INTRODUCCIÓN

El punto de partida que originó este trabajo surge de preguntarse como abordar un estudio sobre los inicios de la modernidad latinoamericana. Vivimos en un continente que sorprende con su variedad, por su diversidad que ha marcado su desarrollo histórico, sus rasgos culturales, y obviamente su arte. Sin embargo, es posible encontrar todavía, en algunas historias generales del arte latinoamericano, una tendencia a simplificar y homogenizar los comienzos de la modernidad. Basta una simple mirada a las realidades locales para ver de que manera tan diversa los artistas respondieron y responderan ya que algunos de estos no solo pasa por una sola tendencia, etc. a la búsqueda de sus propias tradiciones culturales. No es valido hacer generalizaciones a priori, es decir, antes de examinar el asunto, cuando la observación de lo especifico de cada país muestra la relación tan estrecha que existe entre el surgimiento del arte moderno y los acontecimientos políticos, sociales y culturales que estaban sucediendo.

La búsqueda de la identidad que comenzó a ser problema clave en los inicios del siglo XX, lejos de generar respuestas unanimes, planteó polémicas bastante difíciles de resolver. La variedad y la complejidad estética son un rasgo distintivo de América Latina, y en los veinte era mayor falta de homogeneidad, pues, se enfrentaban a la tardía consolidación de laindependencia, desde angulos diversos.

Desde fines del siglo XIX y comienzos del siglo XX se vivió en América Latina una significativa reacción nacionalista. Esta se manifestó tanto en el orden político, social, cultural y aún económico, obedeciendo a motivaciones diversas, unas pueden enmarcarse en los cambios internos y en la redefinición de las relaciones internacionales; otras en la necesidad de repensar lo nacional en términos de reconocer el valor de lo popular, lo cotidiano, el lugar, todo ello con un cierto sentido de reencuentro.

A nivel urbano es donde se desarrollaron los eventos culturales mas significativos. La influencia francesa tanto en ideas filosóficas, artísticas y literarias fue muy marcada, sin desconocer la presencia de una línea hispanica y luego angloamericana en el pensamiento del período.

En las artes plasticas creció la preocupación por la generación de un espíritu nuevo que de alguna forma buscaba enfrentar (desde puntos de vista diversos) todo lo que fuera repetición de estéticas anteriores. No se trataba de una simple imitación de lo que aportaban las vanguardias europeas, sino de un marcado interés por las nuevas formas, por los nuevos temas y por lo que de alguna manera significara destronar el realismo y racionalismo mas tradicionales.

Pero ademas, en algunos espacios el reconocimiento de lo propio pasó por reconocer e intentar recuperar aportes venidos de espacios culturales relegados, como lo eran la cultura indígena y africana. Y la ciudad se convirtió en el epicentro de todas estas creaciones,distanciando aún mas la relación existente entre ciudad y campo.

Las vanguardias latinoamericanas tienen una personalidad propia, por lo que no pueden considerarse elementales seguidores de las europeas y deben resituarse al mismo nivel que éstas. El analisis de su irrupción y desarrollo en los diferentes países (México, Cuba, Venezuela, Brasil, Uruguay y Argentina), pone de manifiesto su naturaleza dual entre las tendencias nacionalistas, de exaltación de las raíces prehispanicas, e internacional, asumiendo y desarrollando la modernidad artística, a la búsqueda de un arte latinoamericano específico y diferente, uno propio.

Hablar hoy de “Lo propio” en América latina tiene un sentido algo paradójico. La globalización y las corrientes comunicativas internacionales tienden a formar una comunidad universal. Se cree y se afirma que todo lo que se ofrece en las redes mundiales puede ser apropiado por todos, en cualquier lugar. Todo, finalmente, se convierte en objeto de consumo. Al tiempo que estas corrientes recorren los territorios del planeta, cobra vigencia la pregunta sobre aquello que, en medio del bullicio consumista, le pertenece a cada quien. La identidad y la diversidad son hoy temas importantes en el discurso filosófico y cultura. Hace un siglo se plantearon inquietudes similares, encuadradas en un contexto completamente distinto.

El arte ha sido visto usualmente comparativamente con los movimientos europeos del momento. Con esa mirada se fortaleció la creencia en un arte moderno latinoamericano como simpleréplica de movimientos y artistas europeos, con algunos toques de color local.


