a formar parte de la Compañía de San Lucas,
gremio de pintores. En los años siguientes Botticelli se hizo muy
famoso, hasta el punto de ser llamado a Pisa
para pintar un fresco en su catedral, hoy perdido.
Leonardo da Vinci. (1452-1519), fue un pintor italiano nativo de Florencia. Su
asociación histórica mas famosa es la pintura, siendo dos
de sus obras mas célebres, La Gioconda y La Última Cena,
copiadas y parodiadas en varias ocasiones, al igual que su dibujo del Hombre de
Vitruvio, que llegaría a ser retomado en numerosos trabajos derivados.
Sus pinturas son célebres. Por un lado, han sido copiadas e imitadas por
los estudiantes, y por otro han sido el
centro de debate y controversia entre los especialistas.
Entre las cualidades, cabe destacar las técnicas pictóricas
innovadoras que empleó, el sentido de la composición y el uso
sutil de los esfumados de colores, el conocimiento profundo de la
anatomía humana y animal, de la botanica y la geología, la
utilización que hacía de la luz, el interés por la
fisonomía, la capacidad de reflejar la forma en que los humanos utilizan
el registro de las emociones y las expresiones gestuales.
Raffael (1483 –1520), fue un pintor y arquitecto italiano del Alto Renacimiento.
Hijo de un pintor y criado entre artistas, a los 25 años obtuvosu primer
encargo oficial, la decoración de las Estancias Vaticanas, donde
pintó algunos frescos como La escuela de Atenas, considerado una de sus
obras cumbres. Es célebre por la perfección y gracia de sus artes
visuales, destacando en trabajos de pintura y dibujo artístico. Junto
con Miguel Angel y Leonardo da Vinci forma el trío de los grandes
maestros del
período.
Miguel Angel. (1475 – 1564), fue un arquitecto, escultor y pintor
italiano renacentista, considerado uno de los mas grandes artistas de la
historia tanto por sus esculturas como
por sus pinturas y obra arquitectónica. A los veintitrés
años talló la Piedad del Vaticano, después del Bacus del Bargello
(1496),17 y posteriormente realizó el Tondo Pitti. De la misma
época es el cartón de La batalla de Cascina, actualmente perdido,
pintado para la Señoría de Florencia, y el David, obra cumbre de
la escultura, de una gran complejidad por la escasa anchura de la pieza de
marmol, que fue colocado delante del palacio del Ayuntamiento de
Florencia y se convirtió en la expresión de los supremos ideales
cívicos del Renacimiento
Frescos de la Capilla Sixtina – Miguel Angel
* Arquitectura.
La arquitectura recuperó los modelos clasicos, reelaborados con
un concepto mas naturalista y con bases científicas: se
recuperó el uso del
arco de medio punto, la bóveda de cañón, la cúpula
de media naranja y los órdenes clasicos (dórico,
jónico, corintio y compuesto). La estructura del edificio se basó en proporciones
matematicas, que buscaban la perfección de las formas, a la vez
que se potenció la luminosidady la diafanidad de los espacios. En el
Quattrocento destacó la arquitectura desarrollada en Florencia: Filippo
Brunelleschi (cúpula de Santa María del Fiore, Basílica de
San Lorenzo), Leon Battista Alberti (San Andrés de Mantua); mientras que
en el Cinquecento el centro artístico
pasó a ser Roma: Bramante (San Pietro in Montorio, Basílica de
San Pedro del
Vaticano), Antonio da Sangallo (Palacio Farnesio). En esta época
cobró un progresivo auge la jardinería, que empezó a ser
concebida mediante un diseño estructurado; surgió así el
llamado «jardín italiano», de composición geométrica,
construido sobre terrazas con escalinatas (Jardín del Belvedere, Bramante;
Villa Madama, Rafael).
ARQUITECTOS RENACENTISTAS:
Filippo Brunelleschi (1377-1446)
Brunelleschi se considera el primer arquitecto renacentista. En efecto cuando
visita Roma por primera vez en compañía de Donatello, dedica
tiempo a dibujar fragmentos de ruinas romanas que lo inspiran posteriormente.
Su mente científica y su insaciable deseo de saber lo llevan a emprender
numerosas investigaciones, descubriendo así las leyes que gobiernan la
perspectiva lineal, conocidas y aplicadas por los griegos y romanos y que
habían sido olvidadas durante la Edad Media.
Su primer gran obra es el domo de la catedral de Florencia y la
realización que genera el estilo renacentista es su capilla Pazzi.
Brunelleschi diseña también el Hospital de los Inocentes, con su
majestuosa arquería. Sus templos de San Lorenzo
y Sto. Espíritu se inspiran en la basílica romana, pero con
proporcionesexquisitas, arco de medio punto y columnas corintias.
Leone Battista Alberti (1404-1473).
Se dice que nunca dirigió un trabajo, sin embargo se le atribuyen, el
palacio Rucellai en Florencia, la fachada de Santa María Novella,
así como la iglesia de San Pancracio, de
San Andrés en Mantua y el Templo Malastiano en Rimini destruído durante la Segunda
Guerra Mundial. Del
romanico toscano adopta la armonía bicolor y no desdeña el
arco punteado. Mas sus fachadas tienen la sencillez que caracteriza el
renacimiento: un rectangulo, sobre el cual se coloca otro mas
pequeño, centrado y limitado por un frontón triangular en su
parte superior. Para unir la parte inferior y
la parte superior de la fachada, unos 'contrafuertes' en forma de
volutas. Columnas corintias y adornos geométricos completan la imagen.
El cuadro , en posición vertical u inclinada y multiplicado, determina
las proporciones y formas de sus edificios de una armonía musical y
clasica.
Donato Bramante (1444-1514).
La obra de Bramante se desarrolla entre los finales del
quattrocento y principios del
cinquecento. Sus creaciones en Milano incluyen la iglesia de Santiago y de Santa María Delle Grazie
y el patio de la canúnica de San Ambrosio. En Roma termina el Tempietto
de San Pietro in Montorio.
Bramante continuó aplicando su estilo en el Patio de Santa María
de la Pace de pilastres jónicos en la planta baja y corintias en la
alta.
La ordenación se hace mas rigurosa en el Patio de San Damaso en
el Vaticano. Finalmente, no se puede abandonar Bramante sin mencionar su
reconcepción de San Pedro.Miguel Angel (1475 – 1564), Las
obras arquitecturales de Miguel Angel intervienen muchas veces sobre los
planes de sus rivales.
En el caso de San Pedro, debe adaptar los planes de Bramante y trata de hacerlo
sin destruir su gracia pero mejorando su unidad tanto en el plan horizontal
como en el vertical. El domo esta inspirado en el de la catedral de
Florencia, pero con cúpula semi-esférica.
* Literatura
La literatura renacentista se desarrolló en torno al humanismo, la nueva
teoría que destacaba el papel primordial del ser humano sobre cualquier otra
consideración, especialmente la religiosa. En esta época el mundo
de las letras recibió un gran impulso con la invención de la
imprenta por Gutenberg, hecho que propició el acceso a la literatura por
un público mas mayoritario. Ello conllevó a una mayor
preocupación por la ortografía y la lingüística,
surgiendo los primeros sistemas de gramatica en lenguas
vernaculas (como
la española de Elio Antonio de Nebrija) y apareciendo las primeras
academias de lenguas nacionales. Entre los literatos de esta época
destacan: Angelo Poliziano, Matteo Maria Boiardo, Ludovico Ariosto, Jacopo
Sannazaro, Pietro Bembo, Baldassare Castiglione, Torquato Tasso, Tomas
Moro, Erasmo de Rotterdam, François Rabelais, Pierre de Ronsard, Michel
de Montaigne, Edmund Spenser, Luís de Camões, etc. En
España comenzó una edad dorada de las letras, que se
prolongaría hasta el siglo XVII: la poesía, influida por la
italiana del stil nuovo, contó con las figuras de Garcilaso de la Vega,
fray Luis de León, San Juan de la Cruz ySanta Teresa de Jesús; en
prosa surgieron los libros de caballería (Amadís de Gaula, 1508)
y se inició el género de la picaresca con el Lazarillo de Tormes
(1554), mientras que despuntó la obra de Miguel de Cervantes, el gran
genio de las letras españolas, autor del inmortal Don Quijote (1605).
A la derecha La vida de Lazarillo de Tormes y de sus fortunas y adversidades,
novela española anónima.
ESCRITORES RENACENTISTAS:
Garcilaso de la Vega (1498 – 1503)
Garcilaso fue el gran renovador de la poesía castellana en el
Renacimiento. Hombre de letras y de armas, encarnó el ideal renacentista
del
cortesano. Y su poesía le valió la fama de “príncipe
de los poetas castellanos”.
La obra de Garcilaso se reduce a una epístola, dos elegías, tres
églogas, cinco canciones y treinta y ocho sonetos.
Las églogas son composiciones poéticas dialogadas en las que unos
pastores hablan de sus amores desdichados.
La Égloga primera presenta a dos pastores, Salicio y Nemoroso, que se
duelen de su triste suerte.
La Égloga tercera nos muestra una naturaleza en armonía.
Fray Luis de León (1527-1591). Su vida estuvo marcada por una constante
contradicción entre su anhelo de paz y las continuas intrigas en las que
se vio envuelto.
La obra de Fray Luis: Renacimiento y cristianismo
Fray Luis debe su fama a su obra lírica. Él concedía
escasa importancia a sus poemas, pero actualmente son sus obras mas
valoradas.
Sus poesías tratan el ansia de paz, de infinitud, de unión con
Dios. Destacan: Vida retirada, Noche serena y Oda a Francisco Salinas.San Juan
de la Cruz (1542-1591) San Juan de la Cruz, es considerado como uno de los
mejores poetas líricos de la literatura castellana. Nació en
Fontiveros (Avila) el año 1542. Siendo muy joven ingresó
en la Orden del Carmelo y conoció a Santa Teresa, quien lo animó
a reformar la rama masculina de la Orden. De sus obras destacan:
La obra de un místico
Cantico espiritual
Noche oscura del alma.
Llama de amor viva
Santa Teresa de Jesús (1515-1582) Teresa de Cepeda y Ahumada es una de
las figuras cumbres de la literatura y la mística españolas.
Nació en Avila en 1515. con 21 años ingresó en la
Orden del Carmelo descalzo, a cuya reforma consagró gran parte de su
vida. Murió en Alba de Tormes en 1582.
La obra de Santa Teresa: testimonio de su vida
Miguel de Cervantes (1547-1616) Miguel de Cervantes Saavedra es el mas
universal de los escritos españoles. Su obra maestra fue el Quijote.
Cervantes nació en Alcala de Henares
el año 1547. Participó en la batalla de Lepanto. Murió en Madrid el 23 de abril de
1616.
La producción de Cervantes es muy extensa y abarca: lírica,
teatro y narrativa.
Cervantes fue un destacado autor teatral.
Entre las comedias destacan Los baños de Argel y La gran sultana.
Entre los entremeses destacan El retablo de las maravillas, El viejo celoso y
El juez de los divorcios.
* Musica
La música renacentista supuso la consagración de la
polifonía, así como el afianzamiento de la música
instrumental, que iría evolucionando hacia la orquesta moderna.
