Introducción

El Arte es el acto mediante el cual, valiéndose de la materia o de lo visible, imita o expresa el hombre lo material o lo invisible, y crea copiando o fantaseando. En sentido amplio, podemos denominar como Arte a toda creación u obra que exprese lo que el hombre desea exteriorizar, obedeciendo a sus propios patrones de belleza y estética. El artista para crear, requiere ante todo estar dotado de imaginación, a través de la cual responde al vasto y multiforme mundo externo expresando sus sentimientos por medio de palabras, formas, colores y sonidos.

I.- el arte como simbolo de expresion del hombre

El arte es una noción abstracta, fruto del concepto del ser humano, de su obra y de la naturaleza. Depende de cómo ve la sociedad el mundo en su época, el mundo de cada época. Pero, sin embargo, es atemporal, porque el observador de la obra de arte la interpreta según su sistema de valores actual, revalorizándola cada vez. El observador de una obra de arte se convierte, así, en artista.

Las primeras manifestaciones de lo que llamamos arte están relacionadas con la magia: las pinturas rupestres, las estatuillas de dioses, etc. Según Lévy-Strauss es la combinación del mito primitivo y la habilidad técnica. Pero lo que llamamos arte ha evolucionado hasta dejar de tener ese sentido mágico para pasa a tener, exclusivamente, un sentido estético. En todas las épocas ha habido una tensión entre estética y didáctica, según el concepto y la función que se tuviera del arte. Según las épocas hadominado una u otra

1.- Concepto de arte.
Actividad que requiere un aprendizaje y puede limitarse a una simple habilidad técnica o ampliarse hasta el punto de englobar la expresión de una visión particular del mundo. El término arte, deriva del latín ars, que significa habilidad y hace referencia a la realización de acciones que requieren una especialización. Sin embargo, en un sentido más amplio, el concepto hace referencia tanto a la habilidad técnica como al talento creativo en un contexto musical, literario, visual o de puesta en escena. El arte procura a la persona o personas que lo practican y a quienes lo observan una experiencia que puede ser de orden estético, emocional, intelectual o bien combinar todas esas cualidades.

2.- Según la historia.
La Historia del Arte refiere a la historia de las artes visuales, tales como pintura, escultura y arquitectura. El término también abarca la teoría de las artes visuales. La historia del arte procura un examen objetivo del arte a través de la historia humana, clasificando culturas y períodos y observando sus características e influencias que la distinguen.

El campo de la “historia del arte” fue desarrollado en el occidente, y se ocupó primeramente sólo de la pintura occidental, y de la historia occidental del arte. Gradualmente, con el inicio de Modernismo, una visión más amplia de la historia artística se ha expandido, intentando poner a otras sociedades en una descripción global analizando sus artefactos en términos de sus propios valores culturales.Así, el tema ahora se ve para abarcar todo el arte visual, de los monumentos megalíticos de Europa occidental a las pinturas de la dinastía Ming en China.

El estudio de la historia del arte es una rama amplísima, que va directamente vinculada con la historia de la humanidad; por ser una tarea complicada de abordar, se prefiere su clasificación en Etapas históricas y Disciplinas de Trabajo.

Etapas

Para facilitar el estudio de la Historia del Arte, los historiadores han decidido dividir esta en varías etapas, las más utilizadas y difundidas son estas:

1: Prehistoria
Las supuestas ilustraciones más tempranas descubiertas tienen entre de 500.000 y 300.000 años de antigüedad, durante el período medio de Achelense. Descubierto en Marruecos, es cerca de 6 cm. de largo y se asemeja a una figura humana. Aunque este artefacto marroquí se pudo haber creado por procesos geológicos naturales, aparece exhibir rastros de trabajo humano y herramientas además de evidencia de ser pintado; “una sustancia grasienta” en la superficie de la piedra se ha demostrado para contener una mezcla del hierro y del ocre llamado manganeso, e indica que fue adornada por alguien y utilizó como figurín, sin importar cómo pudo haber sido formada. La identidad del artefacto como evidencia de la expresión artística humana, sin embargo, sigue siendo disputada.

Los descubrimientos en Blombos, situado en Sudáfrica, han cambiado totalmente la historia del arte. Las piedras que fueron descubiertas fueron adornadas con dibujos rojoscomplejos, demostrando que el Homo sapiens temprano era capaz de la abstracción y de la producción del arte. Estos trabajos impresionantes datan a partir hace de 70.000 años es decir más de 50.000 años comparados a Lascaux en Francia. Mientras que la datación de los artefactos de Blombos están correctos, no hay indicación que son de hecho representaciones reales del comportamiento cognitivo avanzado similar al arte más adelante en Europa. Varios arqueólogos incluyendo Richard Klein de Stanford son vacilantes al aceptar las cuevas de Blombos como el primer ejemplo del arte real.

2: Mundo antiguo
Puede llamarse así a las creaciones artísticas de la primera etapa de la historia, iniciadas por la invención de la escritura.

2.1: Mesopotamia
La civilización de Mesopotamia se desarrolló en su plenitud mil años antes que la cultura egipcia. En uno de los valles más fértiles y con mejor climatología del momento, entre los ríos Eúfrates y Tigris, tuvo lugar, el comienzo de la escritura 'moderna' apartándonos los sistemas de escritura primitivos que se conocen. Hasta finales del siglo XIX apenas se conocía el arte mesopotámico, ya que es uno de los que menos obras se conservan, ya que utilizaban materiales poco duraderos, como el adobe y el ladrillo.

Sus obras se caracterizan por simplificar la realidad para comprenderla de la mejor forma posible. Para ello utilizan figuras geométricas y es muy marcado el uso del cilindro y el cono en la representación de las figuras humanas, siempre con las manos en posiciónde oración. Es destacable el colorismo de su cerámica y el uso de conchas de animales marinos para resaltar zonas como los ojos.

2.2: Egipto
Una de las características del Antiguo Egipto es su singular arte, con obras monumentales que generalmente tenían carácter simbólico funerario o religioso. Gracias al seco clima de Egipto y a ser enterradas por la arena del desierto(o por sus propietarios, para gozar de ellas en la 'otra vida') nos han llegado en aceptable estado de conservación multitud de auténticas obras de arte, a pesar de la utilización de los monumentos como canteras, las guerras o los innumerables saqueos de tumbas y templos. Asombra la perfección, delicadeza y monumentalidad del arte egipcio, con un estilo característico que surge en los primeros siglos y permanece casi inalterado en tres milenios de cultura.

Pintura y bajorrelieves
Se caracteriza principalmente por presentar figuras yuxtapuestas en planos superpuestos. Las imágenes se representan con criterio jerárquico, por ejemplo: el faraón tiene un tamaño más grande que los súbditos o los enemigos que están a su lado. Predominaba el 'canon de perfil' que consiste en representar la cabeza y las extremidades de perfil pero los hombros y los ojos de frente.

Escultura
Comienza a representarse a faraones y dioses ya en las primeras dinastías, alcanzándose durante la cuarta dinastía el dominio absoluto de la técnica en elegantes representaciones de porte majestuoso con acabados pulidos en materiales tan duros como el granito o ladiorita. Predominaba la 'ley de la frontalidad'

Arquitectura
La arquitectura egipcia se caracteriza por su monumentalidad con el empleo de la piedra, en grandes bloques, con sistema constructivo adintelado y sólidas columnas. Surge en una sociedad con un poder político fuertemente centralizado y jerarquizado, con una concepción religiosa de inmortalidad, al principio solo del faraón, que debía reflejar con su magnificencia.