DESARROLLO

Principalmente después de dar una introducción en la cual hablamos desde donde partimos para hacer esta investigación, en que lugares y desde que puntos se puede abarcar este tema, de cómo y que es lo que les pasa a los involucrados en el tema, los artistas, de donde aparece y en que cronología, y de que era la vanguardia latinoamericana, lo mas importante diría yo es preguntarnos algo, que en esta búsqueda constante de algo propio, la pregunta que me formulo es:

¿Qué es lo propio?
La idea de lo propio se repite insistentemente: 'Hacer un arte propio', 'recuperar lo propio', fueron frases recurrentes. Vale la pena intentar preguntarse qué entendían al usar un concepto amorfo como ese.

Durante mucho tiempo se hicieron encuestas y se formulaban una serie de preguntas para ver que era lo que respondían fundamentalmente algunos escritores y artistas de algunos países hispanoamericanos, una de las principales preguntas que se hizo y fue la que mas repercutió fue hecha en “La revista de avance” y fue la siguiente:
¿Cree usted que la obra del artista americano debe revelar una preocupación americana?

Según el historiador y poeta venezolano Rufino Blanco escribió:
'Creo que el artista americano deberevelar una preocupación; mas una inspiración americana.'

Según el pintor cubano Eduardo Abela comentaba:
“Creo sinceramente que en la América esta el caudal que ha de fertilizar el arte del siglo XX […] Si la presente renovación del arte ha demostrado que el interés de toda obra reside sólo en su potencia anímica, demas esta decir que el verdadero artista americano tiene que sentir la preocupación, diré mejor la necesidad, de expresar visiones de su ambiente y de su espíritu. '

Según Ildefonso Pereda, un uruguayo, respondía diciendo:
'Creo que el artista americano debe revelar una preocupación esencialmente americana. Esta preocupación empieza a germinar en algunos países, que por su originalidad racial y por su tradición aborigen, estan mas capacitados para esa deseada americanización.'

Muchos mas pintores, artistas y escritores realizaron esta encuesta pero con estas respuestas me alcanza para formular mi hipótesis de lo que yo creo que es “lo propio”.

Las respuestas a esa 'preocupación americanista' que planteaba la pregunta permite percibir una serie de elementos comunes. Tal vez el mas recurrente sea la relación que se establecía entre la obra y la pertenencia a un lugar, a una cultura, planteada en términos casi resistentes; es decir, intencionalmente o no, la obra del artista revelaría un interés americanista. Y fue a partir de ese supuesto que se elaboraron las preocupaciones por lo propio, por lograr una cultura que le perteneciera al hundir sus raíces en una realidad forzosa. Descubrirla, caracterizarla,sería función esencial del creador.

O sea es una búsqueda constante para llegar a algo PROPIO, con características propias, mensajes propios, preocupaciones propias, sentimientos propios, y todo lo que el artista desee; pero sera propio, y no seguir siendo ese típico academicista, el cual sigue las reglas de lo tradicional sin romperlas y solo es un mensaje a través de reglas establecidas por una “escuela”. La conciencia de ser el resultado de la mezcla de diversos componentes culturales suponía tener la capacidad de reconocerlos. De allí el rescate de lo indígena o de lo africano, ingredientes tradicionalmente negados frente al peso del modelo occidental que menospreciaba las culturas no occidentales.