Apareció el madrigal como
géneroprofano que aunaba texto y música, siendo la
expresión paradigmatica de la música renacentista. En 1498
Ottaviano Petrucci ideó un sistema de imprenta adaptado a la
música, en pentagrama, con lo que se empezó a editar
música. Como
compositores renacentistas destacaron Orlandus Lassus, Carlo Gesualdo, Giovanni
Gabrieli, Tomas Luis de Victoria, Cristóbal de Morales, Claudio
Monteverdi y Giovanni Pierluigi da Palestrina. A finales del siglo XVI nació la ópera,
iniciativa de un círculo de eruditos (la Camerata Fiorentina) que, al
descubrir que el teatro griego antiguo era cantado, tuvieron la idea de
musicalizar textos dramaticos. La primera ópera fue Dafne (1594),
de Jacopo Peri, a la que siguió Euridice (1600), del mismo autor; en
1602 Giulio Caccini escribió otra Euridice; y, en 1607, Claudio
Monteverdi compuso La favola d'Orfeo, donde añadió una
introducción musical que denominó sinfonía, y
dividió las estructuras cantadas en arias.
MUSICOS RENACENTISTAS:
Orlando di
Lasso, (1532 - 1594) fue un compositor franco-flamenco del Renacimiento
tardío. Junto con Palestrina y Victoria es considerado el líder
de la escuela romana, en su época de madurez musical, ademas de
uno de los mas influyentes músicos europeos en el siglo XVI.
Lasso fue uno de los mas prolíficos, versatiles y
universales compositores del Renacimiento tardío. Escribió
mas de 2000 composiciones, incluyendo música vocal con letras en
latin, francés, italiano y aleman, en todos los géneros
conocidos en su época. Esto incluye 530 motetes, 175 madrigales
italianos y villanellas,150 chansons francesas, y 90 lieder alemanes. No se
conoce música estrictamente instrumental que sobreviva hoy, o siquiera
haya existido. Esto constituye una interesante omisón para un compositor
tan prolífico y abarcativo, en una época en que la música
instrumental se convertía en el mas destacado medio de
expresión del
arte Europeo.
Carlo Gesualdo (1566 -1613), príncipe de Venosa y conde de Conza, fue un
compositor italiano, una de las figuras mas significativas del
Renacimiento.
Entre su obra destaca:
2 Libros de Sacrae cantiones, cinco a siete voces (1603).
Responso de la Oscuridad para Semana Santa.
4 Motetes a María.
6 Libros de Madrigales, a cinco voces (1594-1611).
Un libro de madrigales a seis voces, póstumo (1626).
Claudio Giovanni Antonio Monteverdi (1567, 1643,) fue un compositor, gambista y
cantante italiano.
Marcó la transición entre la tradición polifónica y
madrigalista del siglo XVI y el nacimiento del drama lírico
y de la ópera en el siglo XVII. Es la figura mas importante en la
transición entre la música del
Renacimiento y del Barroco.
Hasta los cuarenta años, Monteverdi trabajó principalmente sobre
sus Madrigales, de los cuales publicó nueve libros.
* Danza
La danza renacentista tuvo una gran revitalización, debida de nuevo al
papel preponderante del
ser humano sobre la religión, de tal manera que muchos autores
consideran esta época el nacimiento de la danza moderna. Se
desarrolló sobre todo en Francia –donde fue llamado
ballet-comique–, en forma de historias bailadas, sobre textos
mitológicos clasicos,siendo impulsado principalmente por la reina
Catalina de Médicis. Se suele considerar que el primer ballet fue el
Ballet comique de la Reine Louise (1581), de Balthazar de Beaujoyeulx. Las
principales modalidades de la época eran la gallarda, la pavana y el
tourdion. En esta época surgieron los primeros tratados sobre danza:
Domenico da Piacenza escribió De arte saltandi et choreas ducendi,
siendo considerado el primer coreógrafo de la historia; Thoinot Arbeau
hizo una recopilación de danzas populares francesas (Orchesographie,
1588).
Danzas renacentistas
En las cortes renacentistas las danzas de sociedad eran un fenómeno
habitual. Los nobles y gente de renombre bailaban en parejas con
coreografías complejas. Por eso, la mayor parte del
repertorio instrumental del
siglo XVI europeo esta compuesto por piezas de danza interpretadas en
diferentes instrumentos: laúd, clavecín o virginal. Las grandes
fiestas incluso exigían un conjunto instrumental pequeño que no
improvisaba como
en la Edad Media, sino que interpretaba músicas escritas con esquemas
rítmicos establecidos. Estas piezas no eran contrapuntísticas,
sino melodías simples ornamentadas. Las danzas solían formar
grupos de pares o tríos que pasaban de lo alegre a lo solemne, dando origen
a la suite. Estas danzas ingresaron lentamente pero de manera implacable dentro
de la música seria, sus puestas en escena tenían complejas
coreografías y llevaron al ballet escénico. De las mascaradas y
salones de los nobles, el baile se inspiró primero en figuras de la
mitología para ser luego la diversión infaltablede las clases
altas.
Pavana y Gallarda
Pavana: como
todas las danzas de la época, la pavana fue un baile grupal en el que
variaban las parejas danzantes. El nombre provino de la ciudad de Padua. Fue
una danza cortesana solemne, que antecedía a un saltarello o una
gallarda. Esta danza lenta y majestuosa sirvió de introducción a
la suite orquestal alemana en el siglo XVII.
Gallarda: solía interpretarse después de la pavana y era una
danza rapida de compas ternario. Su origen se atribuye a Italia,
donde se la conocía como
romanesca también, y cuyo nombre deriva de gigolane, dar
puntapiés. Su coreografía se caracterizaba por los saltos y
movimientos enérgicos de la pierna. Uno de sus antecedentes es el
turdión.
COREOGRAFOS RENACENTISTAS:
Domenico da Piacenza (1390-1470) fue un maestro de ceremonias, un
coreógrafo y un compositor italiano que trabajó para la Casa de
Este en Ferrara.
La figura de Domenico da Piacenza es muy importante pues con él la
coreografía se convierte en un oficio profesional: Domenico estaba al
servicio de la familia Este y su función en la corte era crear bailes
para las frecuentes celebraciones festivas. Su nombre aparece citado junto al
de su gran alumno y continuador, Guglielmo Ebreo da Pesaro. Ambos consiguieron
el nombramiento de caballeros, con lo que el arte de la danza alcanzó
así el reconocimiento de arte liberal, a la altura de la música y
la pintura, cuya consideración (precisamente) estaba siendo revisada en
aquella época.
Thoinot Arbeau (1519 - 1595) es el anagrama con que se conoce a Jehan
Tabourot,sacerdote católico, canónigo de Langres, recordado por
su manual de danzas Orchesographie.
Este manuscrito fue publicado por primera vez en 1588 y reimpreso en 1589 y
1596. Contiene instrucciones detalladas para numerosos estilos de danza como
branle, gallarda y pavana, así como secciones cortas acerca de
música militar, tambores y marchas, y algunos aspectos de formas de
danza como la Danza de Morris, la Canarie (danza de las Islas Canarias), la
Allemande, Courante y Bassedance.
* Manierismo.
Surgido igualmente en Italia a mediados del siglo XVI como evolución de
las formas renacentistas, el manierismo nota el abandonó la naturaleza
como fuente de inspiración para buscar un tono mas emotivo y
expresivo, cobrando importancia la interpretación subjetiva que el
artista hace de la obra de arte. La arquitectura adquirió un signo
mas efectista y de tenso equilibrio, destacando el polifacético
artista Miguel Angel, autor del abside y la cúpula de San
Pedro del Vaticano; Jacopo Vignola (Iglesia del Gesù); y Andrea
Palladio, creador de un estilo propio (paladianismo), como vemos en la
Basílica de Vicenza, la Villa Capra (llamada la Rotonda), San Giorgio
Maggiore de Venecia, etc. En Francia surgió la notable Escuela de Fontainebleau. En
España se produjo la arquitectura herreriana (por Juan de Herrera),
estilo sobrio y sencillo, de formas simples y desnudas de decoración, de
acuerdo a la doctrina contrarreformista que entonces imperaba; tuvo su
maxima realización en el Monasterio de El Escorial.
La Virgen del cuello largo - Parmigianino* Escultura.
La escultura es nuevamente reflejo del
pesimismo que dominaba la sociedad italiana de la segunda mitad del siglo XVI, con un arte donde se deforma la realidad a
capricho, predominando la expresión sentimental del artista, con figuras estilizadas, en
posiciones violentas y actitudes dramaticas. Descuella nuevamente la
obra de Miguel Angel, con obras de tenso dinamismo donde resalta la
expresión de la persona representada: Piedad (1501), David (1501-1504),
Moisés (1513-1515), Sepulcro de los Médicis (1520-1534), etc.
Otros importantes escultores fueron: Baccio Bandinelli, Benvenuto Cellini,
Giambologna y Jacopo Sansovino; y, fuera de Italia, Jean Goujon y Germain Pilon
en Francia, Adriaen de Vries en Flandes, Hubert Gerhard en Alemania, y Alonso
Berruguete, Juan de Juni y Gaspar Becerra en España.
ESCULTORES MANIERISTAS.
Jean Boulogne. (1529 -1608), fue un escultor francés que trabajó
en la Italia de finales del Renacimiento.
Fue autor de varias de las esculturas mas famosas, en marmol y
bronce, sobre tematica mitológica. Ocupa asimismo un puesto clave
en la historia de la escultura europea, como
puente entre el Renacimiento de Miguel Angel y el Barroco de Bernini.
Jean Boulogne pasó sus mejores años en la capital cultural de la
época, Florencia, donde se asentó en 1553 bajo el mecenazgo de
Bernardo Vecchietti. Terminó sus estudios con el analisis de las
obras de Tribolo y Perino da Vinci y, gracias a la mediación de Vecchietti
fue presentado en la corte de Francisco I de Médici.
Se convirtió en escultor de la corte delos Médici, que le pagaron
un sueldo mensual a cambio de esculturas tanto para exposición
pública como
para su coleción privada, realizando numerosas esculturas a lo largos de
los años hasta su muerte a la edad de 79 en la misma ciudad.
Benvenuto Cellini (1500 - 1571) fue un escultor, grabador y escritor
florentino. Se convirtió en uno de los orfebres mas importantes
del Renacimiento italiano y realizó monedas labradas, joyas, floreros y
adornos exquisitos. Su autobiografía es un valioso testimonio de la
época, aunque no carece de ingredientes fantasiosos.
Miguel Angel. (1475-1564). Como
escultor, Miguel Angel propone una interpretación muy personal de
las figuras representadas que no se apega ni a la que adoptaron sus
precursores, ni a los modelos griegos: los cuerpos, atléticos, firmes y
tensos, se presentan en todo tipo de posiciones y los rostros son expresivos.
Los tamaños y proporciones, en principio correctos pueden ser olvidados
por las necesidades mas imperativas de una composición
sólida y armoniosa, así María es mas alta que
Jesús (Piedad) y los brazos de David son desiguales para equilibrar la
estatua.
La piedad florentina – Miguel Angel
* Pintura.
