Arte bizantino.
Después de que el cristianismo fue aceptado por el estado romano mediante el edicto de Milan del año 313, el emperador Constantino trasladó la capital de roma a Bizancio, conocida también como Constantinopla. Desde ese momento se convierte en la heredera directa del imperio romano y, bautizada como la nueva roma, se transforma en un modelo de elegancia y esplendor durante la edad media.
En los primeros siglos del cristianismo el imperio bizantino rechazo la tutela de roma, configuro un arte propio y una cultura independiente de la latina, ya que manifestó preferencia por elementos griegos y orientales. Esta tendencia estuvo reforzada por la misma Constantinopla, pero mas a un por la diferentes provincias orientales que formaban parte del gran imperio. En el imperio bizantino la corte fue centro de la vida intelectual y social; los emperadores estaban en le cúspide de las 3 jerarquías: iglesia, estado y administración.

En virtud de que el cristianismo era ya la religión oficial, y estaba bajo la protección de los emperadores, su organización reflejó el caracter severo y autoritario del gobierno imperial. La majestad de Dios era sentida a través del poder absoluto del gobierno, por medio de solemnes rituales, de ceremonias litúrgicas y cortesanas.
La liturgia fue una creación y un medio totalizador destinado a proporcionar a los creyentes una visión ultraterrena, reafirmando así la humilde posición del hombre dentro de las jerarquías y el orden de las cosas.
Las enormes construccionesbasilicales, la penumbra de las iglesias, el esplendor dorado de mosaicos, los enigma, aticos símbolos representados en lo muros, todo estos elementos se conjugaban para invocar una deidad inescrutable y terrible, que ponía de manifiesto el abismo existente entre la divinidad y el individuo. Es esta una época de gran misticismo, que inunda a los espíritus de una fe ciega.
En Constantinopla tenían lugar ceremonias con rituales complejos y lujosas indumentarias. La arquitectura sacra se basaba en la construcción de grandes cúpulas, que dominaban un espacio central.
Consideramos le arte bizantino tal y como se presenta en la época del gran emperador Justiniano, en su maximo esplendor.

En el arte de Bizancio como en el arte paleocristiano, la finalidad fue eminentemente religiosa pero con orientaciones estilísticas diferentes.
En Bizancio el arte estuvo bajo la protección imperial, pero al ser dedicado a Dios, se buscaron los mejores artistas procurando el mas alto nivel. En este arte se observan dos ideas principales: la autoridad y el misticismo. El principio de autoridad fue la base de la separación entre la iglesia de oriente y occidente que el papa San Gregorio defendió enérgicamente.
Este autoritarismo emanaba de un hecho histórico, pues la fuerza de la iglesia descendía directamente de la época de Constantino y se había reafirmado bajo el reinado de Teodosio.
El misticismo de este arte deriva de la importancia que se dio a la simbología y de donde derivara la complicada iconografía e iconologíade las artes romanicas y góticas, como consecuencia de una teología y de una dogmatica cerrada; lo invisible tuvo en Bizancio una mayor importancia que lo visible.

Este tipo de religiosidad extrema y contemplativa consideraba lo humano, material y terrenal como subversivo; por el contrario, el mundo del espíritu y de la fe adquirió mayor trascendencia.

En este ambiente de religiosidad y misticismo, aunado a un severo autoritarismo, el imperio bizantino estuvo siempre agitado por innumerables herejías y disputas teológicas, que en ocasiones llegaron a amenazar su estabilidad interna; una de las disputas mas importantes y de mayor repercusión fue la querella iconoclasta o querella de las imagenes, acaecida en el siglo VIII. Esta lucha religiosa afecto al imperio durante mas de un siglo, al punto que se pretendió suprimir las imagenes al considerarlas objeto de idolatría.
La lucha iconoclasta fue también una de las causas que contribuyó poderosamente a la separación de la iglesia católica de occidente y la iglesia ortodoxa bizantina en el año 1054.
La influencia del Bizancio en la civilización occidental es realmente escasa durante la edad media; fue sólo después de la caída del imperio en manos de los turcos, en 1453, cuando la cultura bizantina de tradición helénica llegó a Italia para contribuir con los movimientos humanistas y renacentistas.

En sus Manifestaciones artísticas, el sentido religioso y cortesano del imperio bizantino se manifestó claramente en el arte de la época; se construyeronmultitud de monumentos religiosos que ponían en evidencia el pode absoluto de la iglesia y del imperio.
El arte trató de hacer perceptible a los sentidos la intuición de lo divino, de aprender de alguna manera la realidad ultraterrena de lo invisible; fue así que en esta época la intuición de lo infinito, de lo trascendental se hizo real: se creó un espacio, la iglesia, en donde se encontró a dios y a todos los santos representados en el arte del mosaico, de la escultura y de los íconos.
Características artísticas.
En el arte de Bizancio pueden apreciarse varias influencias: el arte romano, el helenismo griego y la Persia Sasanida. En la arquitectura se distinguen varias características la planta de cruz griega o cuadrada.
Las bóvedas de cañón y de arista.
Las cúpulas sobre pechinas, es decir, centran una cúpula sobre un plano cuadrado apoyandose éste sobre cuatro triangulos de base curvilínea. Este sistema técnico no es invento bizantino, aunque sean sus arquitectos los que los llevan a su maxima expresión.
Se usaron arcadas de medio punto sobre columnas.
Los capiteles tendran ornamentación zoomorfa o vegetal, pero el abaco sera casi otro capitel y tomara el nombre de Cimacio.
El arte bizantino tuvo un gran campo artístico de extensión geografica; así el imperio asiatico cristiano, con Grecia e Italia y los Balkanes juntamente con la Rusia Cristiana.
La pintura mas usada fue la técnica del fresco así como el mosaico, que si en Roma había servido en esencia para la decoración del piso, en cambio enBizancio ocupó gran parte del muro.
La ornamentación sera de gran riqueza como las hojas de acanto o de vid que tienden a la estría; la estrella, la trenza, la elipse, la palmeta, son también elementos decorativos.
Bizancio también sobresalió en el arte de la orfebrería, aunque goza de gran barroquismo por la abundancia de esmaltes y piedras preciosas.

La Arquitectura.
En Italia y en Ravena, que era capital del exarcado, se hicieron el la época de Justiniano otras iglesias como la de San Vital, comenzada en 526 y consagrado en 546; tiene planta octagonal y su exterior es de gran sencillez por el material de ladrillo sobre ocho pilares enlazados por arquerías que dibujan en plantas en semicírculo; se apoya la cúpula sobre pechinas.
Otros edificios importantes de Ravaena pero de plantas basilicales, son San Apolinar in classe, y San Apolinar el nuevo.
En el segundo período del arte bizantino se inicia después de la lucha iconoclasta, en el siglo IX y abarca hasta el siglo XII.
Vencia representa, con la basílica de San Marcos, el monumento mas interesante de la Italia en la alta edad media, aunque el actual San Marcos pertenece por una segunda reconstrucción a 1063; fue proyectada según los trazos empleados en la iglesia de los Santos Apóstoles de Constantinopla, aunque en su parte norte se añadieron cinco cúpulas.

Las iglesias son ante todo un lugar santo y de reunión, y concebidas como un mundo aparte, como verdaderos universos cerrados, con su propia bóveda celeste. La creación de labasílica con cúpula adquirió significación cósmica: era la bóveda misma del cielo, de manera que los ojos de los fieles se elevaban de la esfera terrestre al mundo divino. A partir de estos elementos el arte expresó una fe abstracta: el deseo del hombre de liberarse de sus vínculos terrestres para alcanzar la vida eterna. En el imperio bizantino se edificaron tres tipos principales de iglesias: las basílicas con cúpula, como la de “Santa Sofía”, en Constantinopla; las iglesias de planta de cruz griega, que aparecieron en el siglo IV, como la de los “Santos Apóstoles”, en Constantinopla, y las iglesias de planta central cubiertas con cúpula, como la iglesia de “San Vitale” en Ravena.
La planta de las iglesias bizantinas en forma de cruz griega, es decir, de una cruz con sus cuatro brazos iguales, tiene las columnas coronadas con arcos de medio punto que mantuvieron su papel de resistencia y decoración. El techo de las iglesias tuvo variaciones pues se usaron la bóveda de cañón de arista y las cúpulas de distintas formas: emisférica, achatada o bulbosa, que fueron elementos característicos de la arquitectura bizantina.

Escultura.
La importancia de la escultura bizantina radica en la iconografía y su influencia occidental. Antes de la lucha iconoclasta, sabemos por los escritores que hubo escultura de bulto redondo en el imperio, y de gran belleza, pero después de esta cruenta guerra sólo podemos hablar de escultura de relieve realizada en marfil y que son los dípticos y trípticos, que se bien en principiotuvieron un fin cívico-político, posteriormente fue religioso.
Después del siglo IX la iconografía en el relieve se hace mas abundante; los temas cristológicos y mariológicos recorren la vida pasión y muerte de Cristo, pero el tema fundamental sera la Deesis, o sea, el Padre Eterno o Cristo acompañado de La Virgen y San Juan, también el emperador y la emperatriz junto a Jesús, recibiendo de El la coronación imperial.

La Pintura y el Mosaico.
La pintura, tanto por sus temas como por su esencia, destaca entre las demas artes figurativas de la época bizantina. La escultura de bulto redondeado y relieve monumental se extinguen por completo, sobre todo desde la lucha de los iconoclastas; sólo el relieve de pequeño formato, como los marfiles y trabajos en metal se utilizaron para fines religiosos y profanos (pequeños altares, cajas y utensilios de altar). Entre los géneros de la pintura, el de mas alto rango es el mosaico. Su preciosísimo y su luminosa fuerza reflejan con la mayor pureza el caracter sobrenatural, inmaterial y sagrado de las verdades de fe representadas; el mosaico, por sus refinados métodos de tratamiento, constituye la técnica mas apropiada para lograr, en las bóvedas y cúpulas del recinto de la iglesia, a la par que la maxima luminosidad y una gran riqueza cromatica, una nueva vida a la superficie.
La decoración iconografica de las iglesias se ajusta a un programa teológico y a un sistema de símbolos. Así, la iglesia es la reproducción de la disposición jerarquica que existe en el universo.Cada parte de la iglesia recibe imagenes del pantocractor, es decir, la figura de cristo como Dios Todopoderoso, de la Virgen María en el trono, de la bienvenida del Espíritu Santo y del coro de los santos y angeles.
De este arte podemos distinguir dos aspectos: la pintura mural y la de miniatura. En cuanto a la primera son escasos los ejemplos. Hubo varias escuelas como la macedonia que dejó magníficos ejemplares en Servia y Rusia; su composición es a base de largos frisos donde los personajes realistas y dramaticos narran las historias bíblicas.
En cuanto al arte de la miniatura, Bizancio encontró desde sus inicios perfectas obras que influiran sobre la miniatura medieval en el origen de la miniatura habría que buscarlo en el mundo clasico helenístico y en especial en la escuela de amanuenses de Alejandría.
La pintura mural y la de los libros generalmente tiende, por la soltura de sus técnicas, hacia una mayor libertad en el relato detallado y en los medios mas marcadamente grafico-abstractos o pictórico-ilusionistas de la configuración formal. Las formas y medidas puramente simbólicas, la concentración sobre lo tematicamente importante y la severa dignidad que intenta reflejar al modelo sagrado constituyen la esencia del arte figurativo bizantino. La pintura de libros o miniaturas toma como tematica principal escenas del génesis, de los evangelios, los salmos, pasajes de la vida de la virgen y también los llamados calendarios de los santos.
El Mosaico.
La técnica utilizada por los bizantinosprocedía de la técnica romana del mosaico, en la que sobresalían los artistas orientales. Estos, en lugar de utilizar teselas de marmoles de colores, usaron teselas de pasta de vidrio polícromo con fondo de oro, fragmentos de nacar irisado y valiosas piedras duras.
Imagenes en sustitución de hombres.
Las imagenes imperiales, tanto esculpidas como pintadas, recibían en el imperio tardío los mismos honores que el emperador en persona. Las figuras representadas en los mosaicos de San Vitale son personajes históricos, cuyas indumentarias se corresponden exactamente con las que prescribía el ceremonial de la corte.

Los mejores mosaicos pertenecen al primero y segundo períodos. En la etapa inicial las figuras seran tridimensionales con perfecto relieve y corporeidad, así los de San Vital de Ravena, que tendra un doble sentido, el religioso y el político.
De gran calidad son también los de San Apolinar in Classe, en cuyo abside se encuentran el mosaico del Santo Obispo, que apacienta al rebaño místico.
En San Apolinar el nuevo y a ambos lados de la nave central, un magnífico desfile de vírgenes y martires llegan hasta el trono sagrado.

Los iconos.
El cuadro religioso sobre tabla, el icono, tiene una importancia y función especial en el arte bizantino. Los iconos de santos, conseguidos ya desde el siglo IV como representaciones de martires, se convierten en el siglo VII en objeto de una iconodulia a veces abusiva, que provoca la lucha de iconoclastas. La doctrina ortodoxa sobre las imagenes impone elpredominio de ciertos temas, así como el tipo y la misión de los iconos. Se representan sobre todo, Cristo y María y posteriormente también angeles y santos, según el orden marcado por las fiestas del calendario, y con escenas de sus vidas, cuadros festivos, etc.
Representaciones conceptuales.
A través de esta descripción de la iconografía vemos que el arte bizantino del siglo VI es un rico código de formas visuales que constituyen un lenguaje.
Ritos e imagenes eran instrumentos de comunicación utilizados en la antigüedad para transcribir los complejos contenidos ideológicos de la política y de la religión. Cada gesto del soberano adquiría, en el contexto civil y sacro, un lenguaje simbólico. También los colores de las vestiduras y los bordados eran signo de la posición que cada personaje ocupaba en las jerarquías del imperio o de la iglesia.
En la pintura de iconos se conservan con especial rigidez e inmutabilidad: tipos fijos en la configuración de rostros, posturas y ademanes, así como la frontalidad y espiritualización visionaria, con la cual se intenta lograr la autenticidad exigida y la magica relación con el original.

AUTOR

El arte bizantino es una expresión artística que se configura a partir del siglo VI fuertemente acostumbrada en el mundo helenístico.
Este me llama mucho la atención ya que es muy conservador y es de donde fluyen las ideas y se da a lugar a partir de aquí para tomarlo como base en los demas tipos de artes.
En sus primeros momentos se pensó como el conservador del ImperioRomano, así pasa de formas artísticas que influyen poderosamente en la cultura. Los períodos del arte bizantino se ajustan, como es natural, a las grandes fases de su historia política.
Ya que se regia mucho por la religión y esta misma, era como el gobierno propio.
Bizantino, que tiene ya como capital Constantinopla, cuidad fundada por el emperador Constantino. Debido a su privilegiada situación y a la caída del Imperio Romano de occidente en poder de los barbaros, pronto fue la capital cultural por excelencia en el mundo occidental. Así nace el arte bizantino como confluencia de los estilos griegos, helenísticos, romanos y orientales.
Los bizantinos desarrollaron nuevas técnicas y alcanzó nuevas culturas.
Se trata de una cultura asentada fundamentalmente en bases de la antigüedad aunque profundamente cristianizadas.