2.3: Grecia

El Arte griego antiguo ha ejercido una gran influencia la cultura de muchos países a partir de épocas antiguas hasta la actualidad, especialmente en el área de la escultura y la arquitectura. En el oeste, el arte del Imperio Romano fue derivado en gran parte de modelos griegos. En el este, debido a las conquistas de Alejandro Magno se inicio el intercambio entre Grecia y los territorios de Asia e India central, éste choque cultural generó el Arte Greco-Budista, con influencia incluso en Japón.

Después del renacimiento en Europa, el humanismo estético y los altos estándares técnicos del arte griego inspiraron las generaciones de artistas europeos. En el siglo XIX, la tradición clásica derivada desde Grecia dominó el arte del mundo occidental. Los períodos El Arte de la antigua Grecia se divide estilísticamente en cuatro períodos:

- Geométrico.
- Arcaico.
- Clásico.
- Helenístico.

El arte Geométrico por lo general es datada de aproximadamente el 1000 AdC, aunque en realidad se conoce muy poco sobre el arte en Grecia durante los 200 años precedentes(tradicionalmente conocido como edad oscura Griega), el período del siglo 7aC atestiguó el lento desarrollo del estilo Arcaico según lo ejemplificado por el estilo de pintura de figura-negra. El inicio de las Guerras Médicas marca el fin del período Arcaico y el comienzo del Clásico, y el reinado de Alejandro Magno (336 adC a 323 adC) es tomado como la separación entre el arte Clásico y el Helenístico.

2.4: Roma

Las primeras manifestaciones del arte romano nacen bajo el influjo del Arte etrusco, enseguida contagiado del arte griego, que conocieron en las colonias de la Magna Grecia del sur de Italia, que Roma conquistó en el proceso de unificación territorial de la península, durante los siglos IV y III a.C. La influencia griega se acrecienta cuando, en el siglo II a.C., Roma ocupa Macedonia y Grecia.

Arquitectura
La arquitectura romana es un testimonio significativo de la civilización romana. Se caracteriza por lo grandioso de las edificaciones, y su solidez que ha permitido que muchas de ellas perduren hasta nuestros días.

Escultura
La escultura en la Antigua Roma, lo mismo que la arquitectura, es original en el espíritu de su finalidad, pero en ella pesan mucho las inspiraciones etruscas y griegas, siendo buena parte de la producción escultórica romana copia de originales griegos. Se conservan muchas esculturas romanas, fabricadas principalmente en mármol y en menor medida en bronce, si bien parte de ellas están dañadas. Son frecuentes el retrato y el relieve histórico narrativo, en los quelos romanos fueron grandes creadores (como la Columna de Trajano, entre muchas). Hay también variedad de esculturas sobre emperadores romanos.

Pintura
Como las demás artes, sufrió de gran inspiración griega. Se divide generalmente en tres períodos o estilos:

- Primer estilo o de incrustaciones
- Segundo estilo o arquitectónico
- Tercer estilo u ornamental
- Cuarto estilo o del ilusionismo arquitectónico

3: Arte oriental
El arte en el Oriente (Asia) se desarrolló con igual ímpetu y casi en el mismo tiempo que las expresiones del mundo clásico occidental, entre su multitud de exponentes destacan:

3.1: India

El extenso alcance del arte de la India está relacionado con su historia, las religiones y las filosofías culturales que ponen la producción y el patrocinio del arte en contextos sociales y culturales. El arte indio se puede clasificar en los períodos específicos cada uno reflejando progresos religiosos, políticos y culturales.

- Hinduismo y Budismo del período antiguo (3500BC-presente)
- Predominancia islámica (712-1757)
- El período colonial (1757-1947)
- Independencia y el período postcolonial (Post-1947)
- Arte moderno y de Postmoderno en la India.

Cada período es único en su arte, literatura y arquitectura.
Pintura
Las pinturas indias más tempranas eran las pinturas de épocas prehistóricas, los petroglifos de rocas según lo encontrado en lugares como Bhimbetka, y algunos de ellos son más viejos (de 5500 A.C.). Tales trabajos continuaron y después de variosmilenios, en el siglo VII, tallaron los pilares de Ellora, presente del estado del Maharashtra un ejemplo fino de pinturas indias, y los colores, sobre todo las varias cortinas de rojo y de anaranjado, fueron derivados de los minerales. Después de eso, los frescos de Ajanta y las cuevas de Ellora aparecieron.

Literatura
La literatura budista de la India está repleta con ejemplos de los textos que describen que los palacios de reyes y de la clase aristocrática fueron embellecidos con las pinturas, pero no han sobrevivido en gran parte. Pero, se cree que una cierta forma de pintura del arte fue practicada durante ese tiempo. La producción literaria hindú puede dividirse de la siguiente manera:

- Primer período o período védico: comprende la literatura anterior al siglo IV a. C. y sus obras más representativas son Los Vedas, Los Brahmanas, Los Purumas, Los Upanishad, Los Sutras, el Código de Manú. Se caracteriza por sus dotes de sabiduría y religión.

- Segundo período o período épico: se conoce como tal por las dos epopeyas famosas: El RAmAyana y El Mahabhárata, además de algunos otros textos que al igual que los anteriores se caracterizan por tratar aventuras de grandes héroes que buscan la perfección espiritual.

- Tercer período o período de sánscrito clásico: se cultivan cuatro géneros literarios: poesía, lírica, fábula y drama.
Música
La música de la India incluye variedades múltiples.:La tradición de la música clásica de la India, tiene una historia de desarrollo durante milenios y, convertidasobre varias eras, sigue siendo fundamental a las vidas de los indios hoy como fuente de la inspiración religiosa, de la expresión cultural y de la hospitalidad pura.

La India se compone de varias docenas de grupos étnicos, hablando sus propias idiomas y dialectos. Junto a formas obviamente subcontinental hay influencias importantes de la música persa, árabe y británica. Los géneros indios como filmi y bhangra han llegado a ser populares a través de La Asia de Reino Unido y alrededor del mundo.

3.2: China
El arte en china esta fundamentalmente compuesto por objetos de bronce, jade y hueso, que recogieron el espíritu y efecto buscado en los rituales chamanistas. Como complemento tanto la diversificación de las formas como la iconografía con la que se adornaban correspondían a los principios de jerarquización social y uso ritual que caracterizó los inicios de la civilización china con la Dinastía Shang y la Dinastía Zhou.

En esta última dinastía surgen las escuelas de filosofía que profundizando sobre la relación del individuo con su entorno y la consideración social del mismo, establecerán los fundamentos teóricos sobre los que siglos más tarde se influiría la forma china del arte.

Porcelana
La porcelana china representa un componente central del arte y de la cultura de China. Se convirtió en el modelo de la producción de la porcelana también en el occidente. La porcelana de China está compuesta generalmente de: - Caolín - El Cuarzo.

El caolín es capaz de soportar lascantidades grandes de agua debido a su estructura granular de en relación con la admisión a la masa del trabajo y su moldeabilidad.

El cuarzo disminuye la moldeabilidad del material mientras se produce la disminución del volumen al secarse y quemarse.