La pintura manierista tuvo un sello mas caprichoso, extravagante, con
gusto por la forma sinuosa y estilizada, deformando la realidad, con
perspectivas distorsionadas y atmósferas efectistas. Destacó en
primer lugar –como en las otras artes– Miguel Angel (autor
de la decoración de la Capilla Sixtina), seguido de Bronzino, Andrea del
Sarto, Pontormo, Correggio,Parmigianino, Giorgione, Tiziano, Veronese,
Tintoretto, Jacopo Bassano, Giuseppe Arcimboldo, etc. Cabe mencionar a Maarten
van Heemskerck y Abraham Bloemaert en los Países Bajos, y Bartholomeus
Spranger en Alemania. En España destacaron Juan Fernandez de
Navarrete, Alonso Sanchez Coello, Juan Pantoja de la Cruz y,
especialmente, El Greco, artista excepcional creador de un estilo personal y
único, de fuerte sentido expresionista.
Jacopo Pontormo (1494 –1557), fue un pintor manierista italiano.
Con la visión puesta en Roma, se deja influencia por la obra de
considerar en gran parte el trabajo de Miguel Angel y luego, mediante la
observación de los grabados de Durero por el llamado estilo
nórdico. La frecuencia de caras y los cuerpos alargados son
característicos de su trabajo. Un ejemplo del estilo temprano de
Pontormo es la Visitación de la Virgen y Santa Isabel, con sus figuras
balanceadas, pintado entre 1514 y 1516 para la iglesia de la parroquia de San
Michele en Carmignano, en los alrededores de Florencia.
Entre 1519 y 1520 Pontormo participa en la decoración del
fresco del
salón de la villa de la familia Medici en Poggio a Caiano, no lejos de Florencia.
Allí pinta el fresco en un estilo género pastoral, muy
infrecuente para los pintores florentinos; su tema era el mito clasico de Vertumnus y Pomona en
una luneta.
Rosso Fiorentino (1495 – 1540), fue un pintor italiano renacentista
integrante de la Escuela de Fontainebleau. Se trata de uno de los primeros y
mas destacados exponentes toscanos del manierismo pictórico.
Como Pontormo,fue alumno de Andrea del Sarto y —desde muchos puntos de
vista— un rebelde a las constricciones clasicistas que en su época
se encontraban en crisis.
De su producción en su ciudad natal destacan La Asunción (1517)
en la iglesia de la Santisima Annunziata y Las hijas de Jetró, obra
singularísima que evidencia un gran influjo de Miguel Angel.
Posteriormente durante su estancia en Roma realizó los frescos de La
creación de Eva y El pecado original (1524) para Santa Maria della Pace.
Antonio Allegri da Correggio (1489 –1534) fue un pintor italiano del
Renacimiento, dentro de la escuela de Parma
que se desarrolló en la corte de los Farnesio durante el apogeo del
Manierismo en Italia.
Estuvo en Roma entre 1517 y 1520, época en la que adquirió un
clasicismo naturalista al contacto con Rafael y Miguel Angel. Su gran
admiración por el primero ha hecho que se le atribuya la frase
(seguramente apócrifa) de Anch'io sono pittore! (¡También
yo soy pintor!)
Hacia 1530 estuvo al servicio de Federico II Gonzaga, duque de Mantua. Pintó una célebre serie
de cuatro lienzos de mitologías para el Palazzo Tè.
Comienza como
un renacentista clasico, posteriormente recibe la influencia manierista
y acaba, por su dinamismo y profundidad espacial, anticipando el barroco. En su
madurez, su estilo es noble y equilibrado, con sombras transparentes y
diseño fluido. Sus trabajos son descritos en las Vidas de Giorgio
Vasari.
Parmigianino (1503 - 1540), fue un pintor italiano, uno de los maximos
exponentes del
manierismo.
La importancia de su obra supera ampliamente elhecho de contarse con pocas
obras legadas. Entre ellas se encuentran La conversión de san Pablo de
1527 y el Autorretrato ante el espejo (ambos en el Kunsthistorisches Museum de
Viena), La Virgen de la Rosa de 1529, La Virgen del cuello largo (hacia 1535;
Galería de los Uffizi de Florencia), la Esclava turca y la Antea.
* Arquitectura.
La arquitectura manierista es aquella fase de la arquitectura europea que se
desarrolló entre 1530 y 1610, es decir, entre el final de la
arquitectura renacentista y el inicio de la arquitectura barroca.
Los historiadores consideran al manierismo como
la última fase del Renacimiento, precedida por las del
humanismo florentino y por el clasicismo romano; sin embargo, si las primeras
dos fases son distinguibles temporalmente, no resulta tan claro con el
clasicismo y el manierismo que coexistieron desde inicios del siglo XVI.
El término «maniera», usado ya en el siglo XV para indicar
el estilo de cada artista, fue empleado por Giorgio Vasari en el siglo
posterior para describir uno de los cuatro requisitos de las artes (orden,
medida, diseño y maniera), con particular referencia a las obras de
Miguel Angel; luego lo utiliza Jacob Burckhardt para definir de manera
peyorativa el arte italiano entre el Renacimiento y el Barroco. No obstante a
inicios de siglo XX, a la luz de las nacientes culturas surrealistas y expresionistas,
la crítica revaloró la cultura manierista
Fachada de la Iglesia de Gesu en Roma.
Rafael (1483-1520) Tras la muerte de Bramante, en 1514, fue nombrado arquitecto
de la basílicade San Pedro. La mayor parte de sus obras
arquitectónicas han sido derrumbadas o modificadas después de su
muerte y a raíz de la aceptación de los diseños de Miguel
Angel, pero, sobreviven unos pocos diseños.
Un importante edificio, el Palazzo Branconio dell'Aquila del
chambelan de León X, fue completamente derrumbado para hacer
lugar a la plaza diseñada por Bernini para San Pedro, obra que
jamas se realizó, pero se han conservado dibujos de la fachada y del patio. La fachada
gozaba de una abigarrada decoración, inusual para la época,
incluyendo tanto paneles pintados en el piso superior (de tres) como profusión de esculturas en el piso
intermedio.58 El diseño basico de la Villa Farnesina no fue de
Rafael, pero él diseñó y pintó la Capilla Chigi
para el propietario, Agostino Chigi, tesorero del papa.
Andrea Palladio (1508-1580)
Una de sus primeras obras de gran envergadura fue la transformación
(comenzada en 1549) del recinto exterior del Palazzo della Ragione o Basílica, el
ayuntamiento de Vicenza.
En esta ciudad y sus alrededores construyó numerosos edificios
residenciales y públicos. Entre ellos destacan los palacios Chiericati,
Thiene y Valmarana, y las villas Badoer, Barbaro (en Maser), Emo, La Rotonda y
Villa Foscari, en Malcontenta di Mira. Entre 1560 y 1580 también
construyó varias iglesias en Venecia, entre las que sobresalen San
Francesco della Vigna, San Giorgio Maggiore e Il Redentore. Su última
gran obra fue el teatro olímpico de Vicenza, que finalizó Vincenzo
Scamozzi después de su muerte.
Giulio Romano (1499 -1546) fue un pintor, arquitecto y decorador italiano del
Siglo XVI, prominente alumno de Rafael, cuyas innovaciones en relación
al clasicismo del alto Renacimiento ayudaron a
definir el estilo definido como
manierismo.
De sus obras destacan:
Lapidación de San Esteban (Santo Stefano, Génova): 'Giulio nunca
hizo una obra mas bella que ésta,' dijo Vasari.
Domenico del Barbiere grabó la imagen, por lo que influyó en
diseñadores que nunca vieron el original en Génova.
Fuego en el Borgo o El incendio en el Borgo, 1514, fresco (Estancias de Rafael
en la Ciudad del Vaticano).
Sagrada Familia, h. 1518, Madrid,
Museo del Prado.
Adoración de los Magos (Museo del Louvre).
* Música.
A finales del
siglo XVI, acabando el Renacimiento, se desarrolló un estilo manierista
radical. En música profana, especialmente en el madrigal, había
una tendencia hacia la complejidad y hacia el cromatismo extremo (como se observa en las
madrigales de Luzzaschi, Marenzio, y Gesualdo). Musica reservata es un
término que se refiere a un estilo o a una practica musical a
cappella de la época tardía, principalmente en Italia y el sur de
Alemania, asociado al refinamiento, cierta exclusividad y una intensa
expresión emocional del texto cantado. Ademas, en muchos
compositores se observa una división en sus propios trabajos entre la
primera practica (observancia de las reglas estrictas del
contrapunto) y segunda practica (música del
nuevo estilo) durante la primera parte del
siglo XVII.
Luzzasco Luzzaschi (1545 —1607), fue un organista y compositoritaliano.
Estudió con C. de Rore y fue organista y maestro de la capilla ducal.
Fue profesor de Girolamo Frescobaldi. Es autor de madrigales, de música
religiosa y de piezas para órgano.
Luca Marenzio (1553- 1599) fue un compositor italiano del renacimiento tardío, uno de los
mas renombrados de su época por la composición de
madrigales, antes de la transformación estilística que -ya en el
Barroco - les imprimió Monteverdi.
Aunque Marenzio escribió algo de música sacra en la forma de
motetes y 'madrigales espirituales' , la gran mayoría de su
obra, y su principal legado, es sin duda su enorme producción de
madrigales, que varían en estilo y técnica a lo largo de sus dos
décadas de carrera como compositor.
Carlo Gesualdo (1566 -1613), príncipe de Venosa y conde de Conza, fue un
compositor italiano, una de las figuras mas significativas del
Renacimiento.
Entre su obra destaca:
2 Libros de Sacrae cantiones, cinco a siete voces (1603).
Responso de la Oscuridad para Semana Santa.
4 Motetes a María.
6 Libros de Madrigales, a cinco voces (1594-1611).
Un libro de madrigales a seis voces, póstumo (1626).
SIGLO XVII
* Barroco
El barroco se desarrolló entre el siglo XVII y principios del XVIII. Fue
una época de grandes disputas en el terreno político y religioso,
surgiendo una división entre los países católicos contra
reformistas, donde se afianzó el estado absolutista, y los países
protestantes, de signo mas parlamentario. El arte se volvió
mas refinado y ornamentado, con pervivencia de un ciertoracionalismo
clasicista pero con formas mas dinamicas y efectistas, con gusto
por lo sorprendente y anecdótico, por las ilusiones ópticas y los
golpes de efecto.
El Barroco fue un periodo de la historia en la cultura occidental que produjo
obras en el campo de la literatura, la escultura, la pintura, la arquitectura,
la danza y la música, y que abarca desde el año 1600 hasta el
año 1750 aproximadamente. Se suele situar entre el Renacimiento y el
Neoclasico, en una época en la cual la Iglesia católica
europea tuvo que reaccionar contra muchos movimientos revolucionarios
culturales que produjeron una nueva ciencia y una religión disidente
dentro del propio catolicismo dominante: la Reforma Protestante.
Como estilo artístico el barroco
surgió a principios del
siglo XVII y de Italia se irradió hacia la mayor parte de Europa.
Durante mucho tiempo (siglos XVIII y XIX) el término barroco tuvo un
sentido peyorativo, con el significado de recargado, desmesurado e irracional,
hasta que posteriormente fue revalorizado a fines de siglo XIX por Jaco b
Burckhardt y luego por Benedetto Croce y Eugenio d'Ors.
A la derecha Las Meninas – Velazquez
* Escultura
La escultura adquirió el mismo caracter dinamico, sinuoso,
expresivo, ornamental, destacando el movimiento y la expresión, con una
base naturalista pero deformada a capricho del artista. En Italia destacó
nuevamente Bernini, autor de obras como
Apolo y Dafne ( 1622-1625), Éxtasis de Santa Teresa (1644-1652), Muerte
de la beata Ludovica Albertoni (1671-1674), etc. En Francia destacaron
François Girardon,Antoine Coysevox y Pierre Puget. En España
perduró la imaginería religiosa de herencia gótica,
destacando Gregorio Fernandez, Juan Martínez
Montañés, Alonso Cano, Pedro de Mena, Francisco Salzillo, etc.