Para los templos, se usa con preferencia la planta centralizada o de cruz griega con grandes cúpulas sobre pechinas. Aunque los materiales constructivos no son especialmente ricos, sí lo es su decoración a base de mosaicos y pinturas murales, donde la representación de la figura humana, solemne, genera una gran sensación de espiritualidad que heredara posteriormente el arte romanico.
Constantinopla, “nueva Roma”, es la capital de los emperadores autocraticos y del gobierno centralista, así como el centro de la economía y el comercio, de la enseñanza, el arte y la civilización.
Bizancio pudo permanecer como imperio debido a varias causas, su superioridad cultural respecto a los pueblosvecinos, la diplomacia que había aliado a los enemigos en vez de combatirlos, el soborno para comprar a los jefes adversos y por último la guerra.
Pienso que en el imperio de Bizancio, la importancia de la escultura bizantina radica, como anotamos anteriormente, en la iconografía y su influencia occidental.
Antes de la lucha iconoclasta, sabemos por los escritores que hubo escultura de bulto redondo en el imperio, y de gran belleza, no tan perfeccionada como la que se ve en otros artes ni tan humana pero en su estilo bella.
En Bizancio el arte estuvo bajo la protección imperial, pero al ser dedicado a Dios, se buscaron los mejores artistas procurando el mas alto nivel siempre.
En este arte se observan dos ideas principales: la autoridad y el misticismo.
El misticismo de este arte deriva de la importancia que se dio a la simbología y de donde se dara a conocer la complicada iconografía e iconología de las artes romanicas, como consecuencia de una teología y de una dogmatica cerrada; lo invisible tuvo en Bizancio una mayor importancia que lo visible, como ya se había mencionado antes.
En el arte bizantino se experimentaron ideas y formas nuevas que habían tenido mínimos antecedentes antiguos, pero no por ello se libró la arquitectura de estar sometido a la jerarquía y así sus edificios estaran limitados, según el orden a ocupar en la Iglesia; aristócratas, clérigos, mujeres, hombres y pueblo soportaran, aún dentro del templo de Dios, la clase social a la que pertenecieron.
Fue en Rusia, sin embargo,donde se continuaron, de manera mas impresionante, las tendencias de la arquitectura bizantina.
Venecia representa, con la basílica de San Marcos, el monumento mas interesante de la Italia en la Alta Edad Media, aunque el actual San Marcos pertenece, por una segunda reconstrucción, a 1063; fue proyectada según los trazos empleados en la iglesia de los Santos Apóstoles de Constantinopla, aunque en su parte norte se añadieron cinco cúpulas.
Al principio siguieron haciéndose retratos imperiales según el estilo romano naturalista, y frecuentemente se adornaban los sarcófagos con relieves representando a Cristo, los apóstoles o incluso escenas de la Biblia; en Roma y Ravena hay grandes colecciones de estos sarcófagos.
La pintura, tanto por sus temas como por su esencia, sobresale, con mucho, entre las demas artes figurativas de la época bizantina. En la pintura de este arte podemos distinguir dos aspectos: la pintura mural y la de la miniatura. Entre los géneros de la pintura, el de mas alto rango es el mosaico.
Los mosaicos, que adornaban los suelos y las paredes de villas particulares y palacios imperiales, que alcanzaban un lujo monumental en las bóvedas y las cúpulas de las iglesias, fueron la obra del Bizancio. La mayoría de esos mosaicos fueron ejecutados por hombres cultos y no, por hombres desconcertados por los problemas de perspectiva. Tanto los individuos como las escenas estaban ideados para que fuesen claros, sencillos e identificables, de modo que pudiesen originar un impacto al sercontemplados a distancia, como en las paredes y las altas bóvedas de las iglesias. Pero cuando el ojo humano del curioso se acerca poco a poco al grande e impasible ojo de mosaico, le son revelados toda clase de sutiles detalles: un suave modelado gracias a la curvatura de las líneas de la piedra; graduación de color utilizando piedras de diferentes matices; y fondo brillante a diversos angulos.

El Arte Romanico.

El término romanico aparece por primera vez hacia mil ochocientos veinte en la bibliografía científica francesa utilizado para designar a la arquitectura cuyos rasgos característicos (arcos de medio punto, bóvedas y columnas) se podían remitir a la arquitectura romana. A partir de esta idea se acuñó el término estilístico de arquitectura romanica (derivada del término lenguas romanicas o romances).
El romanico se sitúa aproximadamente hacia el año 1050 y constituye un nuevo comienzo del Arte Occidental, después de la etapa a las invasiones de los pueblos germanicos.
El arte romanico tiene sus orígenes en Francia por ser el país heredero del imperio carolingio. Abarca los siglos XI y XII y se manifiesta de manera particular en las distintas regiones de Europa, dependiendo de las características locales y las influencias existentes. Este arte esta ligado a un profundo sentimiento religioso terriblemente opresivo, originado por una religión en la cual Dios debía ser captado por la fe y el hombre habría de someterse a El con una lealtad inquebrantable, y seguir reglas físicas y moralesinviolables que le hacían sentirse oprimido. Este sentimiento se traduce en el arte Romanico, en el cual arquitectura, escultura y pintura quedaban integrados en una unidad indivisible y eran creados para mayor gloria de Dios.
En el arte romanico se originó de dos fuerzas que primeramente chocaron y mas tarde se aunaron en una misma idea; por una parte el cristianismo romano y por otra las tribus barbaras.
La iglesia resultó triunfante y absorbió al barbarismo; la unión de lo meridional y lo septentrional creó un estilo característico que fue el romanico.
No se pretendió en el arte romanico expresar el mundo terreno, sino aquello por lo cual el monje se consagraba, o sea, lo ultraterreno y lo divino; por esto el simbolismo sera esencial en el romanico tanto en la arquitectura cuanto en la escultura o en la pintura; podríamos decir que el romanico no fue orientado hacia el pueblo, sino hacia las clases verdaderamente preparadas, de aquí que es un arte intelectual, como para iniciados. El artista de este período heredó la idea abstracta de Dios, por ello no lo representa en forma realista, sino que sera concebida fuera de las proporciones naturales y la fe sería el principal vehículo para llegar a entender que la escultura que representaba a Dios, pese a sus deformaciones naturales era la concepción imaginativa de aquél.
En lo espiritual, el misticismo a que aludimos llegó a convertirse en un símbolo de terror, ese año mil fue esperado, como el fin del mundo; de aquí el libro bíblico mas admirado y a la vez mascombatido fuera de la Apocalipsis de San Juan. Cuando la crisis de la fecha hubo pasado, la fe se reafirmó en esos hombres del medieveo y por medio de la plastica se buscó darle forma a lo que el evangelista había interpretado en la isla de Patmos. La vida diaria fue enfocada por esta sociedad hacia la religión, y el mundo del mas alla tuvo mas importancia que cualquier otro aspecto humano.
La catedral romanica o la iglesia rural estuvieron planificadas conforme a necesidades litúrgicas y sociales; por otra parte, el monasterio suele tener mayores proporciones que las que se necesitaban para una comunidad, pero el papel social que el monasterio tuvo en este período explica su grandeza.

Los monasterios y las catedrales de las ciudades estaban destinados a albergar a los fieles o pueblo de Dios. Por ello debían tener un considerable tamaño y una planta basilical, que fue planta de cruz latina en la madurez del romanico.
En la iglesia de San Miguel de Pavía se manifiesta el desarrollo de la planta en forma de cruz latina, cuyo brazo corto, se encuentra delante del abside, se llama transepto. La sección transversal muestra las nervaduras que confluyen en los pilares fasciculados, y la galería que se encuentra encima de las naves laterales. Esta estructura tiene una función formal pero también el cometido de crear presiones laterales que se contrapongan y encausen el empuje de las bóvedas de la nave central.
Durante el período romanico la escultura sigue estando estrechamente ligada a la arquitectura.Adorna fachadas, pórticos y capiteles, narrando historias del evangelio y hechos bíblicos, y combinando las representaciones de animales míticos con formas vegetales entrelazadas. El arquitecto y el escultor, cuando no son la misma persona, colaboran estrechamente.
Arquitectura.
El arte romanico puede decirse que tuvo una existencia de tres siglos (X, XI y XII). La arquitectura nos dara la sensación de robustez y austeridad, así como la obscuridad que fue elemento esencial y aliado de este arte. En cuanto a los elementos arquitectónicos, los mas importantes fueron el arco de medio punto o semi circular, la bóveda de cañón, la bóveda de arista, y el contrafuerte que servira para contrarrestar el empuje de las bóvedas y que estara en el exterior de la construcción.
La característica mas original del romanico lombardo fue las innovadora utilización de la bóveda de arista, empleada ya por los romanos, y que, con los pilares que la sostienen constituye un vano.
El cuerpo de la iglesia esta formado por una sucesión de vanos. La bóveda de arista da origen romano, pesada y difícil de construir, fue paulatinamente sustituida por la bóveda de arista con crucería, en la que una estructura de perfiles salientes sostenía finos paneles de piedra.

La decoración en el romanico estuvo destinada en especial para los capiteles y los pórticos y la escultura sobresalió como arte decorativo y supeditado a la arquitectura, tanto en el capitel, como en los tímpanos de las puertas.
También en la arquitectura romanica se usó lacripta que tendra por objeto ser panteón o santuario primitivo; las torres fueron parte esencial de esta arquitectura. Dentro de la arquitectura del romanico el monasterio fue parte vital. Según la importancia del monasterio puede haber uno, dos o tres claustros cada uno tendra un destino determinado.
Los elementos fundamentales de las construcciones romanicas son los arcos de medio punto y las bóvedas de cañón y de arista que llevan las presiones a lo largo de los muros y que son contrarrestadas por los contrafuertes exteriores, en un sistema estructural basico.
En la arquitectura romanica las construcciones predominantes son iglesias y monasterios. La iglesia romana es de planta de cruz latina con una, tres o cinco naves. La nave central es mas alta que las laterales y se cubren todas con bóvedas, casi siempre de cañón, o sea de sección semicircular, y también de aristas, formadas por el cruce de dos bóvedas de cañón. Los muros son muy gruesos y robustos y las ventanas pequeñas, predominando la masa de los muros sobre los vanos de puertas y ventanas.
Es notable en muchas iglesias romanicas y monasterios que el claustro consista en un patio rodeado por columnas y un pasillo cerrado que conduce a las demas dependencias del monasterio, como son: la sala capitular, el refectorio y los dormitorios de los monjes. Podemos decir que el claustro es un espacio que une a la iglesia con el monasterio.
Iglesias romanicas.
Después del año mil, dominado por el terror al fin del milenio y del mundo, tras un periodode nuevas invasiones barbaras, destrucción y ataques arabes a lo largo de las costas, se manifestó en Europa un nuevo impulso de esperanza y de vida. Se retomó la construcción de edificios, especialmente iglesias y monasterios, En efecto, todo estaba bajo la jurisdicción de la iglesia. En las ciudades el obispo era el promotor de las obras arquitectónicas y el monacato benedictino, laborioso y creativo, construía abadías en lugares inaccesibles. La iglesia romanica, a través de su sólida estructura y sus elementos decorativos expresa una religiosidad vigorosa y unitaria en el occidente cristino.

Arquitectura romanica en Francia.
En este país se conservaron los ejemplos mas notables de la arquitectura romanica, pero según la religión las características seran diferentes aunque tengan un patrón común. Las diferencias estan marcadas por el uso de la bóveda, pues así en la región del Loira la bóveda suele estar ausente; en cambio en la Borgoña y en la Probenza sera parte esencial.
Esta diferencia se origina también por el uso de materiales clasicos que en el sur de Francia suelen ser cosa normal.
En la Borgoña se desarrolla un romanico de gran riqueza que al estar en la ruta de la peregrinación tuvo una mayor difusión hacia el occidente que la escuela Normanda. Se caracterizan sus edificios por la bóveda de cañón en la nave central, y la bóveda de arista en las laterales. En esta región comienza a apuntarse la bóveda y los arquitectos tuvieron verdadera obsesión por la verticalidad y las proporcionesmuy elevadas.
Arquitectura alemana.
Se distingue la escuela alemana por el magnífico alzado de sus construcciones, continúa con la tradición otoniana, como los absides dobles y las torres paralelas.

Arquitectura Italiana.
Los italianos no asimilaron como los demas países de Europa, el arte medieval, debido al gran testigo presencial del mundo clasico y del Bizancio.
En la Toscana tenemos dos tendencias, la escuela de Pisa con su célebre catedral de cinco naves y policromía de marmol blanco y negro y la escuela florentina.
En la misma Pisa y junto a su célebre catedral el campanario y el bautisterio forman una bella unidad.
La sobriedad pisana se contrapone a la policromía florentina, con su precioso bautisterio cubierto de taraceas marmóreas donde alternan el verde y el blanco marfilino.
En Silicia se aunaron varias corrientes, la tradición clasica, lo normando, lo bizantino y lo islamico.
La catedral de Monreale y la capilla Palatina de Palermo son muestras evidentes del arte policromo de la isla.

Arquitectura romanica en España.
El arte romanico en España se desarrolló en la ruta hacia Santiago de Campostela. Los diferentes caminos de la peregrinación se unían en Puente La Reina y desde ahí los romeros, con una fe unanime llegaban hasta la tumba del apóstol. En los caminos se levantaron iglesias, catedrales, monasterios y casas de asistencia que son la mas viva expresión del romanico español.
En Cataluña el romanico arquitectónico fue reformado en gran parte durante los siguientes ciclosartísticos, amén de que su importancia radica mas en la pintura. No obstante pertenece al siglo XI la catedral de Jaca que según parece fue obra del maestro Guillermo. En este edificio de la capital del reino aragonés se disponen tres naves con pilares de columnas adosadas.
En Castilla existieron varias corrientes romanicas, así la región de Segovia se distingue por el pórtico con arquerías de medio punto sobre columnas que rodean al templo por tres de sus lados, o a veces por un solo lado. También en esta escuela se empela la bóveda de crucería de influencia arabe como en los edificios de San Millan y San Esteban.
La catedral vieja de Salamanca con bóveda de cañón apuntando y tres naves ostenta también la cúpula gallonada sobre tambor de ventanas en sus cuatro lados airosas torres cilíndricas. La gran cúpula recibe el nombre de Torre del Gallo.

Escultura.
El origen de la escultura del romanico sigue siendo discutido por los eruditos, pero lo que sí es cierto, que las diferentes escuelas tuvieron todas influencia de la escultura bizantina aunque a partir del siglo XI, cada escuela se diferenciara notablemente.
En la edad media, las representaciones que se esculpían en los edificios destinados al culto se referían al hombre en todos sus aspectos, a su alma, a su trabajo, a la oración y las ocupaciones cotidianas. Dado que gran parte de la sociedad era campesino o artesano, sobre los pórticos de las catedrales surgían representaciones de los meses y de las estaciones, por los que se regía la actividadrural, representados con escenas realistas y al mismo tiempo alegóricas.

En la escuela romanica lo mas importante sera el simbolismo y según se fue acercando hacia el gótico, la figura humana ocupara un papel predominante.
En el primer período, la fuente de inspiración del escultor romanico fueron los marfiles y las telas bizantinas; en un rectangulo y a manera de relieve, se coloca la figura dependiendo ésta de la arquitectura, con verdadero fin decorativo; carecen la mayoría de éstos relieves de movimiento y fueron colocados en fachadas y absides. En el segundo periodo la escultura se hace de bulto redondo, el movimiento es de gran variedad, los ropajes son ricos por sus múltiples pliegues y de cada personaje emana un gran magnetismo. Parte importante en la escultura romanico es la iconología y la iconografía.

La escultura romanica tiene dos aspectos, el de los altos y bajos relieves, y el de las figuras exentas o de bulto, estos se estudian en conjunto, porque se funden en una misma obra artística, ya que muchas veces la estatua reemplaza el fuste de una columna, se mezcla con los elementos decorativos ornamentales y esta casi siempre sujeta a la decoración arquitectónica. Que se observa en puertas, capiteles y cornisas.
Esta escultura no es naturalista; trata de los asuntos sumariamente y esquematiza sin preocuparse demasiado de las proporciones reales. Pero es mas movida y expresiva que la bizantina. Las escenas mas complejas de la escultura romanica estan en los tímpanos de las puertas de lostemplos. Los temas son variados: representan a menudo al pantocrator (cristo en actitud de bendecir rodeado de los cuatro símbolos de los evangelistas); otras veces es el juicio final; o alguna escena relativa a la vida de Cristo y de la Virgen. Fuera de los tímpanos, como puede ser en archivoltas y capiteles, se realizan toda clase de escenas del antiguo y nuevo testamento, alegorías de los vicios y las virtudes, los trabajos manuales, grupos de santos y profetas, animales imaginarios y fantasiosos. Estos últimos configuraron los famosos bestiarios, testimonio de la imaginación y de los temores del hombre medieval hacia lo desconocido y el Mas Alla.

Francia.
El claustro se construyó a finales del siglo XI; en los angulos del rectangulo se labraron magníficos relieves del apostolado yo en los capiteles la fantasía y la moralidad adquirieron calidades escultóricas supremas.
En el tímpano de la abadía corre la visión que San Judas tuvo del fin del mundo en la isla de Patmos.