4: Arte occidental

4.1: Paleocristiano
Es el periodo artístico que se desarrolla durante los cinco primeros siglos de nuestra era, desde la aparición del cristianismo, durante la dominación romana, hasta la invasión de los pueblos bárbaros, aunque en Oriente tiene su continuación, tras la escisión del Imperio Romano, en el llamado arte bizantino.

4.2: Edad media
El arte bizantino es una expresión artística que comienza a partir del siglo VI fuertemente enraizada en el mundo helenístico como continuador del arte paleocristiano oriental. En sus primeros momentos se consideró como el conservador natural en los países del Mediterráneo oriental del Imperio Romano, siendo transmisor de formas artísticas que influyen poderosamente en la cultura occidental medieval. Los períodos del arte bizantino se ajustan, como es natural, a las grandes fases de su historia política.

4.3: Edad moderna
El origen de la historia del arte como tal data del siglo XVI considerándose las 'Vidas' de Giorgio Vasari el texto inaugural del estudio del arte con carácter historiográfico. El método que sigue el erudito florentino es la biografía del artista. Esta metodología será la que se imponga hasta el siglo XVIII con el historiador alemán Johann Joachim Winckelmann quebuscará a lo largo del desarrollo de las civilizaciones una evolución estilística.

Música
La música es un arte que ha acompañado a toda la humanidad a través del tiempo, pero en la Edad Moderna vivió su mayor apogeo.

La Ópera es un drama musical cantado con acompañamiento instrumental que, se representa en un espacio teatral ante un público. Existen varios géneros estrechamente relacionados con la ópera, como son el musical, la zarzuela y la opereta. La ópera es sin duda una variación compleja de la música actuada e interpretada con solemnidad (con variantes cómicas y serias).

El drama se presenta usando elementos típicos del teatro, tales como escenografía, vestuarios y actuación. Sin embargo, la letra de la ópera (conocida como libreto), se canta en vez de ser hablada. Los cantantes son acompañados de un grupo musical, que en algunas óperas puede ser una orquesta sinfónica completa.

4.4: Arte contemporánea

Fotografía
En los tiempos actuales, las nuevas tecnologías permitieron el desarrollo de nuevas formas de arte, una de ellas es la fotografía: La fotografía es la técnica de grabar imágenes fijas sobre una superficie de material sensible a la luz, en la cual se consigue proyectar una imagen captada por una lente o un conjunto de lentes sobre una superficie. El termino fotografía se utilizó por primera vez en 1839 Sir John Herschel.

Para almacenar esta imagen las cámaras fotográficas utilizaban hasta hace algunos años exclusivamente la película sensible, mientras que en laactualidad se emplean también censores digitales CCD y CMOS. La popularidad de la fotografía desde sus inicios permitió documentar un sin fin de procesos históricos. La utilización de las 'fotos' tiene un espectro tan grande de utilidad que varia desde fotografías de átomos, hasta del cuerpo humano, pasando por su utilización en el espionaje

Cine
La Cinematografía, es la técnica consistente en proyectar fotogramas de forma rápida y sucesiva para crear la impresión de movimiento, mostrando algún vídeo. La palabra cine designa también las salas o teatros en los cuales se difunden las películas. La palabra 'cine' proviene del griego; etimológicamente, significa 'movimiento'.

Arquitectura
La arquitectura moderna es una representación de una conjunción de ideales icónicos divergentes, basadas en diversos estilos de líneas arquitectónicas.

3.- Filosofía.

sQué es la filosofía?
La filosofía, es una ciencia (conocimiento de las cosas por sus causas, de lo universal y necesario), que se viene practicando, desde la época de los griegos o era clásica. Fueron ellos, quienes comenzaron por primera vez, a realizarse preguntas profundas por todo aquello que los rodeaba. Por lo mismo, los primeros atisbos de filosofía, se vieron en el campo de la naturaleza. Y filosofía, es justamente amor por la sabiduría. Comprender con todo aquello, que interactuamos. Justamente, filosofía proviene del griego filos (amor) y sofía (sabiduría)

Arte y Filosofía
El lazo de unión entre la filosofía y el arte consisteesencialmente en lo siguiente. La obra de arte proporciona al pensamiento una imagen pura y definida del mundo interno. Gracias a esta imagen, la mirada penetra más allá de las apariencias con que el entendimiento reviste el fenómeno, y el filósofo se encuentra en contacto con la esencia íntima e invisible de las cosas. De la misma manera que la lógica, la psicología, la metodología, etc. han sido fundadas sobre la base de las matemáticas y las ciencias naturales, así también la metafísica más elevada necesita del arte para llegar a los más profundos conocimientos. La grandeza de un artista recae sobre todo en poder reconocer claramente esta verdad. En efecto, el filósofo Schopenhauer nos dice: 'Toda obra de arte se dirige propiamente a mostrarnos la vida y las cosas tal como son en realidad”.

Pero esta realidad no todos pueden comprenderla inmediatamente, porque se halla cubierta por el velo de los accidentes objetivos y subjetivos. Y el arte levanta este velo. El gran valor y la importancia del arte consisten en que nos proporciona en esencia lo mismo que obtenemos por el mundo visible, pero de un modo más condensado, más completo, por medio de la elección y de la reflexión. Las obras de arte plásticas y dramáticas contienen toda la sabiduría. La filosofía ha tardado tanto tiempo a manifestarse porque se procuró fundamentarla en el terreno de la ciencia, en vez de escoger el del arte.

Para resumir esto, se puede decir que, las ciencias ofrecen a la contemplación filosófica la imagen clara y precisa del mundoexterno, mientras que el arte le presenta la imagen luminosa del mundo interno. Y esto es aplicable de una manera general a todo arte que merezca en realidad el nombre de tal.

4.- La psicología entre otras ciencias.

sQué es la psicología?
La psicología (del griego psique, alma y logos, estudio) es la ciencia que estudia la mente y la conducta, la disciplina abarca todos los aspectos de la experiencia humana, desde las funciones del cerebro hasta el desarrollo de los niños, de cómo los seres humanos y los animales sienten, piensan y aprenden a adaptarse al medio que les rodea. La psicología moderna se ha dedicado a recoger hechos sobre la conducta y la experiencia, y a organizarlos sistemáticamente, elaborando teorías para su comprensión. Estas teorías ayudan a conocer y explicar el comportamiento de los seres humanos y en alguna ocasión incluso a predecir sus acciones futuras, pudiendo intervenir sobre ellas.

Psicología del arte
Es el campo de la psicología que estudia los fenómenos de la creación y de la percepción artística desde un punto de vista psicológico. Aportes como los de Gustav Fechner, Sigmund Freud, la escuela de la Gestalt (dentro de la que destaca el desarrollo de Rudolph Arnheim), Lev Vygotski y Howard Gardner han sido cruciales en el desarrollo de esta disciplina.

5.- El arte y la sociedad.

El arte, para que sea buen arte, debe responder al equilibrio forma-contenido. Ni muy para acá ni muy para allá, pues caeríamos en los errores conocidos de la Historia. Debe responder a suobjetivo y ejecutar a plenitud su función. Debe ser libre de expresar la experimentación estética, libre de sobrepasar las barreras ideológicas, pues tanto el que favorece a una ideología como el que la contradice está contextualizado y esto es muy importante.