La escultura barroca se desarrolla a través de las creaciones
arquitectónicas, sobre todo en estatuas, y también en la
ornamentación de ciudades en plazas, jardines o fuentes. En
España también se manifestó en imagenes religiosas
talladas en madera, en la llamada
imaginería que esperaba despertar la fe del pueblo.
Extasis de Santa Teresa – Bernini
ESCULTORES BARROCOS:
Gian Lorenzo Bernini (1598 - 1680) fue un escultor, arquitecto y pintor
italiano, uno de los artistas mas destacados del Barroco.
Las obras de Bernini revelaron ya desde un principio su enorme talento. En su
primera fase estilística, Bernini demuestra un interés y un
respeto absoluto por la escultura helenística, en obras que imitaban a
la perfección el estilo antiguo.
Son de este período el Angel con el dragón y el Fauno che
scherza con gli Amorini. En cambio, obras creadas en solitario por Gian Lorenzo
son La Cabra Amaltea en 1615, y los dos retratos en busto de Santoni y de
Giovani Vigevano para sendas iglesias.
François Girardon (1628-1715) fue un escultor francés nacido en Troyes, fue uno de los
maestros de la escultura decorativa y monumental. Fue el protegido del canciller
Séguier que le envió a Roma para su formación.
Académico en 1657, fue uno de los principales colaboradores de Charles
Le Brun.
Trabajó con éste último y con André Le Nôtre
en la construccióndel Palacio de Vaux-le-Vicomte.
Participó en la decoración de la galería de Apolo del
Louvre y realizó importantísimas obras para los jardines del Palacio de
Versalles: el Apolo servido por la ninfas, La estatua del Invierno, el
bajorrelieve El baño de las Ninfas del que, un modelo reducido, se
encuentra en el Museo del Louvre.
Esculpió, asimismo, la Tumba de Richelieu, en la Sorbona, y la estatua
ecuestre de Luis XIV, erigida en la plaza de Louis-le-Grand (hoy plaza
Vendôme) que fue destruida durante la Revolución francesa y de la
cual hay un modelo reducido en el Museo del Louvre.
Juan Martínez Montañés (1568 - 1649), fue un escultor
español que trabajó entre la escultura del Renacimiento y la del barroco. Se
formó en Granada
con Pablo de Rojas y completó su educación en Sevilla, donde se
estableció para el resto de su vida, convirtiéndose en el
maximo exponente de la escuela sevillana de imaginería.
Practicamente toda su obra fue de tema religioso, menos dos estatuas
orantes y el retrato de Felipe IV. Recibió y realizó encargos
para diversas ciudades del
continente americano. En su tiempo fue conocido como el «Lisipo
andaluz» y también como el «Dios de la madera» por la
gran facilidad y maestría que tenía al trabajar con dicho
material.1
Pierre Puget, (1620 - 1694), escultor y arquitecto francés.
Se desplazó desde su ciudad natal hasta Roma, donde tuvo a Pietro da
Cortona como
maestro entre 1640 y 1643. La potencia de sus modelados, de una plasticidad
cargada de sentimiento, convierte a las obras de Puget en unas de lasmas
originales de la escultura barroca francesa. Desarrolló la mayor parte
de su actividad en la corte de París.
Pedro de Mena y Medrano (1628- 1688), fue un escultor del barroco español.
Pedro de Mena se dedicó principalmente a la realización de
imaginería religiosa, oficio al que también se había
dedicado su padre, Alonso de Mena, y de quien heredó un taller en Granada. Ademas,
tuvo otro taller instalado durante treinta años en Malaga, a
donde se había dirigido para realizar una de sus obras mas
conocidas. En esta ciudad ejecutó gran cantidad de encargos,
especialmente para órdenes religiosas. En sus obras destacan: los
rostros y rasgos alargados de sus figuras, las ropas trabajadas con unos
perfiles extremadamente finos y la policromía empleada
Magdalena Penitente – Pedro de Mena
* Pintura
La pintura se desarrolló en dos tendencias contrapuestas: el
naturalismo, basado en la estricta realidad natural, con gusto por el
claroscuro –el llamado tenebrismo–, donde cabe citar a Caravaggio,
Orazio y Artemisia Gentileschi, Pieter van Laer, Adam Elsheimer, Georges de La
Tour y los hermanos Le Nain; y el clasicismo, que es igualmente realista pero
con un concepto de la realidad mas intelectual e idealizado, englobando
a Annibale Carracci, Guido Reni, Domenichino, Guercino, Giovanni Lanfranco,
Nicolas Poussin, Claude Lorrain, Hyacinthe Rigaud, etc. En el llamado
«pleno barroco» (segunda mitad del siglo XVII), de estilo
decorativo y predominio de la pintura mural, destacaron Pietro da Cortona, Andrea
Pozzo, Luca Giordano y Charles Le Brun.Aparte de estas corrientes, hubieron
infinitud de escuelas, estilos y autores de muy diverso signo, destacando dos
escuelas regionales: la flamenca (Peter Paul Rubens, Anton Van Dyck, Jacob
Jordaens, Frans Snyders), y la holandesa (Rembrandt, Jan Vermeer, Frans Hals).
En España destacó la figura excepcional de Diego Velazquez
(La fragua de Vulcano, 1630; La rendición de Breda, 1635; Venus del
espejo, 1650; Las Meninas, 1656; Las hilanderas, 1657), así como
José de Ribera, Francisco Ribalta, Alonso Cano, Francisco de
Zurbaran, Juan de Valdés Leal y Bartolomé Esteban Murillo.
PINTORES BARROCOS:
Diego de Silva Velazquez (1599-1660), pintor español,
maximo representante de la pintura barroca en su país.
Nació en Sevilla el 6 de junio de 1599. Procedente de una familia
burguesa sevillana, fue el mayor de seis hermanos. Entre 1611 y 1617 el joven
Velazquez trabajó como aprendiz en el taller del que sería
su futuro suegro, Francisco Pacheco, pintor manierista y autor de un importante
tratado titulado El arte de la pintura (1649). Durante sus años de
aprendizaje, Velazquez aprendió el naturalismo tenebrista
imperante en su época, derivado del
realismo italiano y del
flamenco.
Michelangelo Merisi da Caravaggio (1571 –1610) fue un pintor italiano
activo en Roma, Napoles, Malta y Sicilia entre los años de 1593 y
1610. Es considerado como
el primer gran exponente de la pintura del Barroco.
En 1599, presumiblemente bajo la influencia del cardenal Del Monte, Caravaggio fue
contratado para decorar la Capilla Contarelli, en la iglesiaromana de San Luis
de los Franceses. Los dos trabajos hechos para este encargo fueron: El martirio
de San Mateo, y La vocación de San Mateo, entregados en
1600.
Andrea Pozzo, (1642 –1709) pintor, arquitecto, diseñador de
escenarios y teórico del
arte barroco italiano.
El aspecto mas relevante de su trabajo son los grandiosos frescos
realizados usando la técnica ilusionista de la Quadratura, en el cual se
entremezclan la arquitectura, la escultura y la pintura, siendo su obra cumbre
el techo de la bóveda de la iglesia de San Ignacio en Roma (1685-1694)
en la cual aplica una técnica que posee efectos ópticos
particularmente sorprendentes. Gracias a sus técnicas, se
convirtió en una de las figuras mas notables del periodo barroco.
Desde 1702 trabajó en Viena decorando la iglesia de los Jesuitas, orden
a la que pertenecía, y del palacio de Liechtenstein.
Escribió el tratado Perspectiva pictorum en (1693).
Abside de San Ignacio de Loyola. Roma - Andrea Pozzo
* Arquitectura
La arquitectura, bajo unas líneas clasicas, asumió unas
formas mas dinamicas, con una exuberante decoración y un
sentido escenografico de las formas y los volúmenes. Cobró
relevancia la modulación del espacio,
con preferencia por las curvas cóncavas y convexas, poniendo especial
atención en los juegos ópticos (trompe-l'œil) y el punto de
vista del
espectador. Al igual que en la época anterior, el motor del nuevo estilo
volvió a ser Italia: Gian Lorenzo Bernini fue uno de sus mejores
exponentes, siendo el principal artífice de la Roma monumentalque
conocemos hoy día (columnata de la Plaza de San Pedro, baldaquino de San
Pedro, San Andrés del Quirinal, Palacio Chigi-Odescalchi); Francesco
Borromini es otro gran nombre de la época, autor de las iglesias de San
Carlo alle Quattre Fontane y Sant'Ivo alla Sapienza; también destacaron
Pietro da Cortona, Baldassare Longhena, Filippo Juvara y Guarino Guarini. En
Francia, bajo el reinado de Luis XIV, se iniciaron una serie de construcciones
de gran fastuosidad: fachada del
Palacio del Louvre, de Louis Le Vau y Claude Perrault; Palacio de Versalles, de
Le Vau y Jules Hardouin-Mansart. En Austria destacó Johann
Bernhard Fischer von Erlach, autor de la Iglesia de San Carlos Borromeo en
Viena. En Inglaterra cabe mencionar la Catedral de San Pablo de Londres, de
Christopher Wren. En España, la arquitectura acusó en la primera
mitad del siglo XVII la herencia herreriana, con Juan Gómez de Mora como
figura destacada, mientras que en la segunda mitad de siglo se dio el estilo
churrigueresco (por José Benito Churriguera), caracterizado por el
exuberante decorativismo y el uso de columnas salomónicas (Retablo Mayor
de San Esteban de Salamanca).
ARQUITECTOS BARROCOS.
Gian Lorenzo Bernini (1598 - 1680) fue un escultor, arquitecto y pintor
italiano, uno de los artistas mas destacados del Barroco.
Entre sus obras arquitectónicas destacan:
Plaza de San Pedro
Iglesia de Sant'Andrea en el Quirinal
Capilla del Marqués Raymondi en San Pietro in Montorio, Roma
Colegiata de Ariccia
Iglesia de San Tomas deVillanova (Ariccia)
Palacio Montecitorio
Palacio Chigi Odescalchi
Scala Regia del Vaticano
Francesco Borromini, (1599 - 1667) fue un arquitecto suizo-italiano,
considerado uno de los maximos exponentes del barroco romano
Entre 1634 y 1637 su primer encargo independiente fue la reconstrucción
de la iglesia de San Carlo alle Quattro Fontane , también llamada San
Carlino. La fachada se terminaría mucho mas tarde, al fin de su
carrera, incrementando el valor arquitectónico de la obra. La iglesia
esta dedicada a San Carlos Borromeo y se la considera una obra maestra del barroco.
Borromini evitó la linearidad del clasicismo y eligió un esquema
oval, que representara la cosmovision de ese entonces, en lugar de la
mas simple forma circular, utilizada en el Renacimiento, bajo una
cúpula también oval estructurada mediante un sistema de cruces y
octógonos que se van reduciendo hasta la linterna superior, fuente de
toda la luminosidad del oscuro interior.
Pietro da Cortona, (1596 –1669) fue un pintor y arquitecto italiano.