Alemania.
En Alemania, la escultura se inspiró en la Lombardía y en la Borgoña y es la región renana la mas sobresaliente, en especial la ciudad de colonia, en los tímpanos de las iglesias de San Pantaleón y Santa Cecilia.

Italia.
Italia estuvo siempre influida por la escultura romana clasica; no obstante hubo varias escuelas que en gran parte dependieron de las limitaciones regionales geograficas.

El romanico pisano.
Todas las regiones elaboraron un estilo arquitectónico propio, derivado de tradiciones culturales localesy de otros factores, tales como la influencia de los modelos de países cercanos, no pudieron extender nuestro estudio a todas las variantes, presentaremos el estilo pisano, cuya obra maestra es la catedral de Pisa, fundada en 1063 y realizada por los arquitectos Buschetto y Rainaldo.
La influencia oriental se manifiesta, fundamentalmente en el corazón interior a base de franjas blancas y negras. Motivo musulman, en las esbeltas columnas y en la luminosidad.
Las puertas de entrada de las catedrales, fundidas en bronce y decoradas con bajo relieve, testimonian la grandeza económica de las ciudades italianas en los siglos VI y VII. Los artistas responsables de realizar estas obran maestras eran reclamados por ciudades de todos los puntos de Italia.
Pisa se sintió ligada al mundo de Bizancio y así en el siglo XII el maestro Guglielmo realizó el púlpito de la catedral y Bigarelli trabajó en la pila bautismal del bautisterio.
En Sicilia se fundieron varias influencias como puede apreciarse en el claustro de la catedral de Monreale, cuyos capiteles abarcan toda la fantasía para narrarnos escenas evangélicas.
La basílica de San Marcos en Venecia.
Nace una fusión de estilos, surgida tras muchas vicisitudes. Su planta de cruz griega tiene un caracter típicamente bizantino.
Cinco cúpulas hemisféricas, dos mas grandes y tres mas pequeñas, coronan los brazos de la cruz y un atrio, denominado nartex, precede la entrada. Cuatro pilares sustentan cada cúpula y entre cada uno de ellos se alzan arcos de medio punto,sostenidos por columnas.
Al tratarse de una construcción extraordinariamente compleja, es difícil clasificar y describir la basílica de San Marcos. Incluso los mosaicos han sido realizados en distintas épocas, si bien todos estan inspirados en modelos bizantinos.

España.
En España la influencia bizantina en las culturas se liga a la cordobesa musulmana y a la tradición de las obras mozarabes.
La región aragonesa esta íntimamente ligada a Cataluña y en la catedral de Jaca la escultura presenta una tendencia marcada hacia el círculo. Los capiteles son elegantes y atléticos en las figuras y la fuerza expresiva es notable.
En Santiago y por el año de 1188, el maestro Mateo realiza el famoso pórtico de La Gloria. En el tímpano central Cristo Pantocrator es acompañado por los angeles que portan los instrumentos de la pasión y como enmarcado a la figura del Juez estan las figuras del tetramorfo. Las arquivoltas se encuentran decoradas por los veinticuatro ancianos del Apocalipsis y en las jambas, profetas y apóstoles mantienen con verdadero dinamismo de preocupación o alegría una conversación de fondo teológico.

Pintura.
Se inició en el siglo XI aunque adquirió verdadero impulso en la centuria siguiente. Esta pintura tiene sus raíces en la tradición clasica del bajo imperio y en la pintura de Bizancio, pero la estilística estara marcada por las diferentes regiones en que se desarrolló.
La pintura de este periodo es antinaturalista y existe una verdadera observación por lo esquematico hacia loestilizado y hacia el Hieratismo Mayestatico.
La creación pictórica se manifiesta de varias formas: en pinturas al fresco dentro del recinto de la iglesia, en las pinturas miniadas o miniaturas realizadas en libros, que surgen en gran número dentro de las escuelas monacales, en las vidrieras o vitrales que, como nuevo medio de expresión pasan lentamente a primer plano y también en los preciosos trabajos de oro y esmalte de las artesanías.
La pintura mural romanica, al igual que la escultura, sintetiza las escenas y se preocupa poco por el realismo de las formas y nada del paisaje. Los colores son planos y primarios, y el fondo se pinta todo de un solo color. Un lugar preferido para trazar pintura era el tramo de pared del abside, detras del altar mayor. Son temas muy repetidos los de Cristo majestad con los símbolos de los cuatro evangelistas o la Virgen María o el Niño Jesús.

Francia.
En Francia pueden distinguirse dos corrientes o estilos pictóricos que no fueron marcados por la geografía, sino que incluso a veces perviven en una misma región. El conjunto mas interesante es en la región de Poitou en la iglesia benedictina de San Savin; es una pintura convencional y la importancia del personaje lo indica el tamaño del mismo.
El otro estilo se encuentra en los margenes de los ríos Saona y Loira y el mas célebre ejemplo esta en Berzé-La-Ville; aquí la influencia bizantina es mas fuerte, se distingue la riqueza del color y de la decoración.

España.
En España se originaron las pinturas mas bellas delromanico del occidente, éstas fueron pinturas murales o de frontales de altar. En Cataluña y en el siglo XI, se decoró la iglesia de San Quirce de Pedret, cuyas pinturas al fresco representan la parabola de las vírgenes prudentes y las vírgenes necias.

AUTOR.
El arte romanico, es aparentemente simple, sencillo y directo como pocos, para mí, en él se confunden lo arquitectónico con lo religioso.
Apareció en el siglo XI, junto con un nuevo estilo de vida, el feudalismo.
La iglesia tuvo el acierto de humanizar la figura de Cristo, potenciando su faceta humana, su pasión y muerte por todos los hombres. Los santos se convirtieron en los representantes mas cercanos de Jesús en la tierra y la Virgen María también gozo de una cercanía hasta la fecha impensable.
Lo que mas se percibe en este arte es: solidez de la construcción, gran anchura de muros para poder resistir las fuerza y tensiones de la estructura, uso del arco de medio punto y bóveda de medio cañón, vanos.

Lo mas atrayente de este arte es sin duda la combinación de formas arquitectónicas de un gran equilibrio y elegancia, dada su sencillez, sentido de la simetría y el orden y la utilización de escultura de una extraña belleza, muy alejada de los canones clasicos.
Esta escultura es empleada para transmitir mensajes catequéticos y simbólicos a los feligreses que podían 'leer' en la piedra las enseñanzas de las Sagradas Escrituras.

Con el desarrollo de la influencia cristiana, la arquitectura es de estilo romanico, debido a sus imitaciones de laarquitectura romana.
Esculturas y frescos, orfebrería e iluminaciones romanicas son la expresión de una intensidad a la vez popular, inspirado en la vida de Cristo y de los evangelios. Se calificara así a las iglesias como verdaderas 'biblias ilustradas'.
Lo que me llamo la atención en cuanto a lo arquitectónico fue que las bóvedas, a diferencia de lo existente en las basílicas romanas, las edifican bien con sillares o con ladrillo; y los encuentros de las naves los resuelven mediante bóvedas de arista o cúpulas semiesféricas.
En el romanico se ve mucho lo que es del arte bizantino, y se toma mucha referencia del mismo, pero claro que mucho mejor.
Me llamo a atención saber que la pintura en el templo romanico fue el acabado final de los mismos, y no solo las pinturas se realizaban al interior del mismo, sino que el exterior también estuvo decorado. En especial en los lugares mas sensibles del mismo como la puerta de acceso.
En la escultura romanica encontré que tiene dos aspectos, el de los altos y bajos relieves, y el de las figuras exentas o de bulto, estos se estudian en conjunto, porque son una misma obra artística y gracias a esto muchas veces la estatua reemplaza el fuste de una columna y así se mezcla con los elementos decorativos ornamentales y esta casi siempre sujeta a la decoración arquitectónica.
Que se observa en puertas, capiteles y cornisas y en su mayoría es lo que mas llama la atención, todo ese decorado logrado.

En este arte es el momento en que se levantan los principalesmonasterios, las grandes catedrales romanicas de las rutas de peregrinación y otras importantes iglesias en las ciudades de mayor poder económico e influencia.
Me gusto mucho que Según Bruyne y otros autores le encontraron un significado a cada construcción:
Las criptas simbolizan la vida oculta de los fieles. El suelo que se pisa con los pies, su humildad. Las cuatro paredes son las cuatro regiones de donde vienen todos los pueblos hacia Cristo. La piedra angular son los cuatro Evangelios. La pared de la izquierda representa a los judíos .La de la derecha a los paganos. Las piedras cuadradas representan a las almas perfectas. Unidas unas con otras por el cemento, que es la caridad. Las doce columnas principales son los profetas y apóstoles .La bóveda, el escudo con que protegen los príncipes seglares a la iglesia.

Lo mas importante en el estudio de la arquitectura romanica reside en el papel que desempeñaron las diversas areas geograficas e históricas en la elaboración del estilo.
Las experiencias arquitectónicas del romanico permitieron la evolución de la arquitectura gótica.

La importancia del campanario durante la época del romanico continuó, pero agraciado con la tendencia general del gótico por destacar la verticalidad

El Arte Gótico.

El arte gótico representa la expresión mas característica del arte medieval donde se integran algunos aspectos que se desarrollaron en el romanico, pero lo mas notable son las innovaciones introducidas en el campo de la arquitectura, al desarrollarse nuevossistemas constructivos que revolucionaron el concepto de espacio y de la forma.
El arte gótico es en cuanto a sus elementos arquitectónicos una evolución del romanico. La palabra gótico, según Vasari, la utilizó por primera vez Rafael Sanzio para designar el periodo artístico anterior al renacimiento.
El arquitecto gótico ignoró la ley de la gravedad y su verdadera obsesión fue la verticalidad. Hubo un verdadero afan por la luz y procuró prescindir de los gruesos muros del romanico que tenían que soportar las pesadas bóvedas de cañón; para esto se sirvió de nuevos materiales como el cemento y el hierro; es por ello que el muro llegó a perder su función de soporte y pudo ser sustituido por las policromas vidrieras.
Los dos elementos basicos de la arquitecturas ojival son el arco apuntado y la bóveda de crucería; ésta acumula los empujes de pesa en un punto determinado y con ello desaparecen los macizos muros romanicos que seran sustituidos por amplios vanos. Pero el peso es distribuido entre los arbotantes y los estribos que rematan en pinaculos,
El monumento mas típico del arte ojival fue la catedral de París, divididas sus plantas en tres o cinco naves como crucero y abside con girola. En el gótico fue suprimido el nartex o vestíbulo, cual los fieles penetraban desde el atrio directamente al templo. Se introdujo en la decoración la gargola que servía para arrojar las aguas de lluvia de los tejados, su colocación fue en los estribos,

En el gótico los números tienen un significado especial. El número tresse relaciona con la Santísima Trinidad; el cuatro representa los elementos de la naturaleza: agua, fuego, aire y tierra; el siete es la suma de los dos y simboliza al hombre en su esencia divina y en su materia corpórea. El número sagrados es el tres. Las iglesias son por lo general de tres naves; las fachadas de las catedrales tienen tres pórticos y tres son los niveles horizontales en los que ésta se divide; en la nave central de la iglesia asciende en el sentido vertical la arquería, la galería de triforio y los ventanales altos.
Con el nombre de gótico, el gran historiador italiano del siglo XVI, Giorgio Vasari, designo al obscuro arte de la edad mediana que se oponía ala tradición clasica grecorromana. Para Vasari, el arte Gótico era un sinónimo de barbaro y decadente que transgredía el pasado glorioso de la antigüedad clasica. Durante el romanticismo del siglo XIX, el gótico adquiere una nueva connotación y se convierte en una denominación positiva, al grado de que surgira en ese momento un estilo denominado neogótico.
El arte gótico es el resultado de llevar el Romanticismo a sus últimas consecuencias por un verdadero deseo de perfección, promovido por los monjes de la orden de cister. El estilo monastico difundido por los cistercienses constituye la fase previa e inmediatamente anterior ala arquitectura gótica.
La soluciones y formas artísticas que se habían desarrollado en Europa desde el siglo XI se unifican entre si apartar de mediados del siglo XII en la región central de la isla de Francia;por tanto, se puede decir que el estilo gótico surgió en Francia y se difundió a todo el continente, adaptandose alas características regionales de cada país.
Periodos del arte gótico.
1. gótico temprano (siglo XII y XIII). Se caracteriza por la robustez y pesadez de las construcciones. Las influencias francesas predominan en las catedrales europeas.
2. Gótico pleno (siglo XIII y XIV). Formas esbeltas ligeras, elegantes y de mayor riqueza de ornamentación.
3. Gótico tardío o flamígero (siglo XV y XVI). Se sobrecarga la adornamentación en un estilo filigranado, sumamente decorado.

Arquitectura
Entre los siglos VII y VIII la arquitectura gótica se afianzó en las regiones del norte de Europa, especialmente en Francia, como expresión de la floreciente vida urbana.
Las catedrales francesas, españolas y alemanas son las obras maestras de este estilo y su realización fue posible gracias a una notable disponibilidad de dinero y de mano de obra. En efecto, se trata de monumentos gigantescos cuya construcción duraba decenas de años, comprometiendo las energías y los recursos de generaciones enteras de ciudadanos.

La arquitectura gótica también recibe el nombre de ojival por el arco apuntado característico de este estilo.
Se considera que el primer monumento gótico es la ¨abadía de saint-denis¨, en el norte de Francia Normandía, constituyendo una evolución del romanico, en esta construcción ya se muestran las características formales que son distintivas del estilo gótico. La forma masrepresentativa del estilo gótico es la arquitectura lo constituye la catedral. En relación inmediata con este edificio surgen las artes plasticas e influye también en las formas de la arquitectura civil, tanto doméstica como oficial o pública, que adquiere desde ahora una creciente importancia.
Las formas que caracterizan las obras de la arquitectura gótica atica en Francia son:
El arco ojival. Las puertas y ventanas lucen el arco apuntado, logrando en el diseño por dos tramos de circunferencia de distintos centros y cruzados en la parte superior.
La columna. Muy alta como sujeta a una incontenible fuerza ascendente.
Cornisas. Según las épocas, las cornisas pueden presentar aplicaciones de festones y largas guirnaldas de hojas.
Las gargolas. El desagüe de la lluvia caída sobre los techos se realiza por medio de canales dotados de vertederos que la alejan de los muros del edificio. Estos vertederos denominados gargolas, se presentan a la representación escultórica de las mas diversas y extrañas figuras algunas grotescas, de marcada fuerza decorativa y reveladoras de la particular fantasía de sus autores.
Los tímpanos. Presentan formas geométricas a los frontones de los templos griegos; estos tímpanos, con arco apuntado, enmarcan las portadas y descansan sobre el dintel de la puerta, la cual tiene una columnilla o parteluz en medio del vano y a los lados se localizan las jambas.
Las torres: en una arquitectura como la gótica en la que predomina la línea vertical las torres colocadas a ambos lados de la fachadaprincipal desempeñaron un papel preponderante, pues eran los elementos de remate vertical al ser coronadas con altas flechas o agujas.
La torrecilla o torre linterna. Surgiendo por encima del crucero, estas elegantes y delgadas torrecillas, terminadas en una flecha que remata en el siglo de la cruz, se destacan en el exterior de las catedrales.

Los ventanales.
Los ventanales constituyen el soporte arquitectónico de los vitrales. En ellos se ilustra la vida de los santos o episodios de las Sagradas escrituras.
Los contrafuertes y arbotantes. Los contrafuertes son elementos arquitectónicos colocados en el exterior de los muros laterales de la catedral y destinados a sostener y equilibrar los empujes de las bóvedas.

Arquitectura gótica de Francia.
En Francia, el sistema romanico sufrió una transformación radical, debido a la introducción del arco ojival, apuntado. Esta formado por dos arcos de circunferencia y no solo por uno, como el arco de medio punto. A partir de la ojiva se forma la bóveda de crucería ojival.
La característica principal de la arquitectura gótica es el predomino de la dimensión vertical sobre la horizontal. El observador tiene que elevar la mirada; en el interior de una catedral se siente impulsado a recorrer las naves siguiendo el ritmo marcado por los pilares, a caminar por el deambulatorio o a detenerse en las capillas de las naves menores.