La política es libre de establecer los mecanismos que disponga para mantener la clase en el poder, pero no puede imponer qué es arte y qué no lo es, o si uno es mejor arte que otro. Pues el deber del arte no es la servidumbre ni la humillación. Los delantales entristecen y empobrecen el alma orgullosa del arte. Arte tendrá quien siembre arte. Y es esa la función que el arte debe tener en nuestra sociedad. Ya los mecanismos sociales se encargarán de balancear los 'partidos artísticos' si así lo cree conveniente la santísima sociedad.
Queda reflexionar acerca de la propiedad del arte. sQuién es dueño de sentir y de hacer sentir? El arte no es una élite, pero la observación nos dice que no es de masa. Pero, ses justo que las emociones pertenezcan solo a un grupo reducido de nuestra sociedad? tClaro que no! Pero la observación y estudio no dice otra cosa. Nos dice que aquel que no tenga intelecto suficiente para desenredar el puzzle de una metáfora no podrá pasar por la experiencia estética, no podrá, en otras palabras, sentir el arte a plenitud o quizás ni lo llegue a sentir.

Entonces el arte no es responsable de las insuficiencias de la sociedad, debido a que es esta última quien debe ocuparse de instruir en el conocimiento. El arte es un avetodavía pequeña, que solo se posará en el hombro de aquel que la sepa atraer con el alpiste del conocimiento.

6.- Individuo vs. Arte.
Esta particular asociación entre la cocina, el diseño, la arquitectura, la literatura y la música. En todo caso existe una afinidad entre todas las artes, o entre las diferentes disciplinas, pero particularmente produce especial curiosidad, las personas que se mueven como pez en el agua en artes diversas, precisas. Se conoce de músicos-diseñadores, músicos-cocineros, también cocineros-arquitectos y escritores-pintores.

El arte, tal como lo definieran antiguas culturas, es virtud, saber. Sin embargo en este caso se hablara del arte como una situación, una actitud, una manera de vivir. En general, se habla del arte como una condición humana, como una aptitud para experimentar sentimientos, emociones y pensamientos mediante signos externos. Pero el tema del arte no es lo que pasa fuera, sino dentro, muy dentro.

El arte es, para el individuo, esa manera de destrozarlo todo y reinventarlo. De devorarlo ferozmente y con pausa devolverlo a donde nunca estuvo. Es recogerlo todo en una palabra. Abordar los miedos con elegante cobardía, hacerse amante del peligro, darle un nuevo nombre a la intensidad y una forma, tal vez, insignificante a Dios.
Pero no el arte no se reduce a pintar simplemente, o cocinar o hacer música, escribir, o cualquiera de 'esas' artes. Es más bien una explicación de cómo ocurre esto, es lo que hace posible que, finalmente, pintemos, cocinemos,escribamos o lo que sea.

En perspectiva, el individuo ve el arte como una expresión, camino, vía, paz, locura, silencio, amor (puro amor), ira, pudor, deseo, pasión, tortura, alevosía, equilibrio hermano, equilibrio. La equidad es la clave de la estética, pero esto no es más que un simple detalle de forma de la expresión. El asunto es descomponer la vida y dejarla fluir con esa perspectiva.

7.- El arte como reproducción de un sistema ideológico determinado.

sQué es una Ideología?
Una ideología es el conjunto de ideas, tendentes a la conservación o la transformación del sistema existente (económico, social, político), que caracterizan a un grupo, institución, movimiento cultural, social, político o religioso.

“La ideología es un proceso realizado conscientemente por el así llamado pensador, en efecto, pero con una conciencia falsa”

Carta de Engels a Mehring
El arte como reproducción de un sistema ideológico determinado
Ya sabiendo esto se puede dar inicio al tópico en si. El arte es una noción abstracta, fruto del concepto del ser humano, de su obra y de la naturaleza. Depende de cómo ve la sociedad el mundo en su época, el mundo de cada época.

Los movimientos de una ideología determinada son mayormente políticos. En este caso, y por ser el arte un lenguaje sin barreras, se considera un sistema ideológico por la variedad de ideas que en este se mezclan y conviven. Cada estilo, rama, o categoría que esta en este sistema viene con ideologías propias, tanto del artista de donde nacen hasta del ojodel espectador que la disfruta. Entonces sse considera una reproducción de un sistema ideológico determinado? Si, porque une y mueve a los individuos y con ellos a sus ideas e ideales.

II.- EL ARTE EN VENEZUELA

1.- Arte Pre-colombino.
Cuando las naves europeas tomaron contacto en el siglo XV con lo que luego se llamaría América, el continente era un hervidero de etnias y culturas, algunas de ellas muy sofisticadas desde el punto de vista social. De estas culturas, Incas, Aztecas y Mayas son los más conocidos, pero estos no surgieron de la nada, fueron la culminación de un largo proceso de evolución cultural, y a lo largo de este existieron otras civilizaciones que no se pueden ignorar, pues ello impediría entender el significado de las culturas posteriores. Las culturas precolombinas geográficamente se dividen en dos zonas:

- Área Mesoaméricana, donde destacan las culturas Olmeca, Zapoteca, Huaxteca, de Teotihuacán, Maya, Mixteca, Tolteca y Azteca.
- Área Andina, donde destacan las culturas Chibcha, de San Agustín, Colima, Sinu, de Chavin, Nazca e Inca.

Durante 3.000 años, antes de la exploración y colonización del hemisferio occidental por parte de los europeos, los pobladores nativos de la América precolombina desarrollaron un conjunto de civilizaciones cuyos logros artísticos e intelectuales podían rivalizar con los de la antigua China, de la India, Mesopotamia y el mundo mediterráneo.

Estos logros resultan aún más sorprendentes si tenemos en cuenta que la mayoría de las técnicas de lascivilizaciones del hemisferio oriental no eran conocidas en el Nuevo Mundo. La rueda, por ejemplo, se usaba en Mesoamérica solamente en los juguetes y nunca llegó a aplicarse a la alfarería, a la construcción de carretas o como sistema de arrastre. El uso de herramientas de metal no era frecuente y, además, no empezaron a utilizarse hasta las últimas etapas de la historia precolombina. Los mayas realizaban elaboradas esculturas y complejos ornamentos de jade golpeando una piedra con otra.

2.- Arte Colonial.
La pintura se inicia en Venezuela de manera formal hacia mediados del siglo XVII, cuando el esfuerzo colonizador implanta definitivamente el dominio Español. Las escasas producciones artísticas que se elaboraban entonces, se dedicaban en su casi totalidad a cubrir las exigencias religiosas. Así, en las décadas iniciales del siglo, el arte estuvo representado en Venezuela por las contadas obras de carácter religioso que fueron traídas o encomendadas a España por Clérigos y fervorosos creyentes. Estas escasas obras cumplieron un gran papel en el nacimiento de nuestro Arte Pictórico, ya que ellas sirvieron de inspiración y modelo para que nuestros artistas pudieran plasmar sus inquietudes.

Las necesidades artísticas de la Iglesia fomentaron la aparición de núcleos de imagineros y retablistas, anónimos la mayoría, que sirven para testimoniar las difíciles inicios del arte Venezolano. Las modestas creaciones de estos artistas, conocidos como 'Santeros', se encuentran esparcidos a lo largo del territorioVenezolano. La heterogeneidad es el rasgo distintivo del arte Venezolano en el siglo XVII, cuyas producciones, de realización americana, guardan un característico sabor peninsular.