Una de las mayores consecuciones arquitectónicas del barroco es la Iglesia de San Lucas y
Santa Martina cerca del Foro (1635-1650). Para la forma de cruz griega de esta
iglesia tomó como
punto de referencia la planta circular de Miguel Angel en la iglesia de
San Lorenzo de Florencia. Acentuó el espacio central, apeando la
cúpula sobre columnas enteras, de modo que las capillas posteriores
forman divisiones radiales, dejando un deambulatorio continuo. También
es obra suya el notable embellecimiento delexterior de Santa Maria della Pace
(1656-1667) su obra mas completa por su ambientación en un
entorno medieval, en la que colaboró con Carlo Fontana, y la fachada de
Santa Maria in Vía Lata (hacia 1660) en cuyo pórtico
realizó una disposición semejante a la de San Andrés en el
Quirinal de Bernini y San Carlos al Corso (1668).
Juan Gómez de Mora (1586 – 1648) fue un arquitecto español.
Sobrino del también arquitecto Francisco de Mora, tuvo relación
con la Corte desde su nacimiento. Su padre, Juan Gómez, fue pintor de
camara del
rey Felipe II de España.
Destacan entre todos sus trabajos:
Convento de San Gil (a partir de 1613).
Plaza Mayor y su entorno, como
las casas de la Cava de San Miguel (1617–1619) o la Casa de la
Panadería (1617–1619).
Ayuntamiento, hasta 1644.
Proyecto para la Sala de Alcaldes de la Casa y Corte.
Proyecto para la Carcel de Corte, posterior Palacio de Santa Cruz y actual Ministerio de Asuntos
Exteriores.
Monasterio de Agustinas Descalzas de Santa Isabel,
en colaboración con Jerónimo Lazaro Goiti
(1639–1648).
Nuestra Señora del Loreto, en colaboración con Jerónimo
Lazaro Goiti (1641–1648).
Proyecto del
Puente de Toledo.
* Literatura
La literatura barroca se caracterizó por el pesimismo, con una
visión de la vida planteada como
lucha, sueño o mentira, donde todo es fugaz y perecedero. Su estilo era
suntuoso y recargado, con un lenguaje muy adjetivado y metafórico. En un
primer momento se produjeron diversas corrientes: el eufuismo en Inglaterra
(John Lyly, Robert Greene), elpreciosismo en Francia (Vincent Voiture), el
marinismo en Italia (Giambattista Marino), la primera (Martin Opitz, Angelus
Silesius, Andreas Gryphius) y segunda escuela de Silesia (Daniel Casper von Lohenstein,
Hans Jakob Christoph von Grimmelshausen) en Alemania. Mas adelante
surgió el clasicismo en Francia, con autores como François de la
Rochefoucauld, Jacques-Bénigne Bossuet, Nicolas
Boileau-Despréaux, Jean de La Fontaine, François de Malherbe,
Cyrano de Bergerac y Madeleine de Scudéry. En Inglaterra destacó
la obra poética de John Milton (El paraíso perdido, 1667). En
España, donde el siglo XVII sería denominado el «Siglo de
oro», se produjeron dos corrientes: el culteranismo, liderado por Luis de
Góngora, donde destacaba la belleza formal, con un estilo suntuoso,
metafórico, con proliferación de latinismos y juegos
gramaticales; y el conceptismo, representado por Francisco de Quevedo y
Baltasar Gracian, donde predominaba el ingenio, la agudeza, con un
lenguaje conciso pero polisémico, con múltiples significados en
pocas palabras.
Félix Lope de Vega y Carpio (1562 –1635) fue uno de los mas
importantes poetas y dramaturgos del
Siglo de Oro español y, por la extensión de su obra, uno de los
mas prolíficos autores de la literatura universal.
El llamado Fénix de los ingenios y Monstruo de la Naturaleza (por Miguel
de Cervantes), renovó las fórmulas del teatro español en
un momento en el que el teatro comenzaba a ser un fenómeno cultural y de
masas. Maximo exponente, junto a Tirso de Molina y Calderón de la
Barca, del teatro barrocoespañol, sus obras siguen
representandose en la actualidad y constituyen una de las mas
altas cotas alcanzadas en la literatura y las artes españolas. Fue
también uno de los grandes líricos de la lengua castellana y
autor de muchas novelas.
Luis de Góngora y Argote (1561 –1627) fue un poeta y dramaturgo
español del Siglo de Oro, maximo exponente de la corriente
literaria conocida, mas tarde y con simplificación perpetuada a lo
largo de siglos, como culteranismo o gongorismo, cuya obra sera imitada
tanto en su siglo como en los siglos posteriores en Europa y América.
Como si se tratara de un clasico latino, sus obras fueron objeto de
exégesis ya en su misma época.
Aunque Góngora no publicó sus obras , éstas pasaron de
mano en mano en copias manuscritas que se coleccionaron y recopilaron en
cancioneros, romanceros y antologías publicados con su permiso o sin
él. El manuscrito mas autorizado es el llamado Manuscrito
Chacón
Francisco de Quevedo (15801 –1645), fue un escritor español del
Siglo de Oro. Se trata de uno de los autores mas destacados de la
historia de la literatura española y es especialmente conocido por su
obra poética, aunque también escribió obras narrativas y obras
dramaticas.
* Música
La música barroca destacó por el contraste, los acordes
violentos, los volúmenes móviles, la ornamentación
exagerada, la estructura variada y contrastada. Se caracterizó
especialmente por la utilización del bajo continuo, sección
instrumental grave que sostenía ininterrumpidamente la parte
melódica superior. En esta épocala música alcanzó
cotas de gran brillantez, desvinculandose plenamente de la voz y el
texto, surgiendo las formas instrumentales puras (suite, sonata, tocata,
concierto, sinfonía). Con la sonata nacieron los nombres de velocidad:
allegro, adagio, presto, vivace, andante, etc. En la música religiosa
nacen el oratorio y la cantata, mientras que la música coral
triunfó especialmente en el mundo protestante. En España nacieron
la zarzuela y la tonadilla como manifestaciones de la música popular.
Entre las grandes figuras de la música barroca conviene recordar a
Antonio Vivaldi, Tommaso Albinoni, Arcangelo Corelli, Marc-Antoine Charpentier,
Johann Pachelbel, Heinrich Schütz, Johann Sebastian Bach, Georg Philipp
Telemann, Georg Friedrich Haendel, etc.
En ópera destacó la escuela veneciana, primer lugar donde la
música se desligó de la protección religiosa o
aristocratica para ser representada en lugares públicos: en 1637
se fundó el Teatro di San Cassiano, primer centro operístico del
mundo. Comenzó el gusto por las voces solistas, principalmente las
agudas (tenor, soprano), apareciendo el fenómeno de los castrati. La
ópera barroca destacó por la escenografía complicada,
ornamentada, recargada, con cambios repentinos. Destacan Pier Francesco
Cavalli, Antonio Cesti, Jean-Baptiste Lully, Henry Purcell, Georg Friedrich
Haendel, etc. A finales del siglo XVII, la escuela napolitana introdujo un
estilo mas purista, mas clasicista, simplificando los argumentos
y haciendo óperas mas cultas y sofisticadas. Alessandro Scarlatti
introdujo el aria en tres partes (aria dacapo).
MUSICOS BARROCOS:
Antonio Lucio Vivaldi (1678 - Viena 1741), mas conocido como Antonio
Vivaldi, fue un compositor y músico del Barroco tardío. Se trata
de una de las figuras mas relevantes de la historia de la música.
Su maestría se refleja en haber cimentado el género del
concierto, el mas importante de su época.
El Ryom-Verzeichnis o catalogo Ryom es un importante catalogo de
las obras de Vivaldi. Otros catalogos son los de Fanna, Pincherle y
Ricordi.
Una lista completa de sus composiciones se encuentra en Klassika.info (en
aleman).
Su producción fue numerosísima. Escribió 46 óperas,
70 sonatas, 195 composiciones vocales, entre las que se cuentan 45 cantatas de
camara y 554 composiciones instrumentales, en su mayoría
conciertos. Los mas conocidos son los doce que componen el Cimento
dell´ Armonia y dell´ Invenzione (1725).
Johann Sebastian Bach (1685 –1750) fue un organista, clavecinista y
compositor aleman de música del Barroco, miembro de una de las
familias de músicos mas extraordinarias de la historia, con
mas de 35 compositores famosos y muchos intérpretes destacados.
Dentro de su vasta obra existen dos grandes bloques: uno es la música
vocal, que comprende cantatas, pasiones, oratorios, corales, etc., y el otro es
la música instrumental, desde conciertos (varios para un único
solista y otros con hasta cuatro solistas), sonatas, suites, oberturas, preludios,
fugas, fantasías, canones, ricercares, variaciones, pasacalles,
etc. para una amplísima gama de instrumentos (practicamente todos
los de la orquesta) desu época (la primera mitad del siglo XVIII), desde
los mas modernos, flauta travesera, hasta los que estaban en su cenit
(laúd, viola da gamba, clavecín), incluso con instrumentos que
quedaron como una curiosidad y nada mas, como el
clavecín-laúd, un híbrido de clavecín y
laúd.
Marc-Antoine Charpentier (1643 -1704) fue un compositor del Barroco
francés.
Fue un compositor prolífico y versatil, produciendo música
de la mas alta calidad en distintos géneros. La maestría
de su composición en la música religiosa vocal fue reconocida por
sus contemporaneos.
Georg Friedrich Händel (1685 –1759) fue un compositor aleman,
posteriormente nacionalizado inglés, considerado una de las cumbres del
Barroco y uno de los mas influyentes compositores de la música
occidental y universal.
Entre sus numerosas óperas y oratorios, cabe mencionar: Agrippina
(1709),Rinaldo (1711),Amadigi di Gaula (1715), Julio César (1724),
Tamerlano (1724), Rodelinda (1725), Tolomeo (1728), Acis y Galatea (1731),
Poro, re dell'Indie (1731), Esther (1732), Atalía (1733),Orlando (1733),
Deborah (1733),Ariodante (1735),Alcina (1735), El festín de Alejandro
(1736), Saúl (1739), Israel en Egipto (1739), Il Allegro, il penseroso e
il moderato (1740), El Mesías (1741), Samson (1743), Sémele
(1744), Hércules (1745), Baltasar (1745), Judas Macabeo (1746), Salomón
(1748), Susana (1749), Teodora (1750) y Jephtha (1751), que son obras maestras
de referencia obligada dentro del género.
Su inmenso legado musical, síntesis de los estilos aleman,
italiano, francés e inglés de la primera mitad delsiglo XVIII,
incluye obras en practicamente todos los géneros de su
época, donde 43 óperas, 26 oratorios y un legado coral son lo
mas sobresaliente e importante de su producción musical.
* Danza
En Francia, la danza barroca (ballet de cour) hizo evolucionar la música
instrumental, de melodía única pero con una rítmica
adaptada a la danza. Fue patrocinada especialmente por Luis XIV, que
convirtió la danza en grandes espectaculos (Ballet de la Nuit,
1653, donde intervino el rey caracterizado de sol), creando en 1661 la Academia
real de Danza. Como coreógrafo destacó Pierre Beauchamp, creador
de la danse d'école, el primer sistema pedagógico de la danza.
Las principales tipologías fueron: minuet, bourrée, polonaise,
rigaudon, allemande, zarabande, passepied, gigue, gavotte, etc. En España
también se dieron diversas modalidades de danza: seguidilla, zapateado,
chacona, fandango, jota, etc.