El primer gran monumento del gótico francés es posiblemente la Abadía de San Dionisio en París; fue construida a mediados del sigloXII bajo la dirección de Abad Suger y vino a sustituir al primitivo panteón de los reyes de Francia.
La catedral de Santa María de Chartres se ha dicho, y con razón que representa a todas las catedrales en una sola; no puede hablarse de una fachada principal, pues sus tres fachadas son importantes, El pórtico real es aún romanico y sus figuras pertenecen a la escuela de Suger; las otras son góticas del siglo XIII.

Países Bajos.
Esta región estuvo influida por la arquitectura francesa y su época de mayor originalidad la alcanza en el último período del gótico con la catedral de Santa Gúdula de Bruselas. En Bélgica la arquitectura civil tiene una mayor importancia por las lonjas de comercio, que suelen tener planta rectangular con torres en los angulos y en el centro. También son extraordinarios las casas consistoriales o ayuntamientos como los de Bruselas y el de Brujas.

Alemania.
El espíritu germano y el francés se unen juntamente con la corriente italiana para crear un gótico de gran fantasía. En el siglo XIV, las bóvedas estrelladas y las torres maravillan por su grandiosidad y por la adaptación perfecta. La catedral de Colonia y la de Estrasburgo son los monumentos mas típicos; esta última es francoalemana.

Inglaterra.
Evolucionó en forma autónoma, fueron los ingleses los que usaron mas prontamente la bóveda de crucería, como observamos en las catedrales de Lindisfarne y Durham.
Los edificios góticos pertenecen al siglo XII.
A finales del siglo XIV se crea en Inglaterra el llamado estiloperpendicular, que fue una reacción contra la ornamentación del flamígero.
Italia.
El arte clasico impidió en gran parte el desarrollo completo del gótico,
En el arte gótico italiano no se sintió la ascendencia que hacia lo vertical tiene todo este estilo; el arquitecto renuncia casi por completo a los pinaculos y a los arbotantes; la piedra, que es el elemento vital del gótico, es sustituida por el marmol; los vanos no tienen la importancia que en el gótico francés y la pintura al fresco en los muros adquiere mas desarrollo que el vitral.

El Duomo de Milan.
Se constituye, por sus dimensiones la iglesia gótica mas grande que existe, con las dimensiones de 158 metros de longitud, 58 de anchura y 46.80 de altura en su nave principal.
La rica burguesía milanesa estuvo de acuerdo en fundar una catedral digna de la importancia europea de Milan, y financió el proyecto. El monumento se construyó enteramente con marmol blanco de Candoglia.
La catedral del duomo, concebida con una grandiosidad sin precedentes, se proyectó en estilo gótico flamígero tardío.
Entre las iglesias góticas ésta es la que presenta mas claramente los rasgos estilísticos característicos del gótico de Allende los Alpes, incluida la decoración recargada de adornos y estatuas.
La catedral de Milan puede enorgullecerse de poseer una serie de vidrieras policromadas que se encuentran entre las mas hermosas de Europa.
Entre las ornamentaciones escultóricas en marmol son características las gargolas a través de las cuales se eliminaba elagua de lluvia.

España y Portugal.
La primera arquitectura ojival hispanica fue impulsada por la orden del Cister. Estos monjes tomaron el monasterio de Claraval como modelo; y así en Burgos y protegidos por los reyes castellanos se hizo el famoso monasterio de Las Huelgas, que habría de albergar el panteón de los reyes de Castilla.
Durante el siglo XIV, se construyeron las catedrales de Levante, inspiradas en el mediodía francés; sus naves centrales son de gran anchura y la luminosidad es escasa,
En el siglo XV y en colosales proporciones se erigió la catedral de Sevilla; es de planta d salón, con cinco naves y dos capillas. Cuando el cabildo ordenó las obras expresó que harían una catedral tan grande que las generaciones futuras los tendrían por locos. El resultado fue que la catedral hispalenense es la mas grande del arte gótico y uno de los edificios de mayores proporciones de la cristiandad.
El gótico español: catedral de Brugos.
Una de las mas hermosas muestras del gótico español es la catedral de Burgos, cuyas agujas divisamos desde kilómetros de distancia.
En esta catedral, construida desde 1221 hasta 1765, conviven diversos estilos, aunque predomina fundamentalmente el gótico.
El gran rosetón de la fachada del Sarmental tiene, por encima, tres arcos ojivales cuadrilobulados con trece columnas con estatuas sagradas. De éstas, la central corresponde a Cristo.

Escultura.
La escultura gótica se halla totalmente subordinada a la arquitectura y se crea practicamente por entero en función deésta, aunque existan algunas obras escultóricas de figuras exentas. Al igual que en la arquitectura, también se desarrollan estilos regionales.

La escultura gótica.
Los escultores góticos tendran una verdadera obsesión por la naturaleza, quien sabe si derivada de las prédicas de San Francisco; se inició ésta en el siglo XII, en la isla de Francia, pero llega a su esplendor en el XVIII. En principio es una escultura monumental, pero lo simbólico del romanico es sustituido por lo humano.
El escultor gótico no solo desea presentar al Cristo Juez, al Pantocrato, sino que éste mas que el terrible Juez que condena es el hombre, es el hombre que presentas sus yagas como el Dios de la misericordia. Las Vírgenes ya no son trono, sino madres que dialogan o juegan con su hijo que abandona la verticalidad y la frontalidad y se inclina o se da la vuelta para sostener la platica. La pasión sera un tema obsesionante en el escultor gótico y El Niño aún desde el nacimiento expresara en sus ojos el futuro de la Cruz.
Las estaciones del año seran representadas de la siguiente forma: la primavera es una joven portando flores; el verano, la misma muchacha llevara un haz de espigas; el otoño, el vendimiador o la joven llevara un cesto con frutas; y el invierno sera un anciano arropado. Los cuatro elementos también tendran su símbolo la tierra es una señora cargada de frutas y animales, el aire sera un angel soplando y cuando tiene aspecto de demonio es la tempestad; y si son cuatro angeles, representan a los cuatro vientos:Céfiro, Septentrión, Solano y Austro. El agua esta simbolizada por líneas serpentinas en las cuales hay naves, peces, etc., y el fuego es una hoguera o una dama con una antorcha, aunque este fuego, y por su relación con la alquimia, suele aparecer también en forma de salamandra.
Los vicios y las virtudes formas el llamado bestiario; cuando son monstruos, son los vicios; cuando son los animales nobles, las virtudes. Las plantas tienen también una simbología; así la granada simboliza el amor; el cardo, la penitencia; la espiga, la eucaristía; la palma, la resurrección; el olivo, la paz; la vid, la fertilidad de cristo y la hiedra, la vida perpetua.
La escultura gótica estuvo sometida a la arquitectura y a la iconografía casi desapareció de los capiteles. La mas importante se encuentra en los pórticos, en las torres y en los transcoros de las iglesias, así como las capillas funerarias.

En Italia, la escuela de pizza iniciada por los escultores Nicolas Pisano y su hijo Juan Pisano durante el siglo XVIII produce una escultura nueva, gótica aun pero con las especiales características que le imprime el hecho de que los artistas se proponen una imitación mas fiel de la naturaleza; al estudiar los modelos de la antigüedad clasica se imitan los procedimientos de los escultores griegos y romanos. Estamos en un momento muy importante de la Historia del Arte, puesto que con la obra de los escultores de Pisa se asentaran los principios del renacimiento italiano.

Pintura.
La pintura gótica se remite mayormente alos vitrales, códices y retablos. Desde mediados del siglo XIV, existe una corriente de fuerte influencia francesa, que perdura incluso hasta el siglo XV.
Durante el período gótico la pintura mural desaparece casi en todos los países europeos excepto en Italia, donde siguió cultivandose con éxito. Los pintores de esta época prefieren pintar sobre tablas.
La arquitectura gótica sustituyó los muros por los luminosos vitrales, lógico es que la pintura mural, en el arte de la ojiva sea mínimo.
Los pintores primitivos del gótico se inspiraron en los libros que producían los monasterios, y el humanismo que los fundadores de las órdenes mendicantes predicaron influyó en la pintura apareciendo de nuevo el paisaje de fondo.
El estilo mas común radica en los rostros de proporciones delicadas, aunque a veces la figura humana cae en lo caricaturesco, pero hay una obsesión por el retrato, como son las tablas en las que aparece el donante.

La Pintura: Cimabue a Giotto.
A mediados del siglo VIII, decayó la decoración con mosaicos de las iglesias y fue sustituida por frescos o por tablas pintadas procedentes del arte bizantino, denominadas íconos.
Las imagenes sagradas de Cimabue, de gran carga expresiva reflejan la influencia bizantina, como demuestra la forma de tratar los ropajes y las figuras. Las líneas predominan sobre la forma plastica y los reflejos dorados (efectos de luz) recuerdan al resplandor de los mosaicos.
Aunque las figuras de Giotto no son naturales, sino mas bien una transformación de lasfiguras reales, manifiestan la fuerza con la que el artista sentía la humanidad de sus personajes.
La Virgen, Cristo y los Apóstoles han sido transportados desde los fondos de oro bizantinos a un entorno real de Medieveo.
En la matanza de los inocentes, de Giotto, 1304-1306 representa una ciudad medieval, definen el espacio dos construcciones romanico-toscanas, destacando sobre un cielo azul cobalto que constituye los fondos dorados de las imagenes sacras.
Simone Martini y Giotto.
Giotto representaba a Florencia y Simone Martini representaba a Siena. Se trata del pintor gótico mas significativo y su estilo contrata con el de Giotto.

En su obra maestra La Anunciación, Martini sitúa a la Virgen y al Arcangel sobre un fondo de oro. No se ve ningún objeto que nos recuerde a una casa real o a una habitación. En efecto, todo tiene un caracter simbólico y espiritual, nos remite al misterio de la encarnación.
Representaciones descriptivas y alegóricas.
La riqueza de muchas ciudades italianas en la primera mitad del siglo XIV indujo a las autoridades a celebrar el nivel de vida alcanzado por la burguesía mercante, los artesanos y los campesinos de los alrededores de la ciudad. Un ejemplo de este tipo de comunicación propagandística y moralista a través del arte esta constituido por el fresco de las alegorías y por el titulado Alegorías del buen y mal gobierno, que se encuentra en el ayuntamiento de Siena.
El caracter descriptivo del fresco sigue transportando al observador a la ciudad de Siena, que apareceminuciosamente descrita tanto en su caracter medieval como en la realidad de su vida cotidiana.
Todas las figuras humanas aparecen vestidas reflejando con precisión la moda de la época y con el estilo característico de cada clase social.

Podemos dividir la pintura gótica en tres grandes regiones: Italia, Flandes y Península Ibérica.
En Italia en el siglo XVIII, aparecen dos grandes escuelas la Toscana y la de Siana. En ambas se observa un alejamiento de las normas y modelos tradicionales, y un afan por representar la naturaleza y la realidad de una manera mas fiel.
Los mas importantes representantes de estas dos escuelas contribuyeron con su trabajo a decorar la “Basílica de San Francisco”, en Asís, que reúne la mejor colección de pinturas murales de la época.
La pintura de cada uno de los reinos peninsulares adquiere muy pronto características distintivas y particulares. Pintores representativos de esta región son: Pedro y Jaime Serra, Luis Borrasa, Jaime Huguet, Fernando Gallegos y Bartolomé Bermejo.

Pintura gótica francesa.
El vitral ocupó al principio como hemos indicado, un papel pictórico; las vidrieras se distinguen por los vivos colores donde la figura esta aislada y su tamaño dependera de la altura en que se halle. En cambio, en los rosetones los vitrales desarrollaran todo un tema.
En el siglo XIV sería digno de la mejor pagina histórica por la obra capital que realizaron los hermanos de Limburgo cuando miniaron el libro de las horas del duque de Berry.
En el siglo XV, y pese a loadelantado del renacimiento italiano sigue siendo en Francia de tendencia goticista, no obstante, ya existen algunos elementos de tipo clasico.
Pintura gótica alemana.
Antes de 1400 las obras de pintura gótica alemana son pocas; hacia 1360 se hizo el retablo de Santa Clara, de la catedral de Polonia, que tiene notable influencia de la escuela de Siena.
Un gran artista de la pintura gótica alemana fue Conrado Witz. La mayoría de sus obras fueron realizadas en Basilia, así el retablo que hoy se encuentra en Ginebra, donde el tema de la pesca milagrosa lo trata con gran sobriedad.

Pintura gótica en España.
La escuela catalana aragonesa desarrolló temas y técnicas ya iniciadas en el romanico, como los frontales y retablos de San Cipriano.
La corriente italiana del Ducento es notable en España aunque las obras que quedan son reducidas después de la guerra civil de 1936-1939, pero empalma de Mallorca se conserva el retablo de Santa Clara, de gran sabor italianizante.
De la región catalana y hasta 1400 destaca el artista Luis Borrassa que sera discípulo de Pedro Serra, su obra cumbre es el retablo de Guardiola.
A partir del siglo XV, la pintura flamenca se impone también en España y Cataluña produce una pléyade de grandes artistas como Luis Dalmau, cuya obra mas conocida es la Virgen de los Concelleres.

AUTOR

Aunque en el estilo gótico encontramos ciertas características reconocibles, es mas facil que las numerosas manifestaciones de arte gótico cobren sentido si tenemos en cuenta que el períodoabarcó mas de doscientos años y que su influencia se extendió por toda Europa.
Se podría decir que para me el elemento innovador que separó las iglesias del período gótico de la arquitectura romanica fue un nuevo tipo de construcción de techos, la bóveda. Con esta estructura reforzada, las paredes que actuaban de soporte no tenían que ser tan gruesas.

Las primeras iglesias que se construyeron en estilo gótico y que mas me gustaron fueron las de Francia, y destacan las de Notre Dame, en París; Saint Denis, en París, y la de Chartres.

El personaje que mas me destaco para mí y junto con su obra fue Simone.
Las figuras de Simone tienen una extraordinaria fluidez física; tanto si son angelicales como humanas, recorren la escena de una forma sorprendentemente bella, como si fuesen habitantes magicos e imaginarios de nuestro mundo y del cielo. Tienen los pies, firmemente apoyados en la tierra y, sin embargo, no hay ningún artista parecido a Simone, ni en el gran valor de sus combinaciones de colores ni en la fuerza persuasiva con la que nos invita a entrar en el mundo de su singular imaginación.

Su sentido del drama y su pintura queda bien claro en El angel y la Anunciación, expuesto en la galería Uffizi, en Florencia. En ese cuadro ya presentado anteriormente vemos cómo María se encoge, casi asustada por la solemnidad de la petición de que dé a luz al Hijo de Dios. Claro que muchas personas lo pueden interpretar diferente pero para mi eso fue lo que me dio a entender el cuadro de Simone.
Se mencionamucho que el arte gótico se caracteriza por la verticalidad y la luz, que es el reflejo de la divinidad. Su expresión mas típica es la catedral, edificio urbano, en la que encontramos todos los elementos del arte gótico.
En estas construcciones predominan las plantas de cruz latina en las que se distingue: la cabecera, el crucero y las naves, de tres a cinco.
La cabecera tiene girola y capillas radiales y la nave central y el crucero son mas anchos y altos que las laterales. Las capillas, los absides y las girolas dejan de ser semicirculares para hacerse poligonales. Todo esto me llama la atención por que es verdad, creo que el gótico es el arte que mas llama la atención y el que a mi mas gusta.
Utiliza también un nuevo tipo de arco ojival, apuntado. Gracias a su verticalidad, permite elevar la altura del edificio. Con estos tres elementos los arquitectos góticos revolucionan la construcción. Lograron muros diafanos que se recubren con vidrieras. Los rosetones son el marco privilegiado de las vidrieras de colores. Las vidrieras se organizan en tracerías. Cada vidriera posee un armazón de hierro y un emplomado. Al existir mayor espacio libre de piedra, las ventanas adquieren gran importancia y en el interior de los vanos se aprecian tracerías caladas que se rellenan con vidrieras policromadas.
La pintura es el arte que mas radicalmente cambia en el gótico. Pierde su lugar natural, el muro. Por eso, debido al escaso desarrollo de éste, la pintura gótica tiene su primera ubicación en las vidrieras y enlas miniaturas de los códices.
La técnica mas utilizada es la del temple y el óleo, que da un mayor colorido y permite un acabado mas minucioso.
Todas estas cualidades estilísticas fueron posibles gracias a las innovaciones constructivas, especialmente a la aparición de la bóveda de crucería. Las iglesias medievales poseían bóvedas muy pesadas, que obligaban a disponer muros gruesos y con pocos ventanales para soportar sus empujes.
En conclusión el gótico revoluciono mucho y fue el que para mi logro mas cambios.