Entre las realizaciones artísticas más importantes de este período figuran obras como el retrato de Fray Antonio González de Acuña (autor anónimo), una imagen de Santo Domingo (anónimo), San Miguel (autor anónimo), Virgen del Rosario (Pintor del Tocuyo), Cuadro de Animas (Idem). Todas ellas muestrario de un arte que buscaba caminos adecuados para su desarrollo. Sin escuelas ni academias que orientaran y definieran sus vocaciones artísticas, nuestros pintores de entonces lograron, no obstante verdaderas manifestaciones de valor estético.
Con el siglo XVIII, el panorama pictórico venezolano se hace más amplio y diversificado. Si bien siguen prevaleciendo los temas religiosos, los retratos adquieren también gran importancia. Evolución que se explica a partir de las nuevas características de cosmopolitismo y cultura que la sociedad colonial había ido adquiriendo.

La Compañía Guipuzcoana, que sirvió de contacto con el viejo Mundo y el tráfico con las tierras mexicanas, produjeron la alteración del estilo de vida y las inclinaciones y gustos de la sociedad de entonces. Con el surgimiento de Juan Pedro López y de la Escuela de los Landaeta, se manifiesta una mayor cohesión de la Pintura venezolana dentro del cuadro de sostenido progreso material y espiritual de la Colonia en este momento.

También, el nivel cultural dedependencia, propio de la América colonial, imprime a la arquitectura la ineludible condición de manifestación provincial. Entre las distintas áreas culturales de la América colonial, le toco a Venezuela un papel secundario en cuanto a realizaciones arquitectónicas se refiere. La arquitectura refleja siempre las situaciones de poder y riqueza a través de la monumentalidad al igual que la escasez de recursos obliga a soluciones modestas y de contenida ambición. Los espacios interiores de los templos coloniales venezolanos son de fácil percepción, basados en soluciones sencillas y de escaso movimiento.

Las condiciones político-económicas de la Venezuela colonial, no permitieron la realización de ninguna obra de arquitectura religiosa barroca digna de importancia. El hecho de ser Venezuela solo una Capitanía General y no poseer las riquezas que tenían los Virreinatos de México o Perú, fueron determinantes en el legado arquitectónico, pictórico y de orfebrería en la época colonial, eso unido al poco cuidado tenido en el mantenimiento de nuestro pasado que en demasiadas ocasiones llevo a la destrucción para dar paso al 'progreso', hace que en Venezuela existan pocos sobrevivientes del pasado colonial.

3.- Arte Republicano.
El Arte Republicano esta conformado por las manifestaciones artísticas producidas entre la proclamación de la independencia hasta la fecha donde se empiezan a dar los cambios sociales, políticos y económicos.

Se da principio a esta etapa con la denominada INICIACION: momento en que laexpresión artística Venezolana, rompe con los patrones que tradicional le había impuesto el arte virreinal, de características eminentemente religiosas. El advenimiento de la república significó no solo cambios en las estructuras político administrativas, sino también transformaciones culturales que afectaron la pintura.

4.- Ideas artísticas en Venezuela en la pos-modernidad.
Al hacer un repaso por la historia de Venezuela en diferentes periodos podemos decir que, el positivismo fue una puerta hacia el modernismo cultural, cuya tendencia fue la de formar una ideología al servicio del liberalismo político y anticlericalismo, es decir, contra la filosofía católica, contra la enseñanza limitada o estrecha de las universidades, contra la política entendida y practicada como oficio lucrativo.

Las características del positivismo venezolano difieren del positivismo en el resto de Latinoamérica, ya que aquí, se centra en la explicación histórica-sociológica de la realidad del país. Se interesa por el problema de las razas y da preferencia a los estudios etnográficos y antropológicos. Desde un primer momento el 'criollo' se distingue del indígena y del español. Naciendo con nueva conciencia, y sensibilidad, la mezcla de invasores e invadidos, siendo el mestizaje nuestra identidad biológica y cultural, así que se hace cada vez más importante el estudio de este factor.

Pero, contradictoriamente desde que los positivistas del siglo XIX proclamaron la rémora indígena para vivir en sociedad por carecer de inteligencia,todas las mentalidades imperialistas posteriores han tenido interés en aumentar nuestras taras para imponernos un destino, así, culpan a nuestra ascendencia indígena, negroide o hispana las limitaciones y deficiencias, perpetuando de esta manera nuestra dependencia.

En el mandato de Guzmán Blanco (1870-1888) hubo gran auge de las realizaciones científicas y filosóficas, pero, lo que más resalta de esta época es la obra 'civilizadora' de Guzmán Blanco: el decreto sobre la instrucción gratuita. La creación del ferrocarril. A partir de López Contreras, los procesos en Venezuela se ha venido realizando quemando etapas. El efecto petrolero se superpuso a las enormes contradicciones e inercias latentes. 'Domesticar la barbarie era la consigna'. Las torres de prospección, los oleoductos y el estilo de vida del inversor norteamericano penetraron enseguida las zonas lacustres o sabanas y golpearon los hábitos y costumbres del campo y las ciudades.

En el transcurso de la quema de etapas de Venezuela, fue conciente e inconscientemente creando una cultura propia retomando sus raíces y absorbiendo lo aprendido por las nuevas culturas que ya eran parte de nuestro país.

5.- Evolución del arte en Venezuela.
El arte en Venezuela ha crecido mucho desde los tiempos en que solo se conocía el arte español. La mezcla de culturas ha producido un arte propio, con contribuciones españolas, africanas, indígenas: también contribuciones mundiales como las de Europa. En una breve reseña cronológica mostraremos, de acuerdo a cadaartista, la evolución artística de nuestro hermoso país. Mostrando a los artistas más destacados de nuestra historia:

1.- Cristóbal de Rojas (Venezuela, 1858-1890)
Pintor venezolano, máximo representante, junto a Arturo Michelena, del romanticismo tardío en su país. Nació en Cúa (Miranda). En 1881 el pintor Herrera Toro le contrató como ayudante para la decoración de la catedral de Caracas. Más tarde estudió en París, donde realizó importantes obras pictóricas. En 1890 regresó a Venezuela, empobrecido, enfermo de tuberculosis y con la obra El Purgatorio, encargada por el Cabildo Eclesiástico de Caracas, con la que ganó Medalla de Oro de Tercera Clase en París.

Siempre puso particular empeño en las obras que enviaba al Salón Oficial de París. Entre ellas destacan La miseria, El violinista enfermo (1886), El plazo vencido (1887) y Dante y Beatriz a orillas del Leteo (1889). Cristóbal Rojas murió en Caracas el 8 de noviembre de 1890. La Escuela de Bellas Artes de Caracas lleva su nombre.  

2.- Arturo Michelena  (Venezuela, 1863-1898)
Pintor venezolano nacido en Valencia, estado de Carabobo. Con once años ya dibuja su autorretrato y en 1983 participa en la Gran Exposición Nacional de Venezuela, donde expone Alegoría a la República y Entrega de la bandera victoriosa de Numancia, esta última ganadora del Primer Premio.

Con 22 años se embarca con destino a París, donde se inscribe en la Académie Julien como alumno del maestro Jean Paul Laurens y obtiene la mención honorífica en el Salón de ArtistasFranceses.