ALLEMANDE
Danza de origen aleman cuyas primeras manifestaciones conocidas datan de
la mitad del siglo XVI. Tiene un ritmo moderando y fluido con una breve
anacrusa, en compas de 4/4 y estructura o forma binaria, es decir, en
dos partes (A-B). La seguía una danza mas viva en 3/4 o tres
tiempos. Tras un breve preludio, la allemande, iniciaba la suite barroca, que
se desarrolló en la segunda mitad del s. XVII y primera del siglo XVIII.
La allemande, convertida en forma instrumental en la suite, precedía a
una courante, que desarrollaba los temas de la allemande, por ejemplo, en
composiciones de Händel y Bach.
COURANTE
Danza de origen francés que se bailaba desdeel s. XVI en Europa. Durante
el s. XVIII se incorpora en la suite detras de la allemande. La courante
italiana (corrente) era de ritmo muy rapido en tres tiempos y la forma
de desarrollo era binaria (A-B). Vivaldi y Corelli utilizan esta forma en
alguna de sus sonatas para violín. La courante francesa, mas
elegante y un poco mas lenta, también era de ritmo ternario. Se
caracterizaba por ser mas contrapuntística e imitatiba que la
italiana, donde se tendía mas al desarrollo melódico.
Lully recurrió poco a este tipo de danza en su óperas, pero
Cuperin, en las composiciones para clave, y Rameau, en las obras
escénicas, la usaron con frecuencia.
ZARABANDA
Danza española de ritmo ternario, de los s. XVI y XVII, que se bailaba
en parejas. Desde la segunda mitad del s. XVII se incluyó en la suite
instrumental barroca.
GIGA
Danza de origen irlandés que podía ser de ritmo ternario o
binario. Durante el s. XVII aparece en alguna suite francesa para clave y en
ballets y óperas de Lully. En Francia se desarrolló la denominada
giga francesa, aunque también existió la giga italiana,
mas rapida y melodiosa que la francesa. La giga italiana fue
utilizada por Corelli en las sonatas para un instrumento y en las sonatas
trío. Los alemanes prefirieron la forma francesa, mas
contrapuntística.
COREOGRAFOS BARROCOS:
Pierre Beauchamp (1631 —1705), fue un coreógrafo y bailarín
francés, probablemente el inventor de la notación
Beauchamp-Feuillet. Fue nombrado director de la «Académie Royale
de Danse» en 1671 (aunque no era un miembro fundador de la Academia
comocon frecuencia se afirma). Fue el coreógrafo principal de la
compañía de Molière (la «Troupe du Roy»)
durante 1664-73; ademas fue maestro de ballet en la
«Académie Royale de Musique» y «Compositeur des
Ballets du Roi». En estos puestos fue muy influyente y una de las
mas grandes figuras de la «belle danse» francesa del siglo
XVII, la danza barroca.
SIGLO XVIII
* Rococó.
Desarrollado en el siglo XVIII –en convivencia a principios de siglo con
el barroco, y a finales con el neoclasicismo–, supuso la pervivencia de
las principales manifestaciones artísticas del barroco, con un sentido
mas enfatizado de la decoración y el gusto ornamental, que son
llevados a un paroxismo de riqueza, sofisticación y elegancia. El
progresivo auge social de la burguesía y los adelantos
científicos, así como el ambiente cultural de la
Ilustración, conllevaron el abandono de los temas religiosos a favor de
nuevas tematicas y actitudes mas mundanas, destacando el lujo y
la ostentación como nuevos factores de prestigio social.
El Columpio – Fragonard
* Escultura.
La escultura tiene un aire gracil, refinado, con cierta pervivencia de
las formas barrocas, especialmente por influencia de Bernini. En Italia cabe
destacar la Fontana de Trevi, de Pietro Bracci y Filippo della Valle. En
Francia destacó la obra de Edmé Bouchardon, Jean-Baptiste Pigalle
y Étienne-Maurice Falconet. En Alemania tenemos la presencia de Georg
Rafael Donner, Franz Ignaz Günther y los hermanos Asam (Cosmas Damian y
Egid Quirin). En España podemos reseñar a Juan Pascual de Mena
yLuis Salvador Carmona.
La escultura es otra area en la cual intervinieron los artistas
rococó. Étienne-Maurice Falconet (1716–1791) es considerado
uno de los mejores representantes del rococó francés. En general,
este estilo fue expresado mejor mediante la delicada escultura de porcelana,
mas que con estatuas marmóreas e imponentes. El mismo Falconet
era director de una famosa fabrica de porcelana en Sèvres. Los
motivos amorosos y alegres son representados en la escultura, así como la
naturaleza y la línea curva y asimétrica.
El diseñador Edmé Bouchardon representó a Cupido tallando
sus dardos de amor con el garrote de Hércules, un símbolo
excelente del estilo Rococó. El semidiós es transformado en un
niño tierno, el garrote que rompe huesos se transforma en flechas que
golpean el corazón, en el momento en que el marmol es sustituido
por el estuco. En este periodo podemos mencionar a los escultores franceses
Jean-Baptiste Lemoyne, Robert le Lorrain, Michel Clodion y Pigalle.
Cupido - Edmé Bouchardon (1750).
ESCULTORES DEL ROCOCO
Pietro Bracci (1700 — 1773) fue un escultor italiano que trabajo dentro
del estilo Barroco tardío.
Algunas de sus obras en orden cronológico son:
Hay varios bustos oficiales de Benedicto XIII de Bracci, y una terracota
(1724), conservados en Palazzo Venezia, Roma. La evidente senectud del papa en
el retrato de marmol era una imagen difícil de embellecer.
dos estatuas para la basílica de Mafra, en Portugal (1730)
trabajos para la capilla de Clemente XII (Corsini) en Laterano (1732)
Esculpió las figuras para latumba de Benedicto XIII (1734) en Santa
Maria sopra Minerva, Roma, que fue diseñada por el arquitecto Carlo
Marchionni.
la estatua de la Asunción de María para el altar mayor del Duomo
de Napoles (bajo diseño de Paolo Posi; 1739)
Filippo della Valle (1698 - 1768) fue un escultor italiano. Filippo della Valle
fue un típico exponente de la escuela escultórica romana del
siglo XVIII, cuando se unió el intento de combinar el barroco de Bernini
con la serenidad mas clasica de Carlo Maratta y Alessandro
Algardi. Estuvo afiliado a la Academia de la Arcadia y ocupó por largos
años el cargo de príncipe Accademia di San Luca.
Luis Salvador Carmona (1708 - 1767) fue un escultor español del siglo
XVIII.
Entre sus obras destacan: La Fe (1752–53), por Carmona (R.A.B.A.S.F.,
Madrid).
En sus primeros años de trabajo, Carmona realizó distintos
trabajos en piedra en templos madrileños y participó en la serie
de reyes del Palacio Real de Madrid (1750-53). La mayor parte de su producción
se centra en la imaginería religiosa, con claras referencias barrocas,
si bien se perciben en su obra tendencias neoclasicas. Gran parte de su
producción se realizó para Madrid, aunque muchas piezas se perdieron
en la Guerra Civil.
* Pintura.
La pintura se movió entre la exaltación religiosa o el paisajismo
vedutista en Italia (Giambattista Tiepolo, Canaletto, Francesco Guardi), y las
escenas cortesanas de Jean-Antoine Watteau, François Boucher,
Jean-Baptiste-Siméon Chardin y Jean-Honoré Fragonard en Francia,
pasando por el retratismo inglés de Joshua Reynolds y
ThomasGainsborough. Figura aparte es el inclasificable pintor español
Francisco de Goya, que evolucionó desde un sello mas o menos
rococó hasta un cierto prerromanticismo, pero con una obra personal y
expresiva de fuerte tono intimista. Cultivó tanto la pintura como el
grabado, siendo igualmente de destacar sus cartones para tapices. Entre sus
obras destacan: los Caprichos (1799), La familia de Carlos IV (1800), El tres
de mayo de 1808 en Madrid (1814), las Pinturas negras (1820), etc.
La pintura rococó forma parte del estilo que, con tal nombre,
nació en Francia. Esta corriente estilística se conoce igualmente
como rocaille en Francia y Barroco tardío o Spätbarock en Europa
central. También se la llama «pintura galante». En general,
los historiadores del arte aplican el término
«rococó» a la pintura con cierta cautela, debido a la
dificultad que entraña determinar su homogeneidad.
El Baño de Diana – Boucher
PINTORES DEL ROCOCO.
Francesco Lazzaro Guardi (1712 –1793) fue un pintor de vedute (pintura de
paisajes) veneciano. Esta considerado entre los últimos
practicantes, junto con sus hermanos, de la clasica escuela de pintura
veneciana. Su pintura se caracteriza por colores expresivos y contornos
esfumados.
Sus primeras vedutas muestran la influencia tanto de Canaletto como de Luca
Carlevarijs. El 15 de febrero de 1757 se casó con Maria Mathea Pagani,
hija del pintor Matteo Pagani. El mismo año falleció su hermano
Gian Antonio y nació su primer hijo, Vincenzo. Su segundo hijo, Giacomo,
nació en 1764.
En 1763 trabajó en Murano, en la iglesiade san Pedro Martir,
acabando un Milagro de un santo dominico claramente influido por Alessandro
Magnasco, en un estilo cuasi-expresionista.
Canaletto (1697 –1768), cuyo verdadero nombre fue Giovanni Antonio Canal
fue un pintor famoso por sus paisajes urbanos de Venecia dentro del nuevo
género de la veduta. Era hijo del pintor Bernardo Canal, de ahí
su sobrenombre Canaletto. Su sobrino Bernardo Bellotto en ocasiones usó
el mismo seudónimo de Canaletto en su propia carrera.
Sus primeras obras datan de la década de 1720 a 1730. En 1723 aparece su
primer trabajo fechado y firmado que hoy en día se conoce,
«Capriccio Arquitéctónico» (1723, Milan,
colección particular), Capriccio Arquitéctónico,
recibiendo así sus primeros encargos de Stefano Conti y del
príncipe de Liechtenstein.
Francisco de Goya y Lucientes (1746 –1828) fue un pintor y grabador
español. Su obra abarca la pintura de caballete y mural, el grabado y el
dibujo. En todas estas facetas desarrolló un estilo que inaugura el
Romanticismo.
Ademas, su obra refleja el convulso periodo histórico en que
vive, particularmente la Guerra de la Independencia, de la que la serie de
estampas de Los desastres de la guerra es casi un reportaje moderno de las
atrocidades cometidas y componen una visión exenta de heroísmo
donde las víctimas son siempre los individuos de cualquier clase y
condición.
* Arquitectura.
La arquitectura pasó de la grandilocuencia barroca a un gusto mas
delicado, de formas graciles y con preponderancia de espacios
pequeños, de ambientes de recogimiento pensadospara el bienestar y el
confort. Se puso de moda lo exótico, especialmente el gusto por el arte
oriental. El rococó se desarrolló sobre todo en Francia y
Alemania, representado principalmente por Ange-Jacques Gabriel (Petit Trianon
de Versalles, Hotel Biron de París), François de Cuvilliés
(Pabellón de Amalienburg del Palacio de Nymphenburg en Múnich),
Johann Balthasar Neumann (Palacio Episcopal de Würzburg) y Dominikus
Zimmermann (Iglesia de Wies). En jardinería, al «jardín
italiano» sucedió el «jardín francés»,
de composición geométrica igual que el italiano, pero con una
perspectiva mas larga, composición mas simple, mayores
zonas de césped y un nuevo detalle ornamental: el parterre; destacan los
jardines de Versalles (diseñados por André Le Nôtre) y
Aranjuez.