Uno de los pintores mas famosos en esta tendencia de la búsqueda sobre lo propio fue Joaquín Torres García. Éste es uno de los artistas uruguayos que mayor incidencia ha tenido a través de su obra y de su tarea docente en la historia cultural de su país, y uno de los poquísimos que dejó tras de si una escuela que trascendió fronteras y se mantiene viva en el presente, a mas de medio siglo de su desaparición física.
En el año 1894, en Barcelona, Torres García comienza sus estudios académicos del arte en la Academia de Bellas Artes y la Academia Baixas. Por medio de estas, ingresa al círculo artístico, donde comienza a relacionarse con varios intelectuales y artistas catalanes. También se reúne con músicos, literatos y poetas con quien amplia el espectro de su formación.
Torres García empezó a especializarse,estudió en Bellas Artes y en otras academias que le ayudaron a obtener conocimientos y poder incorporarse en el ambito artístico, estuvo mucho tiempo fuera de su país natal (Montevideo) y eso también lo ayudó en ese proceso de búsqueda inquebrantable sobre Lo propio del arte, ademas conocer nuevos lugares donde se puedo enriquecer intelectualmente y culturalmente buscando nuevas inspiraciones.
La obra de Torres García sufre un cambio en su contenido y en la estética de su pintura buscando respuestas en la vida actual y cotidiana. El artista abandona el aspecto naturalista imitativo, por el plastico. Este cambio de dirección lo conduce a abandonar las acuarelas y los dibujos a pluma para enderezar hacia el rumbo de los carteles de anuncio.
Luego de haber pasado por la literatura y la filosofía sus obras tiene énfasis en lo familiar, incorporando escenas campestres, labores de cultivo y labranza. Una vez casado y con dos hijos pequeños, Torres comienza a crear juguetes de madera con un fin pedagógico, creativo y entretenido para sus hijos.
En fin por lo que veo, por cada etapa que pasa en su vida, éste cambia su forma de expresión, como hoy decía, varios artistas no solo siguen una sola tendencia.
Luego después de 1944 Torres García quiso encontrar el modo de crear un arte universal, que fuese correlato de la concepción de un nuevo hombre, el hombre constructivo y universal. El universalismo constructivo sienta las bases del pensamiento del artista uruguayo. A grandes rasgos, esta propuesta retoma ciertos preceptos delpensamiento metafísico y del constructivismo. A través de símbolos y recursos formales simples como líneas horizontales y verticales, figuras geométricas basicas y el uso de la sección aurea, el artista crea un lenguaje plastico de alcance universal, conjugando símbolos de todas las épocas y tradiciones: clasica, mediterranea, del Oriente Medio y precolombina. Que hasta 1949 (año en que falleció) siguió con esa técnica basado en las formas y líneas.

Las pinturas de Torres García que mas me gustaron son estas:



Otro pintor que elegí y esta también incursionado en el arte Latinoamericano en la búsqueda de lo propio es Diego Rivera, nace en la ciudad mexicana de Guanajuato. Se forma en la Academia de Bellas Artes de San Carlos y en 1907 emprende un viaje de perfeccionamiento a España. Éste fue un destacado muralista mexicano de ideología comunista, fue famoso por plasmar obras de alto contenido social en edificios públicos.
La revolución popular llega a la pintura mejicana de la mano de Diego Rivera. Su pintura aborda una tematica relacionada con la historia propia de Méjico y sus gentes. Obreros, agricultores, la tierra, los ritos ancestrales crean un universo colorista. Si bien su fama mundial se debe a la actividad como muralista, el grabado y la pintura de caballete son otros campos en los que posee una ingente producción. En 1911 se instala en París, allí entra en contacto con el mundo postimpresionista, en concreto con Cézanne. Si bien Rivera se maneja bien en los nuevos lenguajes de Vanguardia,no tardó en rechazarlos en favor de un estilo mas realista, narrativo y sencillo. 
Diego no quiso seguir esa línea sino encontrar su propia línea y hacer su propio arte.
Desde 1913 hasta 1917, Rivera participó activamente en el cubismo. El artista mexicano se integró a este grupo desde una postura no ortodoxa y se apropió con libertad de las posibilidades plasticas que este lenguaje moderno ofrecía.
Para esto viaja a Italia en 1920. No sólo asimila este nuevo lenguaje sino que aprende la técnica renacentista del buon fresco. Giotto es el ejemplo que le marca definitivamente.
De regreso a Méjico inicia su actividad muralista, precisamente en 1921, se suma al muralismo mexicano con una pintura narrativa e historicista, integrando en sus trabajos alegorías históricas de su país con escenas campesinas y sucesos políticos contemporaneos.
En sus murales, Rivera seguira ligado a las formas sintéticas de Cézanne y de los cubistas, por un lado, y a la monumentalidad de las formas del Renacimiento y de la escultura del México prehispanico, por el otro.
Es la década en la que ejecuta piezas capitales como los murales del Palacio Nacional o la composición “La tierra fecunda”.
Su éxito traspasa fronteras y parte de la década de los treinta la pasa en Estados Unidos donde hizo encargos en el Rockefeller Center y en el Instituto de Arte de Detroit. Junto a él estaba su tercera esposa, la también pintora mejicana Frida Khalo, otra pintora mexicana muy reconocida.
En 1957 Diego Rivera fallece en la Ciudad de Méjico tras dejar unlegado plastico irrepetible en el que política, tradición y belleza se unen en uno de los resultados mas atractivos de la Historia del Arte.
De Diego Rivera las pinturas que mas me causaron un goce mirar fueron estas:

“Sueño de una tarde dominical en la alameda central”
“Día de Trabajo”
“Las dos Fridas”
“El cargador de Flores”
Tarsila do Amaral fue otra pintora que entró en el arte latinoamericano, esta pintora brasilera nació el 1 de septiembre de 1886.
De regreso a Europa en 1923 tiene contacto con los modernistas que se encontraban allí: intelectuales, pintores, músicos y poetas. Estudia con André Lothe, Albert Gleizes y Fernand Léger, grandes maestros cubistas, y mantiene estrecha amistad con Blaise Cendrars, el poeta vanguardista franco-suizo.
Las palabras en ese entonces hacia su familia fueron:
'Me siento incluso mas brasileña. Voy a ser una pintora de mi país. ¡Qué agradecida estoy por haber pasado toda mi infancia en la granja! Los recuerdos de esos tiempos han llegado a ser muy queridos para mí. Quiero, en arte, ser la niñita de campo se San Bernardo, que juega con muñecas de paja, como en el último cuadro en que estoy trabajando no pienses que esta tendencia se considera aquí negativamente. Por el contrario. Lo que aquí quieren es que cada uno traiga la contribución de su propio país. Esto explica el éxito de los ballets rusos, las artes graficas japonesas y la música negra. París ya ha tenido demasiado arte parisiense'
Tarsila en sus viajes aprendió muchas cosas estando en contactocon estos pintores y este poeta, aprendió que los colores son feo y sencillos, aprendió a que uno tiene que hacer su arte propio y que no solo hay que estar en contacto con una sola tendencia sino todo lo contrario. Cuantos mas conocimientos se obtengan, mas facil sera la búsqueda de lo propio.
Tarsila fue una pintora muy reconocida por sus obras que son muy características, ella pintaba la antropofagia, el antropofagismo representa para los artistas sudamericanos la forma de fundir el arte y las ideas modernas con los temas indígenas. Por ello se convierte en un movimiento esencial para la constitución del modernista brasileño, protagonizado en su mayoría por pintores e intelectuales. En esta línea es clave el trabajo de Tarsila do Amaral, pintora y escultora brasileña que se encuentra en 1920 en París estudiando en la Académie Julian y en 1923 trabajando con Gleizes y Léger, asumiendo las lecciones del constructivismo ruso y el cubismo, y desarrollando posteriormente un arte nacional enraizado en sus orígenes.
La introducción de la modernidad en el resto de América Latina sigue ese mismo camino en diversos grados. Ademas la antropofagia nos enseña que toda obra de arte nace por deboración de los modelos.




Las pinturas de Tarsila do Amaral que mas me llamaron la atención y me gustaron fueron estas:
“Carnaval em Madureira”
“Abapuru”
“O cuca”CONCLUSIÓN:

Después de realizar este proyecto si se quiere decir, eh llegado a la siguiente conclusión; primero que todo que las vanguardias latinoamericanas tienen una personalidad propia, por lo que no pueden considerarse elementales seguidores de las europeas y deben resituarse al mismo nivel que éstas.

En base a esto distintos artistas decidieron hacer una búsqueda constante de una identidad para ser destacados o identificados de alguna forma y por alguna razón, por esto es que sale “La búsqueda de lo propio”, pero si hablamos de lo propio, primero que todo tenemos que saber a que nos referimos con “lo propio”, en si lo que yo entendí al hacer entre proyecto, fue que lo que quisieron hacer estos artistas es encontrar una tendencia con la cual puedan expresarse pero a su vez que tenga un toque esencial y distinto, y a su vez un distintivo del mismo artista.

En si hablamos de un arte o de una tendencia si se puede llamar así, que tenga algo PROPIO, valga la redundancia, con características propias, mensajes propios, preocupaciones propias, sentimientos propios, etc. y todo lo que el artista desee; pero sera propio, y no seguir siendo ese típico academicista, el cual sigue las reglas de lo tradicional sin romperlas y solo es un mensaje a través de reglas establecidas por una “escuela”.

Creo que en eso se basa esto, en una búsqueda de identidad del artista para no seguir siendo un estructurado artista que solo lo que hace es seguir reglas establecidas, y seguir en lo tradicional.