En 1888 pinta su célebre Retrato Ecuestre de Bolívar, el Autorretrato con gorguera y La caridad. En octubre de 1891 realiza una de sus más grandes y ambiciosas composiciones, Pentesilea la cual expone este año en el Salón de París. A partir de 1893 su salud se ve afectada por una tuberculosis que le llevaría a la muerte cinco años después.

3.- Armando Reverón  (Venezuela, 1889-1954)

    Considerado el mejor pintor venezolano de la primera mitad del siglo XX, se interesó profundamente por la acción de la luz sobre las formas. Entusiasta del impresionismo francés, su pintura evolucionó a la abstracción y el simbolismo. Los temas preferidos fueron el paisaje y el desnudo femenino. Nació en Caracas y desde niño mostró afición por la pintura, en la que se inició bajo la orientación de su primo Ricardo Montilla. En 1908 ingresa en la Academia de Bellas Artes de Caracas, donde permanece tres años y tiene por compañeros a Rafael Monasterio, Manuel Cabré y Antonio Edmundo Monsanto, a esta etapa formativa corresponden temas religiosos, paisajes y naturalezas muertas, influenciadas por Arturo Michelena (Josefina en el jardín, 1909).

Gracias a una beca, en 1911 viaja a España e ingresa en la Escuela de Artes y Oficios de Barcelona, coincidiendo de nuevo con Rafael Monasterio. Tras un corto viaje a Venezuela, en 1912 se traslada a Madrid y sigue estudios en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando. Durante su estancia en la capital visita los estudios de Muñoz Degrain, Moreno Carbonero y viaja aSegovia, donde conoce a Zuloaga. En 1914 se traslada a París, allí permanece unos meses (Paisaje de Burdeos) y tras una corta estancia en Barcelona, vuelve definitivamente a Venezuela un año más tarde.

Allí se integra en el Círculo de Bellas Artes y abandona el rigor académico, ante el entusiasmo que despierta el impresionismo en él. Su traslado a La Guaira, en 1917, donde conoce a su modelo y compañera de vida, Juanita Ríos, será definitivo para su carrera de artista, en la que se distinguen tres periodos. En 1919 inicia el llamado periodo azul, en el que su obra, inmersa en una atmósfera sensual y misteriosa, está dominada por el azul profundo de su paleta y una factura espesa. Se trata de paisajes, retratos de Juanita y majas, El bosque de la Manguita, Juanita, La Cueva.

A partir de entonces se definen las dos líneas temáticas que cultivará hasta la muerte, el paisaje (pintado al aire libre) y el desnudo. El momento decisivo de su carrera se produce en 1921 con su traslado y asentamiento en Macuto, pueblo costero, donde construye su castillete, y vive hasta poco antes de morir en compañía de Juanita. Entre 1922 y 1924 se dedica preferentemente a la construcción del Castillete -hoy Museo- y abandona el impresionismo, adquiriendo gran importancia el color blanco, que utiliza en composiciones de corte abstracto (El Paisaje blanco, 1934), -periodo blanco-.

La obra que marca el paso del periodo azul al blanco, que se extiende hasta 1934, es Fiesta en Caraballeda de 1924, donde utiliza como soporte tela decoleto, también incorpora a la obra elementos concoides, rocas, cocoteros, como referencias estructurales y figurativas en una atmósfera casi abstracta.

En 1933 sufre una crisis nerviosa que le mantiene inactivo durante cierto tiempo, tras la cual empieza a pintar sobre papel con un estilo gestualista, que constituye una etapa de transición al periodo sepia, que se inicia en 1936. Pinta entonces obras de gran formato que escenifican varias figuras desnudas en un interior (La maja criolla, 1939) al tiempo que su producción se torna dramática con acentos expresionistas. Sustituye sus modelos, salvo Juanita, por muñecas de trapo fabricadas por él mismo (Serafina).

Salvo el paréntesis de 1940-1945 en que pinta del natural paisajes portuarios con la frescura de los primeros años (El puerto de la Guaira, 1941), su obra es cada vez más introvertida y simbólica, al igual que su vida, cada vez más solitaria y ajena a la realidad, sus pinturas están bañadas por la luminosidad del sol y el resplandor de las estrellas bajo la noche tropical (Amanecer en el Caribe, 1944). En 1945 es internado por primera vez en un psiquiátrico, aumentan los desnudos y autorretratos (Desnudo acostado, 1947) y a partir de 1949 se observa una menor producción pictórica, a la vez que se centra en la técnica del dibujo, que se convertirá a partir de 1950 en la única utilizada. Los últimos años los pasa en una clínica psiquiátrica, en Catia, donde realiza distintos retratos de pacientes, que constituyen su último trabajo. Sus pinturas giranmayoritariamente en torno a la representación de paisajes y figuras femeninas, en algunas de las cuales muestra cierto erotismo.

4.- Carlos Cruz-Díez  (Venezuela, 1923)
Pintor y profesor venezolano, cuyo arte arranca de un realismo social, y evoluciona hacia el geometrismo y la fenomenología del color. Formó parte del movimiento cinético. Nacido en 1923 en Caracas, estudia en la Escuela de Artes Plásticas y Aplicadas (1940-45), donde se gradúa como profesor de artes manuales y aplicadas.

En 1945 trabaja como diseñador gráfico de una multinacional petrolera y es nombrado profesor de la Escuela de Artes Plásticas y Aplicadas, donde permanecerá hasta 1955. En ese tiempo supo compaginar la docencia con la dirección artística de una agencia publicitaria, y paralelamente desarrollar una obra artística marcada por el realismo social. Hacia 1954 abandona la figuración y empieza a investigar los fenómenos ópticos del color.

Un año más tarde se traslada a España y vive hasta 1957 en la costa catalana, Masnou, donde lleva a cabo la serie Parénquima y Ritmos vegetales, consistentes en tramas de colores puros. Tras su regreso a Caracas, monta un Estudio de Artes Visuales dedicado a las artes gráficas y el diseño industrial, y prosigue sus investigaciones sobre la fenomenología del color. Trabajó como ilustrador del diario El Nacional de Caracas y desde 1960 fijó su residencia en París. Hasta 1961 en sus obras sólo utiliza el blanco, el negro, el verde y el rojo; su primera etapa está marcada por los conceptos designos y ritmos dinámicos, cilindros coloreados y modulaciones ópticas.
En la década de 1970 inicia las series: Color Aditivo, Fisiocromías, Inducciones Cromáticas, Cromointerferencias, Transcromías Aleatorias y Cabinas de Cromosaturación. Participó en la exposición Lumière et Mouvement, París 1967, junto a su compatriota Jesús Rafael Soto y el argentino Julio Le Park. Durante el viaje que hace ese mismo año a Venezuela, realiza un mural para la Universidad de Oriente, en Cumaná.

En 1969, a la entrada del metro Odeón de París, realiza un laberinto de cromosaturaciones luminosas, en las que hace protagonista al peatón. Entre 1972 y 1980 imparte clases de técnicas cinéticas en la Sorbona, mientras inicia la serie Cromoprismas Aleatorios. En 1986 asume la dirección de la Unidad de Arte del Instituto de Estudios Avanzados (IDEA) de Caracas. En sus cuadros el color y las formas geométricas cambian y vibran, según la luz y los desplazamientos del espectador.