ARQUITECTOS DEL ROCOCO.
Ange-Jacques Gabriel (1698 -1782), arquitecto francés, Primer arquitecto
del Rey Luis XV de Francia.
El estilo de Gabriel es de problematica clasificación, puesto que
por una parte, llegó a una depuración clasica
extraordinaria sin perder, por otra parte, la línea de la
tradición del grand siècle. Gabriel parte de la tradición
barroca de Jules Hardouin Mansart, Robert de Cotte, su padre Jacques V Gabriel,
etc. y es un claro precursor de arquitectos tan radicalmente neoclasicos
como el propio Ledoux.
François de Cuvilliés, (1695 - 1768). Fue un arquitecto
aleman nacido en Francia.
Se formó en París con Jacques François Blondel e
intentó adaptar el rococó francés a la estética
alemana del siglo XVIII.
De sus obras destaca el Pabellón de Amaliemburg enNymphenburg
(1734-1739). Reconocido como uno de los maestros del rococó
bavaro, prueba de ello la joya rococó del teatro de la corte en
la Residencia de Múnich, llamado en su honor Teatro de Cuvilliés.
André Le Nôtre (1613 –1700), fue jardinero de Luis XIV de
1645 a 1700, se encargó de diseñar los jardines del Palacio de
Versalles, del Palacio de Vaux-le-Vicomte y de Chantilly. Fue un conocido
cortesano que gozó de la amistad y afecto de Luis XIV. Fue el
diseñador de los proyectos de numerosos jardines a la francesa. Su
padre, Jean Le Nôtre fue jardinero del rey Luis XIII.
Interesado especialmente por la perspectiva y las ilusiones ópticas
trabajó como supervisor de los jardines y alrededor de los 40
años realizó su primera obra, junto al arquitecto Luis Le Vau y
el pintor y escultor Charles Le Brun.
Dominikus Zimmermann (1685, 1766) fue un arquitecto rococó y estucador.
Entre sus obras mas importantes se encuentran:
Iglesia abacial, Mödingen (1716-1725) en el distrito de Dillingen
Antiguo ayuntamiento (1719) e iglesia de San Juan (1752) en Landsberg am Lech
Iglesia de peregrinación en Steinhausen cerca de Bad Schussenried
(1728-1733)
Iglesia de Nuestra Señora en Günzburg (1735-1740)
Iglesia peregrinación en Wies cerca de Steingaden (1745-54)
Iglesia de la Peregrinacion.
* Literatura.
A nivel literario, el siglo XVIII fue el de la Ilustración, proyecto
iniciado con L'Encyclopédie de Diderot y D'Alembert y que supuso la
consagración del racionalismo a nivel filosófico, poniendo el
acento en la idea de progreso del serhumano y su capacidad ilimitada, concepto
que estableció el germen de la era moderna. Sus principales
representantes fueron Montesquieu, Voltaire, Denis Diderot, Jean-Jacques
Rousseau, el Abate Prévost, André Chénier, Giambattista
Vico, Alexander Pope, Daniel Defoe, Jonathan Swift, etc. En España se
denotó la influencia francesa en una literatura crítica y
especulativa, ganando gran auge el género del ensayo; destacaron Benito
Jerónimo Feijoo, Diego de Torres Villarroel, Ignacio Luzan y
José Francisco de Isla. Es de remarcar la fundación en esta
época de la Biblioteca Nacional y la Real Academia Española.
Montesquieu (1689 - 1755), fue un cronista y pensador político
francés que vivió en la llamada Ilustración.
Es uno de los filósofos y ensayistas ilustrados mas relevantes en
especial por la articulación de la teoría de la separación
de poderes, que se da por descontado en los debates modernos sobre los
gobiernos, y ha sido implementado en muchas constituciones a lo largo del
mundo.
Su pensamiento debe ser enmarcado dentro del espíritu crítico de
la Ilustración francesa, patente en rasgos como la tolerancia religiosa,
la aspiración de libertad y su concepto de la felicidad en el sentido
cívico, si bien se desmarcara de otros autores de la época
por su búsqueda de un conocimiento mas concreto y empírico
en oposición a la abstracción y método deductivo
dominantes. Podemos decir que como difusor de la Constitución inglesa y
teórico de la separación de poderes se encuentra muy cercano al
pensamiento de Locke, en tanto que como autor de las Cartas Persaspodría
situarse próximo a Saint-Simon.
Voltaire (1694 –1778) fue un escritor, historiador, filósofo y
abogado francés que figura como uno de los principales representantes de
la Ilustración, un período que enfatizó el poder de la
razón humana, de la ciencia y el respeto hacia la humanidad. En 1746
Voltaire fue elegido miembro de la Academia francesa.
Entre sus obras se encuentran:
Edipo, 1718, La Henriada, 1728, Historia de Carlos XII, 1730, Brutus, 1730,
Zaire, 1732
Rousseau (1712 1778) fue un escritor, filósofo y músico
franco-helvético definido como un ilustrado; a pesar de las profundas
contradicciones que lo separaron de los principales representantes de la
Ilustración.
Las ideas políticas de Rousseau influyeron en gran medida en la
Revolución francesa, el desarrollo de las teorías republicanas y
el crecimiento del nacionalismo. Su herencia de pensador radical y
revolucionario esta probablemente mejor expresada en sus dos mas
célebres frases, una contenida en El contrato social: «El hombre
nace libre, pero en todos lados esta encadenado»; la otra, contenida
en su Emilio, o De la educación: «El hombre es bueno por
naturaleza», de ahí su idea de la posibilidad de una
educación.
José Francisco de Isla de la Torre y Rojo (1703 –1781), novelista
y religioso jesuita leonés.
Entre sus obras destacan:
Papeles crítico-apologéticos (1726)
El tapabocas (1727)
Juventud triunfante (1727)
Cartas de Juan de la Encina. Obra de Josef Francisco de Isla contra un
libro que escribió don Josef Carmona, cirujano
Intitulado:'Método Racional de curar Sabañones' (1732)
Triunfo del amor y de la lealtad. Día grande de Navarra (1746)
* Musica.
Al rococó en música corresponde la llamada «música
galante», que era mas tranquila que la barroca, mas ligera
y sencilla, amable, decorativa, destacando el sentimentalismo. Desapareció
el gusto por el contraste y se buscó la gradación sonora
(crescendo, diminuendo). En la llamada Escuela de Mannheim se desarrolla la
música sinfónica, con la primera gran orquesta moderna (40
instrumentos), iniciativa del elector Carlos Teodoro de Wittelsbach. Su
principal representante, Johann Stamitz, es considerado el primer director de
orquesta. De entre los músicos de la época destacan los hijos de
Bach: Wilhelm Friedemann, Carl Philipp Emanuel, Johann Christoph Friedrich y
Johann Christian –este último introductor del piano en la
música sinfónica, inventado en 1711 por Bartolomeo
Cristofori–. En ópera, junto a la culta aparece la
«ópera bufa», de aire cómico, destinada a un
público mas popular, con influencia de la Commedia dell'arte
(Niccolò Piccinni, Baldassare Galuppi).
COPOSITORES DEL BARROCO.
Johann Stamitz (1717 –1757) fue un compositor,violinista y director de
orquesta bohemio. Padre de Carl Stamitz y Anton Stamitz, también
músicos y compositores
Johann Stamitz tiene también gran importancia como compositor. Fue uno
de los primeros compositores en componer sistematicamente
sinfonías en 4 movimientos, añadiendo el minuet y trio a los 3
movimientos habituales. También es habitual la introducción de
los clarinetes en la sinfonía,un tratamiento mas melódico
de la viola e incipientes intentos de unir los instrumentos de madera con la
cuerda. Destaca también la introducción de un segundo grupo de
material tematico contrastando en el primer movimiento de la sinfonía,
que fue decisivo para el desarrollo de lo que se conoce como forma sonata. Como
las óperas italianas, las composiciones de Stamitz tienen un fuerte
sentido de unidad rítmica y material tematico distintivo en la
exposición.
Wilhelm Friedemann Bach (1710–1784) fue el segundo de los veinte hijos
del célebre compositor Johann Sebastian Bach. Bien dotado musicalmente,
fue muy solicitado por su arte y su estilo a la hora de interpretar. Los pocos
retratos que existen de él lo muestran delgado, de rasgos finos, muy
distinto a sus hermanos e incluso a su propio padre (todos de cuerpos y rostros
anchos, fuertes y macizos): probablemente heredó los rasgos de su madre
María Barbara Bach.
Johann Christoph Friedrich Bach (1732 - Bückeburg, 1795). Músico
aleman, hijo de Johann Sebastian Bach.
Compuso veinte sinfonías en dos grupos distintos, separados por una
veintena de años: las diez primeras hacía 1765-1772,
después de Serini y Colonna, y la vuelta del conde Guillermo de la
guerra de los Siete Años; las diez últimas entre 1772 y 1794, sin
duda para afirmarse ante Neubauer. Desgraciadamente doce de ellas - de la 7 a
la 9 y de la 11 a la 19 - desaparecieron durante la Segunda Guerra Mundial, y
de otra, la número 5, sólo poseemos la reducción al piano.
Quedan siete sinfonias. De las pérdidas se conocen los incipit y
portanto las tonalidades, así como la instrumentación y el
número de movimientos.
Niccolò Vito Piccinni (1728 —1800), fue un compositor italiano,
autor principalmente de obras vocales (sobre todo óperas) y
también de varias piezas para clavecín y de música sacra.
A pesar de que hoy es un autor poco conocido, fue uno de los compositores de
ópera mas populares de su época, figura central de la
escena italiana y francesa de la segunda mitad del siglo XVIII, que
contribuyó de manera determinante al desarrollo de la napolitana Opera
buffa. Históricamente, tuvo la desgracia de aparecer entre predecesores
de la talla de Pergolesi y algunos grandes que le siguieron, como Domenico
Cimarosa y Mozart.
* Danza.
La danza siguió desarrollandose sobre todo en Francia, donde en
1713 se creó la Escuela de Ballet de la Ópera de París, la
primera academia de danza. Raoul-Auger Feuillet creó en 1700 un sistema
de notación de danza, para poder transcribir por escrito la diversa
variedad de pasos de danza. En esta época la danza comenzó a
independizarse de la poesía, la ópera y el teatro, consiguiendo
autonomía propia como arte, y formulando un vocabulario propio. Se
empezaron a escribir obras musicales sólo para ballet, destacando
Jean-Philippe Rameau –creador de la opéra-ballet–, y
comenzaron a surgir nombres de bailarines destacados, como Gaetano Vestris y
Marie Camargo. A nivel popular, el baile de moda fue el vals, de compas
¾, mientras que en España surgió el flamenco
* Neoclasicismo.
El término Neoclasicismo surgióen el siglo XVIII para denominar
de forma peyorativa al movimiento estético que venía a reflejar
en las artes los principios intelectuales de la Ilustración, que desde
mediados del siglo XVIII se venían produciendo en la filosofía, y
que consecuentemente se habían transmitido a todos los ambitos de
la cultura. Sin embargo después de la caída de Napoleón
los artistas no tardaron en cambiar sus ideas hacia el
Romanticismo y el Neoclasicismo fue abandonado.