Con la bóveda gótica los edificios pudieron adoptar formas variadas. Sin embargo, la planta común de las catedrales góticas consistió en tres o cinco naves longitudinales, un transepto, un coro y un presbiterio, es decir, una composición similar a la de las iglesias romanicas. Las catedrales góticas también mantuvieron y perfeccionaron la creación mas genuina de la arquitectura romanica: la girola, una estructura compleja que aparece en la cabecera del templo, generalmente de forma semicircular con un deambulatorio alrededor y al que se abren capillas radiales de planta semicircular o poligonal.

El Renacimiento.

La escultura en Florencia se dio en la primera mitad del siglo XV, es la edad heroica del renacimiento temprano. El arte florentino, dominado por los creadores originales del nuevo estilo, conservó el indiscutido liderazgo del movimiento. Para investigar sus comienzos debemos ante todo estudiar la escultura, ya que los escultores tuvieron, antes que los arquitectos y los pintores,y con mayor abundancia que ellos, oportunidades de responder al reto de la nueva Atenas.
Un decenio después de la competición de referencia, vemos que este limitado clasicismo medieval ha sido superado por un artista algo mas joven: Nanni Di Banco.

Cuando Nanni talló los Quattro coronati, apenas rebasaba los treinta años, murió en 1421, dejando casi terminado un enorme relieve de la ascensión de la Virgen para el gablete que remata el segundo portal del lado norte de la catedral de Florencia.

El mas grande de los escultores de su tiempo fue Donatello nacido en 1386, varios años después que Nanni murió. Junto con Nanni, Donatello pasó la primera parte de su vida profesional trabajando en encargos destinados a la catedral y a Or San Michele.
A pesar de que la pintura del renacimiento temprano no apareció hasta los primeros años del decenio 1420 a 1430, unos diez años después de San Marcos de Donatello y varios después de los primeros proyectos de Brunelleschi para San Lorenzo, sus comienzos son lo mas extraordinario de ella. Este nuevo estilo fue lanzado sin colaboración de ningún género, por un joven genio llamado Masaccio, que solo contaba entonces con veintiún años de edad.

Italia central y septentrional.
A medida que los padres fundadores del renacimiento temprano y sus herederos inmediatos iban desapareciendo uno por uno a lo largo de la mitad del siglo, una generación joven comenzó a imponerse. Al mismo tiempo la semilla sembrada por algunos maestros florentinos en otras regiones deItalia, Toscana dejó de ocupar el privilegiado lugar que había tocado hasta entonces.

Las iglesias de planta central.
Con todo, San Andrea, que ocupa el emplazamiento de una iglesia anterior, con la consiguiente limitación de la libertad del artista, no responde a la forma ideal de los edificios religiosos definidos en el tratado de arquitectura de Alberti.

La escultura.
Donatello dejó Florencia para trasladarse a Padua en 1443; esta ausencia de 10 años tuvo un efecto similar al de la muerte de Brunelleschi. Pero mientras Alberti pasó a ocupar el puesto de este último en la arquitectura, no hubo ningún escultor joven que pudiera resaltar a Donatello.

Pintura.
Antes de reanudar el estudio de la pintura florentina, conviene considerar la evolución del arte temprano Renacimiento en Italia septentrional. Allí, el estilo internacional, tanto el pictórico como el escultórico, prosiguió hasta a mediados del siglo, y la arquitectura conservó un evidente sabor gótico hasta mucho después de la adopción de un vocabulario clasico. Centraremos la atención en la pintura de Venecia y los territorios bajo su dependencia, por que durante aquellos mismos años nació una gran tradición que habría de florecer en el transcurso de los tres siglos siguientes.

La Republica de Venecia aunque mas oligarquica y única en su orientación hacia el Este, mantenía muchos lazos con Florencia; no es de extrañar por tanto que se convirtiera en el centro del arte renacentista temprano en el norte de Italia.

En el renacimiento enItalia, la actividad creativa de los artistas no hubiera sido posible sin la intervención de los mecenas. Siempre había existido un patronazgo o apoyo económico para que los trabajos artísticos fueran posibles.

Es importante resaltar que ahora el artista es considerado un artista universal que debía abarcarlo todo; quien resumió mejor este concepto fue quiza Leonardo Da Vinci, porque exploró el mundo tanto a través del arte como de la ciencia; fue pintor, escultor, arquitecto y grabador, pero también realizó profundos estudios de botanica, mecanica, anatomía, astronomía y otros campos de la ciencia. El individuo genial cobró una enorme importancia y así nació una especie de culto a la personalidad y a la fama.

Las características mas representativas de la arquitectura renacentista son:
Empleo de arcos de medio punto, de bóveda de cañón y de arista y de cúpulas hemisféricas.

Utilización de columnas con capiteles dórico, jónico o corintio.
Uso de entablamentos clasicos y de cornisas.
Frontones triangulares o curvos en exteriores.
Medallones, guirnaldas y grotescos como motivos decorativos.
Iglesias de planta de cruz latina, rectangular al exterior.
Iglesias de planta central con cúpula en el Cinquecento.
En las iglesias:
Iglesias con crucero con ensanchamiento de nave central a costa de las laterales.
Cúpula sobre el crucero.
Contrafuertes que no se marcan en el exterior.
Capillas entre contrafuertes, comunicadas entre sí.
Tribunas sobre las capillas.
Portada con frontón en el cuerpoalto.
Pilastras adosadas a columnas.
En los palacios:
Aparejo rústico o almohadillo en exteriores.
Grandes cornisas que separan los distintos niveles.
Paramentos lisos y ventanas enmarcadas por arcos y columnas, en el Cinquecento.

En la obra de la “Basílica de San Pedro” participaron bajo las órdenes de distintos pontificados los mas importantes arquitectos del Cinquecento, como Bramante, Rafael, Antonio de Sangallo, Miguel Angel, Carlos Maderno y Giovanni Lorenzo Bernini. El proyecto original de Bramante proponía una iglesia de planta de cruz griega con cúpula central, pero la construcción definitiva es de planta de cruz latina con cúpula apuntada.

La escultura sigue el mismo camino que la arquitectura; imita los temas y modelos romanos, vuelve al marmol y al bronce, y utiliza el desnudo o bien viste las figuras con toga romana o ciñe las sienes con una corona de laurel. Mientras que en el romanico y en el gótico la escultura tenía caracter evocativo, alternando las figuras humanas con los motivos decorativos, en el renacimiento la figura humana adquiere valor por si misma.

Es Donatello quien descubre la relación existente entre la expresión escultora y la naturaleza. Se comienza a observar la realidad con el método de los antiguos, y el artista se va acercando cada vez mas a la figura humana para descifrar su mas profundo significado. Otros escultores no menos importantes que Donatello son Andrés Verrochio, Luca Della Robbía y por supuesto Miguel Angel.

La pintura del renacimientoconstituye la manifestación artística mas multiforme de la época. Durante esta etapa se vuelven a pintar todas las series de imagenes religiosas con los nuevos medios de representación de la tradición inicial por Giotto, pero a la vez se desarrollan otros temas como lo mitológico y lo histórico.
Las ideas humanistas prepararon el camino a un nuevo género pictórico: el retrato, sin olvidar la importancia de la naturaleza.

El renacimiento comenzó en España cuando, practicamente, finalizaba en Italia. Este estilo se desarrolló con manifestaciones propias durante el reinado de Carlos V, a partir de la llegada de las influencias italianas importadas por artistas franceses y flamencos que trabajaron para la nobleza española. En la arquitectura se distinguen principalmente dos estilos: el plateresco y el herreriano que corresponden, respectivamente, al Cinquecento y al estilo manierista.

El término de plateresco deriva del delicado trabajo de los orfebres y los plateros, semejante al trabajo escultórico realizado en las fachadas de iglesias, capillas, palacios y universidades de España en el siglo XVI.

La pintura española del renacimiento, aunque plenamente influida por la Italiana, manifiesta temas y puntos de vista plenamente propios, tales como el predominio casi absoluto de temas religiosos y la carencia casi total de temas mitológicos y de desnudo, así como el empleo de fondos arquitectónicos de gran perspectiva.

La figura mas importante de España en esta época es el castellano Pedro Berruguete, deformación flamenca, que trabaja en Urbino, lo que permite adoptar el nuevo lenguaje en la configuración de escenarios arquitectónicos y en el tratamiento de la luz, rasgos presentes en sus obras como los retablos de Santo Tomas de Avila y la de catedral de Avila.

En el norte de Europa el lenguaje pictórico del renacimiento italiano despertó el interés de otros países, quienes los estudiaron viajando a Italia o a través de estampas y gravados.

Pero existen ciertos elementos de la nueva cultura, como la representación del paisaje, el uso de cierta perspectiva, el retrato y la visión realista de los objetos, que en el norte de Europa ya tenían cabida dentro del tratamiento realizado por los artistas.

En la segunda mitad del siglo XV y principios del siglo XVI la pintura francesa renacentista se inicia con varios artistas como Juan Fouquet, Juan Bourdichon y Juan Parreal.

Italia dejó sentir su influencia debido a las guerras que la galia sostenía en sus tierras así como los maestros italianos que como Leonardo trabajaban para el trono francés. Pero no solo recibe este país a los italianos sino que persiste la contracorriente flamenca, de aquí que la pintura francesa renacentista tenga estos dos factores: el italiano y el flamenco.

El Renacimiento Aleman se caracteriza por la profusión que tomó el grabado, lo que influye en la pintura y en el caracter lineal que tendra esta, de aquí que la pintura germana de una mayor importancia al dibujo que al color.

De todos los maestros alemanes sobre saleAlberto Durero, fue hijo de un orfebre establecido en Nuremberg; aprendió la técnica del grabado en madera y en cobre así como los principios de acuarela y del óleo; viajo a Italia aun que antes había realizado un cuadro titulado “el joven con la flor de ricino”.
En Venecia tuvo contacto con Bellini y esto lo aparecíamos en su pintura de la virgen con el niño.

En la última etapa de su vida pinto el encuentro de los santos Erasmo y Mauricio, donde se advierten las polémicas protestantes de principios del siglo XVI.

En los países bajos.
Durante el siglo XV la ciudad de brujas había sido el emporio mas importante del arte, pero este centro pasa en la siguiente centuria ala cuidad de Amberes donde trabajo Quentin Metzys o Matsys.

Leonardo es el pintor que mas se advierte en su arte especialmente en la psicología, y en el esfumado, estas preferencias las analizamos en los cuadros titulados Retrato de Anciano y Amor desigual. Su obra maestra fue el retablo de la leyenda de santa ana.

En la primera mitad de este siglo debemos mencionar al artista Joaquín Patinir que estuvo influido por el anterior y por el Bosco.

España.
En la primera mitad del siglo XVI España tendra varias escuelas pictóricas como la de Castilla, Andalucía y el Levante.
Pedro Berruguete nació en Paredes de Navas, a mediados del siglo XV y murió en 1504.

En el levante español la influencia italiana es mas fuerte. La familia Osona estara integrada por el padre y el hijo que se distinguieron como pintores de altas calidades.En el segundo tercio del siglo se distinguió Juan de Juanes, su nombre era Juan Macip, nació en 1523 y murió en 1579, comenzó estudiando con su progenitor al que logró superar en el arte pictórico que desarrolló en Valencia, tuvo tendencias medievales en especial por los temas, aunque la monumentalidad de las figuras, el concepto de espacio y la armonía del color son eminentemente renacentistas.

El arte italiano solo lo conocía a través de gravados, en especial a Rafael y se hizo un partidario del manierismo, que de forma incesante expresó en sus obras de caracter religioso, como la cena del museo del prado, que a diferencia de Leonardo quiere captar la institución de la eucaristía, mientras que el maestro Da Vinci presentaba la traición. También es digno de mención la Sagrada Familia de La Academia de San Fernando de Madrid.

Alonso Sanchez Coello estuvo en Portugal durante su estancia, ya que sus padres estuvieron al servicio del rey Juan III, posteriormente pasó a Flandes, donde conoció a Antonio Moro. Radicando en España pintara para Felipe II en Valladolid, en Toledo y en Madrid.

AUTOR.

Utilizamos la palabra ‘renacimiento’ para referirnos a un movimiento cultural e histórico, y sobre todo artístico, caracterizado por el intento de recuperar la esencia de las civilizaciones clasicas griega y romana.

El Renacimiento es el movimiento cultural y artístico iniciado en Italia en el siglo XV que dirige sus ojos al clasicismo romano y al hombre como centro de las cosas.

Los estudioshumanísticos y las obras artísticas del renacimiento fueron posibles gracias a que determinadas personas con riqueza, que compartían el gusto de intelectuales y artistas, promovieron su actividad y les apoyaron económicamente; fueron los llamados mecenas.

El Renacimiento se siente mas humanista y se expresa en la arquitectura de los castillos, particularmente de las orillas del Loira, la poesía, el mobiliario, los cuadros y los frescos.

El Humanismo. Durante el anterior periodo de la historia de Europa, la edad media, la vida había girado en torno a Dios y la Iglesia. El renacimiento, al centrar todo su interés en el hombre, supuso la gran ruptura cultural con la tradición medieval.

El hombre del renacimiento quería estudiar la literatura, la historia y la filosofía de las antiguas Grecia y Roma.

La arquitectura vuelve a los inicios, teniendo su respuesta en las construcciones abovedadas, en frontones, esculturas, angeles, acantos, medallones, arcos del triunfo y planta griega.

Los arquitectos, pintores y escultores encuentran un nuevo significado a sus obras perdiendo en algunos la ornamentación excesiva del gótico y dejando las paredes limpias, indicando la pureza divina. Algunas obras del monje Paccioli. Miguel Angel, Brunelleschi, Leonardo Da Vinci, Rafael de Sanzio, Palladio, Ammannati, Sanmicheli, Bramante; todos célebres íconos de la arquitectura renacentista, completaron sus obras haciendo uso de los números, de las proporciones, de la integridad e individualidad del hombre.
Y algunos comoMiguel Angel recurren al gigantismo (la cúpula de San Pedro) los cambios políticos marcaron fuertemente la continuidad arquitectónica, dando nuevos inicios.

Se trata de romper el concepto espacial para que la vista sea dirigida hacia varios puntos y no solo a lo largo, sino también a lo ancho, se regresa al almohadillado.

El Juicio Final o la Creación de Miguel Angel, hubiesen causado una terrible impresión durante el siglo XIII, pero cuando estas maravillosas pinturas fueron contempladas por un Papa renacentista no sólo fueron toleradas a pesar de sus desnudos, sino alabadas y admiradas. Numerosas anécdotas recuerdan la reverencia con que eran tratados los artistas.

La influencia fuera de Italia.
El estilo llega a Europa es gracias a los artistas italianos, sobre todo España. En el siglo XVI la Iglesia tomo como modelo la estética renacentista, lo que ayudó a su difusión.
El Renacimiento fue un constante torneo y competencia de fuerzas, belleza, ingenio y audacia ya que era muy raro que los mismos artistas se ayudaran con alguna obra en especial.

Algunos pintores españoles viajaron a Italia, mientras que artistas italianos fueron a la Península Ibérica, y este intercambio unido a la influencia de los maestros Flamencos, permitió la divulgación de las nuevas tendencias estéticas.

Países Bajos

El impacto del Renacimiento en países como: España, Portugal, Alemania, Países Bajos y Francia, fue bastante duro, ya que los artistas de esos países emigraron a Italia y luego regresaron a sus paísesa imponer el Renacimiento italiano.

Lo que se quería demostrar con este trabajo, es la importancia que tuvieron los siglos XIV, XV, XVI y XVII, para que en la actualidad no seamos unos ignorantes sin ningún tipo de cultura.

La influencia italiana también alcanzo a estas tierras, reflejandose en los diversos trabajos de los grandes maestros Flamencos.