Las Fisiocromías que inició en 1959, constituyen los comienzos de sus experimentos basados en el cinetismo, y una etapa posterior a su abstraccionismo. Un paso más adelante son las Transcromías Aleatorias (1965), es decir el cambio de color en los ambientes, valiéndose de plexiglás colgado en largas tiras prendidas en un marco para determinar los espacios. Más adelante inventa las Cromosaturaciones (1967), que son unas cámaras o espacios saturados de diferentes colores que provocan en el espectador y actor ciertas reacciones psicológicas, de acuerdo conel estado anímico o la idiosincrasia del sujeto: frío, calor y angustia, entre otros.

Al saturar el ambiente por medio del color el artista integra al hombre y lo hace partícipe de su obra. Junto a Soto son los dos máximos representantes venezolanos del arte cinético. Entre los numerosos premios que ha obtenido destaca, en 1967, el Premio Internacional de Pintura de la IX Bienal de Sao Paulo

5.- Jesús Rafael Soto  (Venezuela, 1923-2005)

   

Pintor y escultor venezolano, figurativo en sus comienzos, que derivó al cubismo, la abstracción geométrica y el cinetismo virtual. Uno de sus mayores logros fue integrar al espectador en la obra con la creación de espacios penetrables. Nació en 1923 en Ciudad Bolívar, Venezuela, donde realizó estudios en la Escuela de Artes Plásticas y Aplicadas de Caracas entre 1942 y 1947, año en que es nombrado director de la Escuela de Artes Plásticas Julio Arraga de Maracaibo (1947-1950). Desde 1950 vive en París, pero viaja periódicamente a Venezuela. En sus primeras obras se acusa la influencia de Paul Cézanne y el gusto por la geometrización de las formas en los paisajes (Paisaje de Maracaibo, 1949) naturalezas muertas, retratos (La dama griega, 1949), pero con su traslado a París, donde toma contacto con las vanguardias y estudia a Malevitch y Mondrian, evoluciona hacia una abstracción geométrica.

Las primeras obras parisinas corresponden a su preocupación por crear superficies de dinamismo visual en base al color, la forma geométrica y la ambigüedad forma-fondo(Composition dynamique, 1951). A partir de 1953 realiza los primeros trabajos de cinetismo virtual, efecto obtenido tras separar el fondo y la forma: la primera sobre una placa transparente de plexiglás y la segunda sobre una placa de madera colocada a 10 centímetros y ambas fijadas con varillas metálicas. De esos años son: La cajita de Villanueva (1955) y Espiral con plexiglás (1955). En 1955 junto a Agam, Tinguely y Pol Bury, formula en sus trabajos los principios del cinetismo. En principio trata el espacio como materia plástica (Structure cinétique, 1957) y más tarde incorpora a sus piezas elementos de desecho que combina con tramas geométricas (Cubos ambiguos, 1958). A finales de la década de 1950 crea las primeras obras vibrantes y la serie Esculturas, a base de varillas que cuelgan de hilos de nylon frente a un fondo trama, con un movimiento natural que, combinado con la percepción del espectador al moverse frente a la obra, producen el efecto cinético (Estructura cinética de elementos geométricos, 1958). Profundizando en esta línea consigue incorporar totalmente al espectador en la obra a través de los Penetrables (Penetrable amarillo, 1969). Realizó también algunas obras públicas como los murales del edificio de la UNESCO en París, 1970. A partir de esta fecha realizó distintas estructuras cinéticas integradas en la arquitectura: Hall de la fábrica Renault de Boulogne-Billancourt (1975); Volumen suspendido en el Centro Banaven de Caracas (1979); Volumen virtual en el Centro Pompidou de París (1987).

En ladécada de 1980 vuelve a estudiar la ambivalencia del color sobre el plano, según los principios de Wassily Kandinsky y de la última etapa de Mondrian, a través de cuadros de diferentes formatos sobre una trama blanca y negra (Rojo central, 1980). Uno de los grandes logros de Soto fue convertir al espectador de la obra en sujeto activo, debido a la movilidad de la imagen envuelta en la materia creada por el artista. La visualización del movimiento y la luz constituyeron las principales motivaciones de su obra. En 1973 el gobierno de Venezuela construyó el Museo de Arte Moderno de la Fundación Jesús Soto.

6.- Jacobo Borges  (Venezuela, 1931)
Pintor venezolano cuya obra, enmarcada dentro de las corrientes neofigurativas, denuncia con espíritu satírico los problemas y contradicciones de la sociedad de su tiempo. Nació en Caracas y estudió en la Escuela de Artes Plásticas de la capital venezolana (1949-1951). Durante estos años frecuentó el Taller Libre de Arte, asociación que actuaba como centro de experimentación y debate de las nuevas propuestas artísticas. En 1952 marchó a París con una beca para completar su formación y cuatro años después regresó a su ciudad natal, donde inauguró su primera exposición individual. Durante la década de 1960, formó parte del grupo artístico conocido como el Techo de la Ballena. El espíritu provocativo de esta agrupación, constituida principalmente por intelectuales, escritores y artistas plásticos, era consecuencia inmediata del clima de crispación política que vivía el país en aquellosaños.

Su pintura, comprometida durante esa época con las ideas neofigurativas del Círculo del Pez Dorado, es heredera de la tradición expresionista de James Ensor y Francis Bacon. En 1966, a raíz de su trabajo como coordinador de la muestra multimedia Imágenes de Caracas, abandona durante cinco años la pintura para experimentar con las posibilidades plásticas del arte interactivo. Durante los siguientes años, su obra ha recorrido los museos y galerías más importantes del mundo, como el Museo de Arte Moderno de México (1976) o la CDS Gallery de Nueva York (1983). En 1961 obtuvo el Premio Nacional de Dibujo del Salón Oficial Anual de Arte Venezolano y, dos años después, el de Pintura. En 1981, representó a su país en la Bienal de Venecia.

6.- Arte popular.
El arte popular es la expresión plástica de creadores que sin formación académica logran mostrar sus vivencias y el mundo cotidiano. De ahí que en sus obras expresen recuerdos, presenten a personas de su entorno, la fe religiosa, la naturaleza, los ciclos de vida y festividades propias del medio en el cual se desenvuelven. Para ello se utilizan elementos naturales como la piedra, el cartón, el barro, la madera y el coleto. Este tipo de manifestación ha recibido distintos nombres: neo primitivismo, arte “naif” (o arte ingenuo) y arte “folk” (o de la gente del pueblo).

En nuestro país, con motivo de la Fiesta de la Tradición organizada por Juan Liscano en 1948, se valorizaron las manifestaciones artísticas de carácter popular. Al propio tiempo surgió unaagrupación de artistas denominada Taller Libre de Arte, que impulso el conocimiento y la difusión del arte popular, al mostrar sus cualidades tanto poéticas como estéticas. En este ambiente se organizaron distintas exposiciones de artistas populares, como las de Feliciano Carvallo, Víctor Millán, Federico Sandoval, entre otros.
7.- Arte popular frente a las sociedades consumo.
Actualmente en Venezuela se esta comenzando a dar importancia en la conformación del “producto turístico”, a los valores culturales, el pasado histórico y las tradiciones, es decir, todo lo que conforma el bagaje sociocultural venezolano, productos de complejidad étnica resultantes de la fusión de las diversas culturas que conforman nuestra identidad nacional. Partiendo de que si algo se va a proporcionar tiene que ser conocido.