El auge de la burguesía tras la Revolución Francesa
favoreció el resurgimiento de las formas clasicas, mas
puras y austeras, en contraposición a los excesos ornamentales del
barroco y rococó, identificados con la aristocracia. A este ambiente de
valoración del legado clasico grecorromano influyó el
hallazgo arqueológico de Pompeya y Herculano, junto a la difusión
de un ideario de perfección de las formas clasicas efectuado por
Johann Joachim Winckelmann, quien postuló que en la antigua Grecia se
dio la belleza perfecta, generando un mito sobre la perfección de la
belleza clasica que aún condiciona la percepción del arte
hoy día.
* Escultura.
La escultura, de lógico referente grecorromano, tuvo como principales
figuras a: Jean-Antoine Houdon, retratista de la sociedad prerrevolucionaria
(Rousseau, Voltaire, Lafayette, Mirabeau); Antonio Canova, que trabajó
para los papas y la corte de Napoleón (Paulina Borghese como Venus,
1805-1807); y Bertel Thorvaldsen, muy influido por la escultura griega,
consagrado a la mitología y la historia antiguas (Jasón conel
vellocino de oro, 1803). Otros nombres destacables serían John Flaxman,
Johann Gottfried Schadow, Johan Tobias Sergel y Damià Campeny.
ESCULTORES NEOCLACISISTAS
Jean-Antoine Houdon (1741 - 1828), fue un escultor francés, figura
cumbre del neoclasicismo de su país. Destacó en sus retratos por
la búsqueda del caracter individual, lo que le acercó al
prerromanticismo. Discípulo de Pigalle y Lemoyne, en 1764 se
trasladó a Roma para completar su formación. Allí
esculpió a Bruno. Se dedicó fundamentalmente al retrato,
iniciando la serie con uno de Diderot, en barro cocido, al que siguieron los de
Mirabeau, D'Alembert, Molière, Voltaire, Rousseau y Franklin. Este
último le sugirió la idea de viajar a Estados Unidos para
retratar a Washington. Houdon llegó al continente americano en 1785 y,
ademas de varios bustos del presidente, realizó la estatua que
actualmente se exhibe en el Capitolio. Durante la Revolución francesa,
plasmó los rostros de Necker, Lafayette y Napoleón. Cabe destacar
también su elegante Diana cazadora (1776), de estilo clasicista
Diana Caadora - Jean-Antoine Houdon
Bertel Thorvaldsen (1770 - 1844) fue un escultor danés/islandés.
Thorvaldsen fue un destacado representante del período neoclasico
en escultura. A menudo se le ha comparado con Antonio Canova, pero de hecho
personifica el estilo del arte griego clasico mas que el del
artista italiano. Las poses y expresiones de sus figuras son mas
estiradas y formales que las de Canova.
Sus obras pueden verse en muchos países europeos, especialmente enel
Museo Thorvaldsen.
Los motivos de sus obras (relieves, estatuas y bustos) se tomaron
principalmente de la mitología griega, pero también
retrató a personalidades importantes, como al papa Pío VII. A
Thorvaldsen se atribuye la tumba de Pío VII (1824-1831, basílica
de San Pedro, Roma).
John Flaxman (1755 -1826), fue un escultor, ilustrador y dibujante
inglés. Tuvo un papel muy destacado en el movimiento neoclasico
en Inglaterra.
En el período entre 1775 a 1787 realizó para el reputado
ceramista Josiah Wedgwood delicados relieves decorativos, inspirados en vasos y
vasijas griegas y romanas. Desde 1787 hasta 1794 Flaxman vivió en Roma,
donde produjo excelentes dibujos con gran fineza en sus líneas de temas
épicos de los poemas de Homero La ilíada y La Odisea(1793).
* Pintura.
La pintura mantuvo un sello austero y equilibrado, influido por la escultura
grecorromana o figuras como Rafael y Poussin. Destacó especialmente
Jacques-Louis David, pintor «oficial» de la Revolución
Francesa (Juramento de los Horacios,1784; La muerte de Marat, 1793;
Napoleón cruzando los Alpes, 1800). Junto a él conviene recordar
a: François Gérard, Antoine-Jean Gros, Pierre-Paul Prud'hon,
Anne-Louis Girodet-Trioson, Jean Auguste Dominique Ingres, Joseph Wright of
Derby, Johann Zoffany, Angelika Kauffmann, Anton Raphael Mengs, Joseph Anton
Koch, Asmus Jacob Carstens, José de Madrazo, etc.
José de Madrazo: La muerte de Viriato.
PINTORES NEOCLASICISTAS
Francisco Pascal Simon, Baron Gérard 1779 –1837) fue un
pintorneoclasico francés.
Fue uno de los pintores mas prolíficos y celebrados del Imperio y
la Restauración. Su conversación amena y el encanto de su estilo
hicieron que la sociedad de la época posara para él (como
Napoleón, la Emperatriz Josefina, la Emperatriz María Luisa,
Desirée Bernadotte, Madame de Staël, Talleyrand, el Duque de
Wellington, etc.)
Jacques-Louis David (1748 - 1825) fue un pintor francés de bastante
influencia en el estilo neoclasico. Buscó la inspiración
en los modelos escultóricos y mitológicos griegos,
basandose en su austeridad y severidad, algo que cuadraba con el clima
moral de los últimos años del antiguo régimen.
Mas tarde David llegó a ser un activo participante en la
Revolución francesa así como amigo de Maximilien de Robespierre;
en realidad fue el líder de las artes bajo la República Francesa.
Encarcelado tras la caída de Robespierre del poder, mas tarde se
alineó con el advenimiento de otro régimen político, el de
Napoleón Bonaparte. Fue en esta época cuando desarrolló su
'Estilo Imperio', notable por el uso de colores calidos al estilo
veneciano. Entre sus numerosos alumnos cabe destacar a Antoine-Jean Gros,
Anne-Louis Girodet de Roucy-Triosson y el mas conocido de todos: Jean
Auguste Dominique Ingres. Esto le hizo ser el pintor mas influyente del
arte Francés del siglo XIX, especialmente en las pinturas
académicas.
José de Madrazo y Agudo (1781 –1859) fue un pintor y grabador
español, tanto barroco como neoclasico. Padre de Federico
Madrazo, Pedro Madrazo y Luis Madrazo, y abuelo de Raimundo Madrazo y Ricardo
Madrazo.Pintó cuadros de temas religiosos e históricos
(«Pintura de historia»). Inició, junto a José
Aparicio, la corriente pictórica histórica patriótica, una
corriente artística neoclasica, con base en temas
patrióticos. Se enmarca en un estilo clasicista puro. Su estilo se
caracterizaba por su extrema teatralidad y por la tematica
histórica de exaltación patriótica, siguiendo el modelo de
David. Ramírez Domínguez lo califica de «relamido y
frío, con exageraciones grandilocuentes y patrioteras»:
Asmus Jacob Carstens (1754 -1798) fue un pintor germano-danés nacido en
Schleswig, y en 1776 marchó a Copenhague a estudiar. En 1783 fue a
Italia, donde quedó muy impresionado con la obra de Giulio Romano. Luego
se estableció en Lübeck como retratista, pero le ayudaron a visitar
Roma de nuevo en 1792, y gradualmente produjo algunas de sus mejores pinturas
históricas como El banquete de Platón y La batalla de Rossbach
que le hicieron famoso. Fue nombrado profesor en Berlín, y en 1795 se
celebró una gran exposición de sus obras en Roma, donde
murió en 1798. Carstens se encuentra entre los fundadores de la escuela
tardía de la pintura de historia alemana.
* Arquitectura.
La arquitectura neoclasica era mas racional, de signo funcional y
un cierto aire utópico, como vemos en los postulados de Claude-Nicolas
Ledoux y Étienne-Louis Boullée. Conviene distinguir dos tipos de
arquitectura neoclasica: la de herencia barroca, pero despojada de excesiva
decoración para distinguirse de la arquitectura rococó; y la
propiamente neoclasica, de líneas austeras yracionales, sobrias y
funcionales. A la primera pertenecen obras como el Panteón de
París, de Jacques-Germain Soufflot, o la Ópera de Berlín,
de Georg Wenzeslaus von Knobelsdorff; también se enmarca en esta
línea el neopalladianismo britanico y estadounidense. En la nueva
línea mas racional puede mencionarse el proyecto
urbanístico de las Tullerías, de Pierre-François-Léonard
Fontaine (iniciador del llamado «estilo Imperio»); la Piazza del
Popolo de Roma, de Giuseppe Valadier; el Walhalla de Ratisbona, de Leo von
Klenze; y el Museo del Prado de Madrid, de Juan de Villanueva.
Iglesia de la Gran Madre de Dios
ARQUITECTOS NEOCLACISISTAS.
Claude Nicolas Ledoux (1736 -1806), fue un arquitecto y urbanista
francés, uno de los principales representantes de la arquitectura
neoclasica.
Fue uno de los arquitectos mas activos a finales del Antiguo
Régimen, protegido de Madame du Barry, amante del rey Luis XV, y autor
de dos de las mas importantes obras públicas de la época:
La Salina real de Arc-et-Senans (declarada patrimonio de la Humanidad en 1982)
y las «Barrières» de París, el cerco fiscal que la
Ferme générale levantó para recaudar impuestos
—entre ellos la gabela, el impuesto de la sal—, una barrera de 24
km y 6 m de altura con 60 barreras o puestos de control que algunos autores
consideran una de las causas que mas contribuyó al descontento de
la población que culminó en la Revolución francesa en
1789.
Étienne-Louis Boullée (1728 - 1799) fue un visionario arquitecto
francés del neoclasicismo, cuya obra influyó mucho en los
arquitectos contemporaneos yaún hoy en día es considerada
importante.
Las ideas de Boullée tuvieron una gran influencia entre sus
contemporaneos, no sólo por su papel como maestro de otros
arquitectos importantes como Jean Chalgrin, Phillipe Morthié, Alexandre
Brongniart, y Jean-Nicolas-Louis Durand, si no por su faceta de tratadista y
arquitecto visionario. Parte de su obra sólo vio la luz del día
en el siglo XX; su libro Architecture, essai sur l'art («Ensayo sobre el
arte de la arquitectura»), defendiendo un neoclasicismo con un compromiso
emocional, sólo se publicó en 1953.
Juan de Villanueva y de Montes (1739 - 1811) fue un arquitecto español,
maximo exponente de la arquitectura neoclasica en España.
Su estilo, de gran severidad y sentido de las proporciones, se caracteriza como
una síntesis entre el estilo herreriano y el neoclasicismo. En efecto,
se considera que sus maximas influencias son Juan Bautista de Toledo y
Juan de Herrera, artífices del Monasterio de El Escorial.
En 1771 construye la Casa de Infantes en el Real Sitio de Aranjuez; en 1772, la
Casita del Príncipe en El Pardo; en 1773, la Casita de Arriba (con una
organización palladiana y una acentuada plasticidad en el tratamiento
del pórtico de acceso), para su uso por el infante don Gabriel, y la
Casita de Abajo (o del Príncipe), ambas en el Real Sitio de El Escorial.
Observatorio Astronómico de Madrid – Juan de Villanueva
* Fuentes de Consulta.
Juan Salvat y Otros. HISTORIA DEL ARTE SALVAT México D.F. 1976
Editorial OMGSA (Salvat editores) Tomos 6- 20