Avanzando el siglo XVI, como la escuela de brujas había perdido la importancia que tenia, la de Amberes la sustituyó en el lugar que ella ocupaba.

Francia

La pintura Francesa de esta época se caracteriza por la acción de corrientes distintas: La italiana y la flamenca. Aunque en Francia residieron temporalmente Leonardo da Vinci y Andrea del Sarto, en realidad la influencia italiana se produjo en este país a raíz de la llegada de los manieristas que difundieron el estilo de Parmesano y de Rafael.

Arte Barroco y Rococó.

Durante el siglo XVI la iglesia católica se vio removida en lo mas profundo de su seno lo cual vino a reformar su vida política, religiosa, científica y social.
España se había convertido durante el siglo XVI en el portaestandarte del absolutismo real, la idea imperial de Fernando el católico se consolidó con Carlos I, de España y V de Alemania el cual, ademas de la herencia paterna y materna debido a la guerra heredada de sus abuelos quería dominar a toda Italia para lo cual el año de 1527 había llevado el saqueo de Roma en el cual, aunque no intervino directamente, sus ejércitos habían convertido a la urbe casi un campoen cenizas. Ante esta lección el pontífice tuvo que someterse al emperador y de igual forma a los demas estados italianos.

Cuando Carlos V fue coronado por Clemente VII en Bolonia se comenzó a germinar la idea de reestructurar al catolicismo, esta idea daría sus frutos en el célebre concilio de Trento, donde los geólogos jesuitas y dominicos desplazaron a la filosofía neoplatónica para sustituirla por un nuevo escolasticismo, y aquella libertad que había surgido al principiar el siglo fue cambiada por la mas estricta ortodoxia dogmatica.

El arte tuvo por tanto que tomar nuevas directrices y así la libertad renacentista con toda su elegancia y el refinamiento dramatico, el manierismo que iniciaron Miguel Angel y Rafael no podía satisfacer la inquietud de la reforma, por lo que había que crear una nueva idea plastica que fuera de acuerdo con el nuevo sentir humano.

El triunfo del barroco tendría una duración de cincuenta años, de 1620 a 1670 y se extendería por los países católicos europeos así como por el nuevo mundo.
Las artes quisieron representar por medio de ilusiones arquitectónicas, escultóricas y pictóricas, los cinco sentidos y a la vez la gloria celestial a la cual el hombre llegaría, si practicaba las virtudes evangélicas. Esto hara que la arquitectura barroca tenga una complicada geometría basada en el movimiento, como para hacer que los sentidos cobren una mayor realidad y lo estético de la línea recta fue sustituido por la espiral movible.
La palabra barroco en su origen tuvo unsentido de desprecio y negación, pero actualmente ha tomado otro concepto y comúnmente se cree que deriva de la palabra portuguesa barrueco que significa perla deforme. En Francia barroque vino a significar algo raro o extravagante o de formas excéntricas; también se ha creído que el barroco fue en lo que cayó el manierismo, aunque hoy en día se distinguen perfectamente ambas tendencias e incluso las ideas de libertad que privaron en los manieristas, no van de acuerdo con el arte barroco.

Si el barroco es analizado en su aspecto decorativo, en el desprecio que tuvo hacia las reglas, en la búsqueda de la originalidad, en el predominio de la recta sobre la curva, en la fantasía para representar la realidad, nos damos cuenta de que todos los artes de la historia, han tenido un periodo barroco.

Este arte ocupa ese gran período que va del renacimiento al neoclasicismo o sea de 1600 a 1750 y que se inició desde finales de la centuria del XVI con el gran artista Lorenzo Bernini; su última fase también abarcó treinta años de 1720 a 1750 y se le conoce con el nombre de rococó o rocallo y que tuvo su principal desarrollo en Francia y países germanicos, mientras que en España y países de habla castellana tomara el nombre de Churrigueresco debido al arquitecto madrileño Don José de Churriguera; en el renacimiento se había cultivado la armonía clasica, en el barroco se prefirió la exageración monumental conseguida por movimientos de masas y contrastes de luz y sombra y efectos dramaticos; como indicabamosanteriormente, este arte se inicia desde Miguel Angel en su juicio final de la capilla Sixtina, pero dentro del espíritu renacentista, que luego sera sustituido por un nuevo contenido religioso que hiciera declinar el sentir austero de la iglesia protestante.

Las columnas y las dovelas estaran llenas de dibujos caprichosos y combinaciones fastuosas y deslumbrantes; el edificio estara proyectando por el espacio que le rodea y se construye en fusión de la plaza o de la calle; las plantas seran al principio, de cruz latina, pero luego infieren otras como las elípticas, las circulares o las mixtilíneas, en todo se buscara lo escenografico y en arquitectura civil el jardín, la fuente y la cascada adquieren capital importancia; entre los elementos mas comunes debemos resumir añadiendo a lo anteriormente dicho, los siguientes:
La columna salomónica cuyo fuste describe múltiples espirales, y que debía de describir en toda su altura seis vueltas en espiral. En los capiteles de la columna salomónica hay gran variedad, pero domina el de voluta jónica, o el compuesto romano.
Otro elemento de la arquitectura barroca son las orejeras o marcos pétreos en cuyo interior se encuentra algún relieve escultórico que viene a adornar las fachadas.
Los frontones seran partidos y algunos se forman de volutas.
Las ménsulas o cartelas que son un motivo de la arquitectura de ornato, destinados a soportar molduras mas salientes y cornisas o balcones; por lo común cada extremidad termina una voluta que se vuelve en sentido inverso.
Laarquitectura barroca en Italia. Juan Lorenzo Bernini. Este gran arquitecto napolitano fue también escultor y decorador. Terminó las obras del palacio Barberini en cuya fachada de tres pisos se superponen los ornamentos arquitectónicos, las logias y las arquerías.

Bernini fue ante todo un arquitecto religioso; en sus primeras construcciones es clasico y sobrio, así la planta central de Santo Tomas de Castelgandolfo; en cambio, en San Andrés de Quirinal proyecta a manera de dos brazos curvilíneos que con un gesto de acogida invita a la contemplación del frontispicio.

Roma.
Hacia 1600, Roma pasó a ser el centro principal del barroco, del mismo modo que lo fuera del alto renacimiento un siglo antes, al traer artistas de otras regiones y encomendarles nuevas y difíciles tareas. El papado protegió mucho el arte, deseoso de convertir a Roma en la ciudad mas bella del mundo cristiano, para mayor gloria de Dios y de la iglesia. Esta campaña se había iniciado ya en 1585; los artistas disponibles a la sazón eran manieristas del último período, de escaso talento pero no tardaron en acudir ambiciosos maestros mas jóvenes procedentes sobre todo, del norte de Italia. Estos hombres capaces crearon el nuevo estilo.

La pintura.
A la cabeza de todos hubo un pintor genial, conocido con el nombre de Caravaggio, que era del lugar de su nacimiento, en las ceremonias de Milan, entre cuyos numerosos lienzos monumentales destinados a una capilla en la iglesia de S.Luigi Dei Francesi y realizados entre 1599 y 1602, destaca lavocación de San Mateo.

Este cuadro extraordinario se aparta tanto del manierismo como del alto renacimiento; su único antecedente es el “Realismo Norditaliano” de artistas como Savoldo. Pero el realismo de Caravaggio es tal que requiere un nuevo vocablo: el de naturalismo, para distinguirlo del anterior.

Sus pinturas contienen un cristianismo laico, ajeno al dogma teológico, que atraía a los protestantes no menos que a los católicos. Esta cualidad hizo posible la profunda, aunque indirecta influencia que ejerció sobre Rembrandt, el mas grande artista religioso del norte protestante.

En Italia, Carvaggio fue menos afortunado. Su obra, aclamada por artistas y especialistas, dejó un tanto indiferente al hombre de la calle, al que iba destinada y que la consideró propia apropiada y falta de reverencia. A las gentes sencillas no les agradaba encontrar a sus semejantes representados en sus lienzos; preferían una imaginería religiosa de tipo mas idealizado y retórico.
La precisión escultórica de la galería Farnese no hace justicia al importante elemento veneciano del estilo de Annibale Carracci. Esto se hecha de ver, sobre todo en sus obras paisajísticas. Su ambiente pastoril y la luz y atmósfera suaves nos vuelven a Tiziano y Giorgione.
Los personajes, sin embargo, desempeñan aquí un papel mucho menos destacado; de hecho son tan pequeños e incidentales como los de cualquier paisaje nórdico.

Arquitectura y escultura.
San Pedro. En arquitectura no es posible definir los comienzos del estilo barrocode forma tan precisa como en la pintura. En el amplio programa de edificaciones eclesiasticas que se puso en marcha en Roma a fines del siglo XVI, el mas sobresaliente entre los jóvenes arquitectos fue Carlo Maderno; en 1603 se le confió la tarea de completar definitivamente la iglesia de San Pedro. El papa había resuelto añadir una nave a la construcción de Miguel Angel, convirtiéndola en basílica. El cambio del plan, hizo posible unir San Pedro con el palacio del Vaticano.
El proyecto de fachada de moderno sigue el diseño trazado por Miguel Angel para el exterior del templo, un orden colosal que sostiene un atico, pero con impresionante énfasis en los portales. Hay lo que puede describirse solo como un efecto de crescendo desde los angulos hacia el centro: la distancia entre sus soportes se reduce, las pilastras se transforman en columnas, y el muro de la fachada avanza paso a paso. Maderno lo convirtió en el principio dominante de sus fachadas, no solo la de San Pedro, sino también en iglesias mas pequeñas; al hacerlo, sustituyó el concepto tradicional de la fachada de templo como superficie de pared interrumpida.

Bernini.
Las enormes proporciones de San Pedro hicieron del decorado de su interior una tarea de dificultades: ¿Cómo acomodar su escalofriante grandiosidad a la escala humana e infundirle cierto grado de emotividad? Sin embargo, el problema se resolvió, debióse en buena parte al talento de Gianlorenzo Bernini, el mas grande de los escultores-arquitectos del siglo. Con varias interrupciones,San Pedro le ocupó la mayor parte de su larga prolífera carrera; empezó proyectando el enorme baldaquino de bronce para el altar mayor debajo de la cúpula de San Pedro.

El rococó es el estilo artístico europeo que se manifestó en la segunda mitad del siglo XVIII. Apareció en Francia como una renovación de barroco y comprende históricamente el período entre la muerte de Luis XIV y la ejecución de Luis XVI. El término rococó fue acuñado por el grabador Cochin, quien lo usó de modo peyorativo para hacer burla de las formas propias del estilo Luis XV. Se distingue por el uso de la curva y de la contracurva asimétrica, por el empleo de una ornamentación naturalista, basada en elementos de la rocalla, a la que se sumaron motivos rústicos, chinescos, etc., por la suavidad de los colores y, sobre todo por la ligereza ambiental. Se aplicó a la arquitectura y la pintura, pero su mas auténtico dominio fueron las artes del mueble, de la porcelana, de la tapicería.
Fue un arte de la aristocracia y de la burguesía, y por su sensualidad y esteticismo, esta en entre el estilo ceremonial del barroco y el lirismo del romantico. Tienen un culto sensual por la belleza y su lenguaje es cuidado y elegante. Tiene gran libertad decorativa, no intentando impresionar, sino agradar, y no pretendió cambiar las estructuras esenciales del barroco, sino su estilo ornamental. El rococó fue el último estilo universal de occidente, ya que se difundió a los países de Europa dentro de su sistema uniforme.
En Francia, cabe hacerdestacar algunos palacios de esta época, como el “Soubise”, en parís construido por Delamair y decorado por German Boffrand, que en su famoso salón oval logró uno de los modelos mejor acabados del rococó francés. Del mismo autor es el “Palacio Luneville”, que esta inspirado en Versalles Jaques Gabriel fue el mas importante representante de este estilo, siendo evidente por los trabajos que realizó en el palacio de Versalles, como el gabinete del péndulo y otras camaras regias.

Pintura
En la pintura rococó francesa se reflejó, mejor que en las otras artes, la situación política y social del país; debido al estado crítico de la hacienda estatal, el patrocinio real hacia las artes se fue haciendo mas limitado, lo que dio lugar a que se fueran abriendo salones de artes en París, y en lugar de cuadros históricos o religiosos, fueron notables las escenas burguesas y galantes, durante este período del arte. De todos los pintores el mas importante fue Antonio Watteau; no solo en Francia, sino en Europa entera, su obra se caracterizó por el rico colorido, vitalidad sensual y un tratamiento fino y sugestivo logrado en sus cuadros. Entres sus obras estan “Los Campos Elíseos”, “Las fiestas del amor” y “Gilles”. Otros pintores franceses son Francisco Boucher, Juan Honorato Fragonal y Mauricio Quintín de la Tour.
A pesar de su origen francés el rococó halló su expresión mas aguda en Italia y en las provincias germanicas, donde el barroco había encontrado amplia manifestación.

Arquitectura
En arquitectura su mayorrepresentante es Juvara, autor de la “basílica de superga”, cerca de Turín, del “castillo de Stupinigi” y, ya en España de la fachada sobre los jardines del palacio de la graja, obras cuyo caracter queda matizado por el gusto neoclasico.

En pintura, el rococó encontró su mayor plenitud en la ciudad de Venecia, Particularmente en las composiciones de Piazzetta, en la pincelada detallada de los guardi y el arrebato lírico de Tiepolo. El paisaje construye una modalidad propia de la pintura rococó como particularmente en la obra de Canaletto, otros pintores del rococó son también Marcos Ricci y Francesco Zucarelli.

En los países germanicos, iglesias y palacios dieron a este estilo su maximo grado de exuberancia y de recargamiento: la residencia y el teatro de la corte Munich, ademas autor del “Pabellón de caza de Amalienburg” situado en el parque del castillo de Nymphenburg; las iglesias de “Steinhause”, en Suabia y de “Neubirnau”, a orillas del lago de Constanza, obras de Dominil Zimmermann; el monasterio Benedicto de Ottobeuren en Babiera, comenzada por Neumann en 1719, son ejemplos del extraordinario esplendor del rococó germanico que se extinguió tan tardía como bruscamente. Los pintores mostraron su lirismo en techos y en cúpulas, donde todos los recursos de la ilusión óptica contribuyeron a crear extraordinarios efectos visibles.

A finales del siglo XVIII se produjo un cierto cansancio de las fórmulas del barroco y rococó. Este cambio de gusto coincidió con las excavaciones realizadas en lasantiguas ciudades romanas de Pompeya y Herculano, y con las expediciones arqueológicas que estudiaron los monumentos de la iglesia clasica. En Europa aparece fruto de estas circunstancias, un movimiento artístico que pretendía buscar la inspiración en las fuentes del arte greco romano, al que se le denominó neoclasico.

AUTOR.
El Barroco fue la manifestación plastica de los poderes establecidos: el Papado, la monarquía absoluta y la burguesía mercantil, Cada uno de ellos se sirvió de la arquitectura, la pintura y la escultura para expresar sus ideas y destacar su papel en la sociedad.
La monarquía absoluta utilizó el lujo y las posibilidades decorativas del Barroco como arte de propaganda.
El Papado reaccionó contra la división que provocó la Reforma iniciada por Lutero generando el movimiento que se conoció como Contrarreforma.
Las disposiciones del Concilio de Trento y la creación de la Compañía de Jesús permitieron reforzar el dogma y exaltar la autoridad de la Iglesia. La arquitectura, la escultura y la pintura fueron utilizadas para destacar el prestigio de la autoridad papal e ilustrar las verdades de la fe. Por eso, al Barroco se lo ha llamado también el arte de la Contrarreforma.
El estilo barroco se caracterizó por la monumentalidad de sus creaciones y por producir efectos teatrales y dramaticos mediante el uso de formas curvas y como con forma de espiral y de colores fuertemente contrastados.
Las representaciones de personas o de gente del pueblo aparecen con sus vestimentas normales, pero enlos retratos de clase social alta, son mas adornados las vestimentas, pelucas, encajes, zapatos estilizados, sombreros, etc.; sin embargo, lo que mas caracteriza a la pintura barroca es el manejo de las luces y sombras, la intensidad dramatica y el empleo del color.
La expresión de movimiento y dinamismo también triunfa en la escultura. Las imagenes muestran pasiones violentas y exaltadas y actitudes teatrales.
El naturalismo, la expresividad de las figuras representadas y el intenso claroscuro son las características mas importantes de la pintura del período.
Los pintores barrocos se inspiraron en la naturaleza, no idealizandola, si no representandola con realismo y con toda su fuerza (reflejada en la luz y el color); la perspectiva adquiere suma importancia ademas, los planos son sustituidos por una visión profunda y sobre todo mas normal y natural.