III.- EL MUSEO COMO INSTITUCION IDEOLOGICA

En su origen, un museo era un templo de musas, un lugar sagrado que ellas frecuentaban, y no hay que olvidar que, en su origen, las musas eran las diosas de la memoria. Más tarde, en la época de la dinastía Ptolemaica, Ptolomeo Filadelfo mandó construir en Alejandría un edificio al que llamó Museo (otras fuentes aseguran que su fundador fue Ptolomeo I Sóter, padre del anterior). Estaba dedicado al desarrollo de todas las ciencias y servía además para las tertulias de los literatos y sabios que vivían allí, bajo el patrocinio del Estado. En aquel museo se fue formando poco a poco una importante biblioteca.

Los escritores latinos señalan la existencia de unsignificado adicional de 'museo'. Todo parece indicar que así llamaban en la antigüedad romana a unas grutas con unas características especiales, y que, situadas dentro de las villas, sus propietarios las utilizaban para retirarse a meditar.

1.- Concepto de museo.

Un museo (del latín musA“um y éste a su vez del griego μουσεον), es una institución pública o privada, permanente, sin fines de lucro, al servicio de la sociedad y su desarrollo, y abierta al público, que adquiere, conserva, investiga, comunica y expone o exhibe, con propósitos de estudio, educación y deleite colecciones de arte, científicas, etc., siempre con un valor cultural, según el Internacional Council of Museums (ICOM). Este tipo de colecciones, casi siempre valiosas, existió desde la Antigüedad.

En los templos se guardaban objetos de culto u ofrendas que de vez en cuando se exhibían al público para que pudiera contemplarlos y admirarlos. Lo mismo ocurría con los objetos valiosos y obras de arte que coleccionaban algunas personas de la aristocracia en Grecia y en Roma; los tenían expuestos en sus casas, en sus jardines y los enseñaban con gran orgullo a los amigos y visitantes. Es en el Renacimiento cuando se da el nombre de 'museo' tal y como lo entendemos hoy a los edificios expresamente dedicados a tales exposiciones. Por otra parte están las galerías de arte, donde se muestran pinturas y esculturas. Su nombre deriva de las galerías (de los palacios y castillos), que eran los espaciosos vestíbulos de forma alargada, con muchas ventanas oabiertos y sostenidos por columnas o pilares, destinados a los momentos de descanso y a la exhibición de objetos de adorno, muchas veces obras de arte.

Un museo en la actualidad es un establecimiento complejo que requiere múltiples cuidados. Suele estar dotado de una amplia plantilla de trabajadores de las más diversas profesiones. Generalmente cuentan con un director y uno o varios curadores, además de restauradores, conservadores, analistas, administradores, conserjes, personal de seguridad, entre otros. Los expertos afirman que el verdadero objetivo de los museos debe ser la divulgación de la cultura, la investigación, las publicaciones al respecto y las actividades educativas. En los últimos años ha surgido la idea de las exposiciones itinerantes en las que museos de distintas ciudades aportan algunas de sus obras para que puedan verse todas reunidas en un mismo lugar (idealmente, otro museo). Es aún muy pronto para tener una evaluación correcta sobre los beneficios de esta nueva costumbre, siendo que hay conocedores del tema tanto a favor como en contra, y todos los razonamientos expuestos son respetables.

Actualmente existen una gran variedad de museos: museos de cera, museos de ciencias y técnica, museos de arte, museos históricos, museos de historia natural, museos dedicados a personalidades y museos arqueológicos, por nombrar sólo algunos.

2.- La ideología del museo.

Los museos públicos estatales fueron una creación de la Revolución Francesa, que moldeó esta novedosa institución como la formamás apropiada de nacionalizar el patrimonio histórico-artístico y hacer accesible y democratizar su uso. El origen más remoto de los museos delata en su propio nombre su procedencia histórica original, porque el término “museo” es griego y significa “lugar de las musas”, lo que ya nos advierte que era un lugar para la inspiración artística. Que sepamos, el primer museo propiamente tal surgió como un apéndice de la famosa Biblioteca de Alejandría que, además de contener la más completa colección de escritos del mundo antiguo, también exhibía bustos escultóricos de reputados autores de aquella edad.

Es el consumo social anónimo del arte, y el nuevo Estado, surgido tras la Revolución Francesa, que asumió de manera vinculante la educación de los ciudadanos lo que forjó no sólo la personalidad del primer museo de nuestra época, el Museo del Louvre, que ya celebró su e bicentenario, sino que sirvió de modelo para los restantes, que, a partir del siglo XIX, se fueron creando por todo el mundo.

Aunque en el momento presente, como enseguida analizaremos, este modelo original de museo ha entrado, por diversas razones, en crisis - término griego que significa “cambio”, no se puede afirmar que los objetivos tradicionales de esta institución hayan quedado obsoletos, sino, en todo caso, que se han extendido. Porque la esencia de estos objetivos los de reunir, conservar, estudiar y divulgar las obras de arte, se mantiene hoy vigente. En realidad, la crisis que afecta actualmente a los museos se debe, en primer lugar, a suasombroso éxito público, su multiplicación exponencial y, en definitiva, la incidencia revulsiva de estos dos factores que han alterado por completo la vida de los museos. En este sentido, hasta aproximadamente la década de 1960, cuando se inició la llamada cultura de masas, hubo relativamente pocos cambios en la forma de ser y de regirse los museos artísticos, pues la tasa media de visitantes era todavía lo suficientemente modesta para controlar el flujo público, pero, desde entonces, y a un asombroso ritmo de crecimiento, la mayor parte de los museos se han visto desbordados al respecto, lo que ha obligado no sólo a su ampliación física, sino a multiplicar sus servicios.

Conclusión

El arte en Venezuela ha sido influenciado por diversas culturas. Entre ellas: la cultura autóctona de los aborígenes; la cultura africana, que trajeron los negros esclavos y la española, aportada por los conquistadores. Con todas ellas se conformó la cultura venezolana o el folklore venezolano. Dado que Venezuela forma parte de la comunidad mundial, hoy en día se puede observar la influencia de otras culturas como la francesa, inglesa y alemana que en algunos casos han contribuido al deterioro de nuestro arte y nuestra cultura autóctona. Esto ha incidido en la descalificación de nuestros valores e inclusive en el olvido de muchas de nuestras creencias, mitos, costumbres, etc. Es objetivo fundamental en esta lección  dar a conocer y afianzar todo lo que es nuestro arte y nuestra cultura.

Una manifestación folklórica relevantese expresa a través de la tradición oral, llamada así porque es transmitida por vía oral de una generación a otra. Comprende mitos, cuentos, leyendas, fábulas, dichos y adivinanzas (narrativa). Cuando no existía la televisión, tradicionalmente, después de la cena, se reunía toda la familia en el patio de la casa a escuchar cuentos, mitos y leyendas a la luz de la luna, que usualmente contaban los abuelos.

Las comunidades indígenas son ricas en mitos y leyendas, muchas de ellas han sido plasmadas en textos relacionados con el área de lengua. Vale la pena leer y compartirlas con amigos y compañeros, de esta manera se contribuye al rescate de una tradición. La televisión, a pesar de ser un medio idóneo para la difusión de tradiciones, lamentablemente no ha contribuido para evitar que desaparezca.
Bibliográficas

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