Rococó.
El estilo Rococó nace en Francia a principios del siglo XVIII y se desarrolla durante los reinados de Luis XV y Luis XVI.
Ha sido considerado como la culminación del Barroco, sin embargo, es un estilo independiente que surge como reacción al barroco clasico impuesto por la corte de Luis XIV.
El rococó a diferencia del barroco, se caracteriza por la opulencia, la elegancia y por el empleo de colores vivos, que contrastan con el pesimismo y la oscuridad del barroco.
Es un estilo aristocratico, revela el gusto por lo elegante, lo refinado, lo íntimo y lo delicado. Armoniza con la vida despreocupada y agradable que la sociedad ansía y sedesentiende de cuestiones religiosas.
Es un arte mundano, sin conexión con la religión, que trata temas de la vida diaria, no simboliza nada social ni espiritual, sólo superficialidad. Por todo esto se considera al Rococó un arte frívolo, exclusivo de la aristocracia.
En pintura, las composiciones son sensuales, alegres y frescas, predominan los colores pasteles, suaves y claros. La mujer se convierte en el foco de inspiración, ya que es la figura bella y sensual.
Se trata de un arte mundano que trata temas de la vida diaria y de las relaciones humanas; es un estilo que busca reflejar lo que es agradable, refinado, exótico y sensual, integrando todas las artes: la arquitectura, la jardinería, la pintura, la escultura, el mobiliario, la ceramica, la tapicería y la orfebrería. Las indicaciones simbólicas sobre la lujuria y el amor, todo esto se da en la pintura de este gran arte.
Respecto a la escultura, el estilo provoca en España la aparición de ciertos rasgos que se incorporan al vocabulario basico del Barroco, pero que no llegan a modificarlo.
Entre ellos, una mayor dulzura e intimismo en la interpretación de los temas y un mayor aprecio por lo pintoresco y por los detalles mas triviales.
La arquitectura conservaba su rigidez de origen clasico, los elementos decorativos del rococó aportaron fantasía y elegancia a las construcciones, pero fue sobretodo en los interiores donde la decoración rococó consiguió los mayores logros.

Arte Neoclasico.

A fines del siglo XVIII y comienzos del siglo XIX seregistraron cambios sociales e intelectuales que modificaron radicalmente el arte. En algunos países europeos nació el interés por la arqueología, que dio un nuevo impulso al arte del mundo antiguo clasico es decir de Grecia y Roma. En la política, la revolución francesa retoma la idea de la virtud que volvió a ser deseable, pues las ideas republicanas de la roma clasica fueron un símbolo revolucionario.
El movimiento artístico surgido de los anteriores hechos fue el neoclasico, el cual tuvo gran desarrollo en el norte de Europa y no tardó en llegar a América. Fue adoptado por los gobiernos enmarcados por la revolución francesa, que pretendían enaltecer el espíritu de la libertad y formar un nuevo orden político con base en los canones de la ilustración.

Aunque el neoclasico nació en Italia, fue Francia la que dio gran impulso durante la época revolucionaria. Los arquitectos suprimen los elementos excesivos del barroco, volviendo a la simplicidad constructiva del arte antiguo; en las aberturas, se concede mas importancia los dinteles que a los arcos, reduciéndose la ornamentación de las fachadas. En teórica proporción se busca una simplicidad de volumen una simetría, una ornamentación sobria y las fachadas volveran a coronarse con balaustradas.

Neoclasico en Francia.
Todas las construcciones napoleónicas se adecuan al estilo del imperio romano; uno de los edificios mas característicos de esa época “es la iglesia de Magdalena”, según Napoleón sería el templo de la gloria. En París, es levantado “El Arcode la Estrella”, obra maestra de la arquitectura neoclasica por su semejanza con las formas antiguas, su majestuoso concepto urbanístico y por su inmensa construcción sólida. Cabe mencionar que la construcción de la columna erigida en el centro de la plaza Vendóme, en Paris, junto con la estatua imperial, fue hecha en honor de Napoleón y casi fue una copia de la columna trajana.
Respecto a la escultura francesa, los artistas se inspiraron mas en los modelos griegos que en los romanos les interesaba mas la belleza de las formas que lo expresivo de las mismas.
Las estatuas de canova son bellas, como se aprecia en el retrato de Paulina Bonaparte, hermana de Napoleón, a quien representó semidesnuda, recostada en un lecho antiguo, personificando a Venus. El escultor F.J.Bosio hizo un busto de la emperatriz Josefina.
En Francia surge un gran pintor neoclasico, Louis David, revolucionario, amigo después de Napoleón. En 1794, expuso su obra juramento de los Horacios, cuadro en el que exalta el tema del patriotismo.

A partir de 1789 la escultura neoclasica triunfó plenamente en el país galo y con Napoleón llegó a su maximo esplendor, en especial después de que Canova estuvo en París. Al italiano le siguió muy de cerca el escultor francés Chandet, como podemos apreciar en la escultura el amor, del Louvre.
Jean Jacques Pradier. Estudió con Lemot y aunque su arte fue neoclasico encarnó en su persona al caballero romantico; una mujer bellísima de parís llamada Julieta Drovet fue su modelo para la Venus del museode Orleans, que es la escultura base del desnudo neoclasico femenino francés. Estuvo obsesionado por al escultura femenina griega y así en el Louvre esta la figura de Psique y en el museo de Grenoble la de Friné, también en el sepulcro de Napoleón en los invalidos realizó las doce victorias, y en el arco del triunfo de parís las cuatro famas.

Neoclasico en Inglaterra.
El restablecimiento de la simplicidad basica la inició Sir Williams Chambers, arquitecto del magno edificio llamado Summerset House, en el muelle de Tamesis. Otros arquitectos que popularizaron el estilo neoclasico, fueron los hermanos Robert y James Adam, quienes manejaron el aspecto decorativo los lazos, medallones y guirnaldas. Todos estos elementos afinados del estilo Adams pretendían parecerse mas al estilo griego.
La escultura inicia con el artista del neoclasico inglés Thomas Banks, al esculpir sus dos mas célebres obras: Caractus ante Claudio especialmente la tumba de Sir Eyre Coote.
Durante el siglo XIX, la pintura en Inglaterra estuvo influenciada por dos tipos de temas, los paisajistas y los llamados prerrafaelistas. Entre las obras mas sobresalientes de Jhon Constable, mencionaremos el arco iris, campo de trigo y quinta en un valle, ricas en contrastes cromaticos, misticismo y serenidad. Así, este artista se le puede considerar como el paisajista inglés del siglo XIX.

Neoclasico en España.
Con el primer Borbón durante el siglo XVIII es fundada en España la real academia de las bellas artes de San Fernando. Enarquitectura se puede citar a Ventura Rodríguez Tizón, quien inició su obra en el palacio de Aranjuez; años después colaboró con Juvara y Sabatini. Este arquitecto se inclinó por el neoclasicismo. El mas importante durante el reinado de Carlos III fue Francisco Savatini, con sus obras neoclasicas la gran escalera, la puerta de Alcala, de Madrid que consta de cinco ojos, los tres centrales son de arcos. También edificó la casa de la aduana, hoy ministerio de hacienda.

La escultura neoclasica en España utilizó al principio la madera. Para Juan Pascual de Mena sus obras mas famosas en Madrid son “La Fuente de Neptuno y el Busto del Rey Carlos III”. Dentro de la técnica tradicional se menciona “El Cristo de la Buena Muerte”.
En España el pintor Antonio Rafael impuso sus teorías estilísticas al ser nombrado por Carlos III como el pintor de la corte.
Mariano Salvador Maella fue el pintor oficial de los diferentes palacios reales de Madrid y sus alrededores.
No podemos olvidar al pintor neoclasico español Francisco de Goya y Lucientes, nacido en Fuendetodos, Zaragoza.

Goya también participó como pintor de las obras de los cartones para tapices; este gran artista tardó un tiempo en imponer su personalidad, pero al lograrlo inició una carrera ascendente que no se detiene, pues tuvo contratos personales, ademas fue nombrado teniente de pintura de la academia de San Fernando.
En 1819 Goya adquiere una casa de campo campestre llamada la Quinta del Sordo, decorada con las pinturas negras, mediante una difusión de escenasde visiones fantasticas, predominando los temas de brujería.

Desde que en 1752 se fundó la real academia de las bellas artes, de San Fernando, se fue imponiendo en España la escultura neoclasica; el estilo sera francés, pero el material continuara siendo al principio la madera, como lo hace Luis Salvador Carmona que sera uno de los fundadores de la célebre institución.
Juan Pascual de Mena fue director de la academia y estuvo influido por los escultores franceses que trabajaron en el real sitio de la granja de San Ildefonso.
Francisco Gutiérrez estudió con Carmona e intervino en los monumentos funerarios de Fernando VI y Barbara de Braganza de las Salesas reales de Madrid. En la confluencia de las calles de Alcala y paseo de la castellana se encuentra su obra mas célebre la estatua de las Cibeles, en las bellísima fuente dedicada a la diosa.
Manuel Alvarez fue director de la academia, estudió con Felipe de Castro y el rey lo nombró escultor de camara. Se distinguió por su elegancia, siendo su obra mas notable las cuatro estaciones de la fuente de Apolo.

En los últimos años del siglo XVIII se inspirara la pintura en los temas de la antigüedad pagana, que los artistas obtuvieron en gran parte del naturalismo, y la naturaleza sera idealizada, siendo ésta la mas esencial fuente de inspiración; es una pintura que esta tomada del relieve y de la escultura clasica, aunque los frescos pompeyanos tendran gran importancia en la pintura decorativa, imponiéndose el dibujo sobre el color que había privado enel barroco.
Jacques Louis David es el principal representante de la pintura neoclasica francesa; su primera formación se debió al pintor Vien que había iniciado la tendencias pompeyana, ingresó en la academia con su célebre cuadro el juramento de los Horacios, obra que se distingue por los efectos luminosos.
En un segundo viaje a la ciudad eterna estudió con interés a Rafael, pintando la muerte de Sócrates. Con la revolución francesa cambió su estilo y su ideología política y al pintar Marat asesinado hizo que el neoclasicismo pictórico triunfara en Francia.
Francisco Gerard estudió con David y se distinguió en la pintura histórica y el retrato. Las primeras producciones del varón Gerard fueron muy criticadas.
Juan Bautista estudió con Vien y fue profesor de la escuela de Bellas Artes; sus temas estaran enfocados hacia la mitología y la historia como la educación de Aquiles.
Jean Auguste Dominique Ingres trabajó con David y antes de conseguir la beca de Italia realizó algunos retratos de rico colorido de Napoleón.

Neoclasico Inglaterra.
John Constable. Durante el siglo XIX la pintura de Inglaterra estuvo dominada por dos tipos de temas: por una parte, los paisajistas y por otra los llamados prerrafaelistas, su importancia e influjo fueron extraordinarios a partir de 1894 cuando se celebró la exposición. Constable debió su fama a los impresionistas franceses; en su paisaje hay verdaderos elementos dramaticos; primero se dedicó al gravado y posteriormente al óleo después de haber estudiado en la realacademia de Londres.

Joseph Mallord William Turner. Desde niño fue un gran genio del dibujo e inició su carrera como grabador e impresor y estudió con Malton en la real academia. En la casa del mesenas doctor Munro conoció a los artistas de su época. Trabajó para una revista y reprodujo en ella los monumentos históricos y los paisajes de Inglaterra.

Neoclasico en Alemania.
En el neoclasicismo aleman sobresalen varios arquitectos como Karl Gotthard, quien levantó en Berlín “La Puerta de Brandeburgo”; y el teatro “Charlottenburgo”. De esta etapa el arquitecto mas importante fue Karl Friedrich que proyectó el viejo museo y el teatro; ademas decoró el palacio real.
Al estudiar la pintura neoclasica en Alemania, se puede citar a Johann Asmas; su mayor producción fueron los dibujos, consiguiendo efectos luminosos mediante el lapiz y el color de la acuarela.

Los libros de Winckelmann inclinaron a los pintores de Alemania hacia lo clasico y la mayoría de ellos estudiaron en Roma, aunque a partir de 1830 unos seguiran la tendencia clasica y otros la romanticocristiana. En Roma algunos artistas alemanes se agruparon en los llamados nazarenos, que se inspiraron en el arte anterior a Rafael y que convivieron en el convento de San Isidro.

Johann Asmus era originario de Dinamarca y se formó en la academia de Copenhague; en Berlín por sus dibujos fue nombrado profesor de la academia.
Aunque pudo realizar el gran deseo de su vida, estableciéndose en Roma y estudió a los maestros del Renacimiento.
Pedro deCornelius. Tiene su arte tendencias neoclasicas y romanticas, formó en Roma parte de la cofradía de los nazarenos, que entre otras muchas cosas, pretendían impulsar la pintura mural en Alemania.

Neoclasico en Bélgica, los países bajos e Italia.
Francisco José Navez. Este gran pintor neoclasico belga fue discípulo de David y realizó viajes por Italia, lo que hizo que su arte, con las dos influencias fuera original. En Bruselas fue director de la academia y estudió con pasión a los primitivos; se distingue en el retrato, así la familia de Henptinne de bellas telas y delicada composición diagonal.

Johan Barthold. Este artista se formó en París y en su obra hubo reflejos de la vida inquieta que llevó, pues acabó sus días en un hospital de Grenoble víctima del alcoholismo. Sus obras tienen dos tendencias; en algunas se manifiesta netamente tradicional, como lo eran sus compatriotas holandeses y en otros cuadros es casi impresionista como lo vemos en sus acuarelas.
Pintura neoclasica italiana. En Italia la pintura del francés David creó una verdadera corte de seguidores, de los cuales merece destacarse Victorio Camuccini en la ciudad de Roma y que como discípulo de David propagó el arte del maestro por la península.

Como reacción contra la abundancia ornamental llevada al delirio, se tornó al estilo neoclasico.
En el caso de Nueva España, la nueva tendencia neoclasica, se vio unida a la acción de artistas que estuvieron vinculados con la real academia de San Carlos de Nueva España, que habiendonacido a instancias del entusiasmo de don Jerónimo Antonio Gil, en 1781, obtuvo mas tarde en 1785, la aprobación y el patrocinio del rey Carlos III, que expidió al efecto un despacho de fundación especial del establecimiento. Uno de los profesores llegados de la metrópoli con destino a la academia, don Manuel Tolosa, vino a ser uno de los impulsores mayores del clasicismo arquitectónico, que constituyó en la practica, el último de los estilos surgidos en la era colonial.
A Tolosa, en efecto, se debió la fachada de la catedral de México, sus balaustradas y su cúpula, conforme a la corriente que se cita. Realizó en el mismo orden el colegio de minería, e igualmente la casa de campo de los marqueses de Buena Vista.
Otros arquitectos siguieron la tendencia, y cabe señalar, entre ellos, a Miguel Constanzó, que construyó la ciudadela de la capital mexicana, así como el claustro del convento de la enseñanza y el anexo de la casa de moneda; José Damian Ortiz de Castro, que hizo los remates de la catedral de México; Castera y Paz, como realizadores del tempo de Loreto, en la ciudad de México; y Gonzalez Velazquez, que construyó conforme al mismo estilo neoclasico, el templo de San Pablo.
Otros edificios de la fisonomía que se menciona aparecieron en distintos sitios de Nueva España, aunque es legítimo destacar por sus méritos propios la obra del celayense Francisco Eduardo de Tresguerras, arquitecto autodidacto, artista múltiple, hombre de vasto talento a quien debieron trabajos como los de la fuente de neptuno enQuerétaro, el templo El Carmen en Celaya, el palacio rul de Guanajuato, y otras obras mas que dan testimonio de su capacidad.

AUTOR.

El arte neoclasico llega motivado por la nueva atracción que despierta el mundo clasico, el interés surgido por la arqueología.
Como sus características generales vi en este arte que se inspira en los monumentos de la antigüedad grecorromana.
Concepto de belleza basado en la pureza de las líneas arquitectónicas, en la simetría y en las proporciones sujetas a las leyes de la medida y las matematicas.
Reacciona contra los efectos decorativos del barroco y el rococó.
Gusto por la sencillez, con predominio de lo arquitectónico sobre lo decorativo.
Emplea elementos basicos de la arquitectura clasica: columnas, órdenes dórico y jónico, frontones, bóvedas, cúpulas, etc.
En este arte se encuentra La arquitectura, la escultura y la pintura defines del siglo XVIII y los primeros años del siglo XIX se convirtieron en importantes testimonios del pensamiento de la Revolución Francesa y de la época napoleónica.
En los años previos al estallido de la Revolución Francesa se inició en Francia el Neoclasicismo. Esta corriente estilística reaccionó frente a las formas monumentales y fastuosas del Barroco y del Rococó para centrarse en formas mas simples y armoniosas.
Encontró su medio de expresión y propaganda en las formas características de Grecia y. especialmente. De Roma. Con Napoleón Bonaparte, el estilo neoclasico halló una nueva vía de afirmación al servir de soporte a suconcepción del poder centralizado, que se manifestó a través de la figura imperial.
El estilo neoclasico excedió el marco de la arquitectura, la pintura y la escultura e influyó en el mobiliario, la ceramica y los tejidos.
Una de las características del neoclasicismo es que en la revisión de las culturas clasicas se concluye la ventaja de lo griego sobre lo romano. Por ello, en el neoclasicismo, predomina la arquitectura inspirada en Grecia.

Se habla de nuevo estilo, tratado como un resurgimiento y aparición del 'verdadero arte'. De ahí su nombre: neoclasicismo.

La escultura neoclasica fue posiblemente la rama artística en la que la aproximación a los ideales de la Antigüedad clasica resultó mayor.
El Neoclasico surge como reacción al arte del 'Antiguo Régimen' . Es el Arte de la Revolución francesa y posteriormente el del Imperio Napoleónico, su heredero.
La Arquitectura retomara literalmente los ejemplos del arte clasico griego y romano y continuara durante todo el Siglo XIX como uno de los 'Estilos historicistas'.
En Escultura y Pintura ante todo destaca la referencia a los modelos clasicos, la falta de movimiento, el dominio de la línea y del dibujo.

Los revolucionarios franceses hicieron suyo el neoclasicismo porque lo asociaron con su ideal cívico y patriótico. Terminó por aplicarse como un estilo unificador, académico y estereotipado, frente al que, desde fecha muy temprana, empezaron a acomodarse las condiciones romanticas, creadas desde el otro lado de la razón.

La pinturaneoclasica se centró en Roma, donde muchos pintores expatriados se agruparon en torno a la figura del historiador aleman Johann Winckelmann. A diferencia de las típicas composiciones de frescos del barroco o del rococó, su composición es simple: sólo unas pocas figuras, en total calma, con poses semejantes a las de estatuas antiguas.
Las mismas tendencias se hacen patentes en la obra temprana del pintor francés Jacques Louis David, uno de los maximos exponentes de la pintura neoclasica. Su Juramento de los Horacios, exalta el tema del patriotismo estoico. El cuadro neoclasico imaginado como espacio arquitectónico, reflejan la preocupación neoclasica de obra lógica y clara. Los perfiles definidos y una luz dura proporcionan a estas figuras la cualidad de estatuas. Los trabajos realizados por David, encargados por Napoleón, como la Coronación de Napoleón y Josefina, estan muy alejados del lujo y del poder que me originaba la ceremonia.

Como un resumen de lo visto mas que un resurgimiento de las formas antiguas, el neoclasicismo relaciona hechos del pasado con los acontecidos en su propio tiempo.

Los artistas neoclasicos fueron los primeros que intentaron reemplazar la sensualidad y la trivialidad del rococó por un estilo lógico, de tono simple. Cuando los movimientos revolucionarios establecieron repúblicas en Francia y en América del Norte, los nuevos gobiernos republicanos adoptaron el neoclasicismo como estilo oficial porque relacionaban la democracia con la antigua Grecia y la República romana.

Mas tarde,cuando Napoleón I subió al poder en Francia, este estilo se modificó para servir a sus necesidades propagandísticas. Con el nacimiento del movimiento la ventaja por la expresión personal sustituyó al arte basado en valores ideales.

Romanticismo.

Desde finales del siglo XVIII en adelante hubo en Europa importantes cambios en lo político, económico y social, esto ocurrió principalmente en Inglaterra y Francia. En el aspecto económico la revolución industrial originó el desarrollo de una clase burguesa y ademas se asentaron las bases del liberalismo como producto de la liberación francesa.

En este marco de ideas surgió el movimiento artístico llamado romanticismo. El uso de esta palabra se deriva del inglés romantic novelesco y fue utilizada por primera vez en Inglaterra. Los orígenes de esta corriente artística no son claros, sin embargo, algunos estudiosos opinan que el arte del romanticismo tiene sus orígenes en el neoclasico, ya que ambas corrientes comparten ciertas ideas del racionalismo.
El romanticismo supone una ruptura con una tradición, con un orden anterior y con una jerarquía de valores culturales y sociales en nombre de una libertad auténtica, y constituye la esencia de la modernidad.
El movimiento romantico intentó romper la tradición académica, especialmente la pintura. Una vez alejados de manera definitiva los contenidos religiosos, la pintura vuelve la mirada a los paisajes y a los objetos comunes y a las escenas de la vida cotidiana.

Las características mas importantes delromanticismo son: el movimiento que se opone al aspecto de la serenidad clasica.
La expresión viva frente a la frialdad del neoclasicismo.
La exaltación de la libertad, frente a las reglas de la academia.
La variedad, mas que la unidad en la composición.
La imaginación y el sentimiento, frente a la razón.
La pintura romantica simbolizó la afirmación emotiva, con líneas suaves y ondulantes, composición dinamica y colores tenues y matizados.
La pintura romantica acoge una gran variedad de temas, historia nacional, algunos del pasado medieval, la edad media y el misterio de oriente.

Arte romantico en Francia.
El romanticismo se inició hacia 1830, pero los intelectuales ya venían esbozando un cambio de ideas, desde los inicios del reinado de Carlos X, y aquello que comenzó como idea libertaria contra la monarquía absoluta borbónica del hermano de Luis XVIII, fue luego un verdadero programa que con la bandera de la libertad impulsó a todas las artes.
La revolución de 1830 devolvió a París a muchos exiliados políticos ante la benigna acogida de Luis Felipe. Este estilo abarcó hasta la revolución de 1848 para luego imponerse la tendencia del realismo y de los primeros ismos.
Habíamos indicados que el arte neoclasico fue esencialmente burgués, por consiguiente, ante el ímpetu revolucionario lo adoptó también. En cambio, el romanticismo fue esencialmente de la clase media, ya que el propio Luis Felipe se parangonaba con la propia burguesía.
Es curioso como el arte romantico esta íntimamente ligado a laliteratura y a la música, formando casi un conjunto perfecto, a tal grado que muchos de éstos artistas practicaron varias facetas estéticas. El romanticismo tuvo una gran justificación social, pues en esta etapa de la historia el mundo se iba industrializando y mecanizando a pasos agigantados, y ante los ideales que se perdían por la imperiosa conquista económica reaccionaron estos idealistas buscando un ideal divino.

Los romanticos pretendieron volver a la naturaleza, revivir el pasado glorioso, especialmente la edad media, época de ideales caballerescos y en parte también exaltar la imaginación por lo exótico contra lo calculado y académico del neoclasicismo. El arte debía estar fuera de toda regla aunque la forma tenía que ser bella, imaginativa y el fondo debía inspirar los mas profundos sentimientos.

Los artistas del romanticismo tendran también dos motores que los impulsen a sus conquistas estéticas como el individualismo, que era en si una reacción contra la socialización, y la masa que por las reformas venían contra lo mas íntimo del hombre. Este individualismo se convirtió a veces en exhibicionismo, pues su personalidad pretendía sobresalir por encima de un conjunto anónimo social llegando a tal grado el sentido libertario y nacionalista siendo el segundo impulso, al que múltiples artistas sacrificaron su posición social, en aras de la libertad. En este periodo del arte habrían de separarse por primera vez lo estético, y lo puramente constructivo, o sea, los conceptos modernos de arquitectoe ingeniero. Por ello la arquitectura romantica llamada también neogótica es sólo aparente, pues el material usado sera el hierro colado, mientras que la piedra serena y eterna había sido el material preferido del gótico medieval.

En el romanticismo los estilos se consumieron, y aunque hemos dado como fecha final hasta la revolución de 1848, verdad es, que en algunos países esta tendencia artística continúa hasta bien entrado el siglo XX. En Italia el romanticismo fue una vuelta al renacimiento, mientras que en Inglaterra y Francia sera neogótico.

Charles Garnier. Se ha dicho que este arquitecto fue el creador del estilo Napoleón III. Viajó por Italia, Grecia y próximo oriente, lo que hizo de él un historiador ecléctico, aunque sus tendencias seran barrocas pero el ornamento sera empleado en los espacios apropiados.
Arquitectura romantica europea.
Gottfried Semper. Estudió en Munich y en París fue discípulo de Hittorf ; viajó por Grecia e Italia y al regresar a Alemania aplicó sus principios estéticos a su arquitectura.

Su formación coincidió con la época de las guerras napoleónicas siendo en la pintura Antoine Jean Gros, el impulsor del romanticismo en su inicio.
Una de las principales figuras de ésta corriente fue Théodore al plasmar en sus pinturas ideas dramaticas y buscar una armonía y equilibrio en el claro oscuro.
La escultura romantica se caracterizó por el uso del bajorrelieve, de la estatuilla, el medallón y la escultura en yeso.

Entre los escultores mas representativos de esteestilo en Francia, se encuentra, Rude, quien adoptó temas históricos propios del romanticismo, para representar procesos heroicos, un ejemplo es “Partida de voluntarios”, obra creada en el arco del triunfo de París.
Rodín es un artista dramatico y de movimientos atormentados, la muerte y la vida se muestran en sus obras.

Romantico en Inglaterra.
El romanticismo inglés combinó temas, como el retrato y el paisaje, lo que permitió la introducción del romanticismo inglés.
Los elementos que representan la pintura del paisaje ya no son mitologías, narraciones bíblicas o gestas heroicas, sino el propio paisaje; la luz y el color forman la atmósfera. El tratamiento del paisaje esta sometido a la visión personal, por lo que el pintor realiza series del mismo paisaje visto desde diferentes enfoques y en diversas estaciones.

Romantico en Italia.
Un conjunto de pintores alemanes residentes en Roma formaron un grupo llamado Los Nazarenos, que vivían en el convento de San Isidro, a los que se agregaron algunos italianos y crearon el movimiento romantico en Italia.
Entre los principales pintores se pueden mencionar a: Fran Hayes, que introdujo en Italia la pintura de temas históricos; Giovanni Boldini, destacó en el arte del paisaje, utilizó colore claros y luminosos en sus obras, como en “La Vida”, “La Muerte” y “La Naturaleza”, en donde existe ya un simbolismo pictórico.

Romantico español.
El romanticismo en España se manifestó en la pintura principalmente, con temas históricos y retratos. Comorepresentantes de esta corriente tenemos a: Leonardo Alenza con sus cuadros costumbristas que representaban el espíritu revolucionario de la época.
Entre los escultores españoles, se encuentra José Alvarez de Pereira, autor de la estatua de tema mitológico llamada “Ganímedes”, por la que fue premiado por Napoleón.
Para Antonio Sola, el tema de la guerra de independencia española fue uno de sus predilectos; esculpió en marmol el grupo de “Daois y Velarde” con enfoque épico militar, ademas de la escultura de Miguel de Cervantes.

Como se expresó con anterioridad, el civismo estoico de Luis David precedió al movimiento revolucionario en Francia. La exaltación del vigor romano parecía ser un preludio de las posteriores exigencias de los hombres de la revolución. Cuando ésta llegó a la postre, y cuando, asimismo, derivó por obra de Bonaparte hacia las formas de un imperialismo sui géneris, Luis David no fue ajeno a las nuevas inquietudes de la nación. Los grandes temas históricos volvieron a ser objeto de su atención, solo que en vez de romanos aparecieron los franceses de su tiempo, y en vez de héroes legendarios, los héroes contemporaneos suyos. Napoleón sera retratado por él, ya solo, en un gabinete de trabajo, ya en medio del fastuo, en medio del conocido lienzo de la consagración.

Así se convirtió este artista seguro y elegante, aunque sin el halito de la gracia de los genios en el pintor oficial del régimen.
Otros pintores respondieron a las circunstancias del ahora y dieron testimonio de ello. De esa suerte,Gros se mostró como un excelente pintor de batallas y Prudhon pudo convertirse en retratista de la emperatriz Josefina.
Cuando el imperio vino abajo, la inquietud pareció olvidarse y la influencia de Luis David se fue diluyendo poco a poco.

Mas aun y sin duda como una reacción en contra del frío neoclasicismo que había privado en las postrimerías de la edad moderna, apareció en varias partes de Europa con grandes ímpetus y proyección a muchos campos de la cultura, el romanticismo.
En sus variadas manifestaciones, enfiladas lo mismo a las letras que a las artes plasticas, el romanticismo tuvo como denominador común su propensión a lo sentimental, a lo fantastico, a lo generoso. Quienes lo hicieron suyo, quisieron romper con todas las reglas y prescripciones nacidas de las academias, y con la rigidez de los clasicos.

Desenvuelto el romanticismo se expresó, en general por dos vías claramente perceptibles que fueron: de una parte, la tendencia del romanticismo que quiso ser idealista e individualista, dando sitio a la producción de obras apasionadas, de todo acentuado, que en materia literaria produjo no pocos ejemplares de cierto aprecio; y de otra, la tenencia histórica del romanticismo, para la cual la vuelta al pasado fue motivo de preocupación constante, sobre todo con temas arrancados de la edad media.

En muchos otros países de Europa, e incluso de América, lo que se dejó sentir fue mas bien una continuación del neoclasicismo arquitectónico que desde Francia se irradió, no con una gran purezade líneas, sino con cierto eclecticismo, perpetuandose a todo lo largo del siglo XIX, en las construcciones públicas tanto como en las civiles, la corriente del clasicismo afrancesado fue dominante.

Bajo la era napoleónica, el neoclasicismo se desenvolvió con gran amplitud bajo la denominación de “Estilo Imperio”, y de hecho mantuvo su tendencia purista aun en los años posteriores, hasta el fin de la dinastía borbónica, en 1830. Con posterioridad, y a medida que el romanticismo fue ganando terreno aun en la arquitectura, el neoclasicismo comenzó a alterarse, de modo que muchas veces lo clasico solo fue relleno o pretexto que recubría las armazones de hierro. Así apareció en verdad una tendencia de neoclasicismo ecléctico que tuvo muchos ejemplos, especialmente en París.
Los arquitectos Fontaine y Persier fueron los principales propulsores del clasicismo.

A lo largo del siglo aparecieron, ya con precisión inocultable en cuanto a la inspiración greco romana, ya con algunas alteraciones al estilo, obra tan significativas en este sentido, como la iglesia de Magdalena en forma de templo corintio del imperio romano, la ópera, el palacio Borbón (hoy camara de diputados), el arco del triunfo en la plaza del carrousel, que supo unir una vez mas el gusto francés con lo antiguo; la columna vendome, en la plaza del mismo nombre, que es una copia exacta de la columna de trajano solo que en bronce y otras mas.

En Alemania, el rococó se prolongó hasta fines del siglo XVIII. Mas tarde se acogieron con entusiasmolas corrientes helenísticas en muchos trabajos arquitectónicos que dejaron su ejemplo en las principales ciudades alemanas.
España no fue ajena al clasicismo corriente en el siglo XIX y en parte del siglo XX y conforme a él se erigieron, en Madrid la Puerta de Alcala, el Palacio Real inspirado en el de Versalles, y las iglesias de San Francisco El Grande, de San Justo y de San Marcos; y en Barcelona, la inconclusa iglesia de la Sagrada Familia. El neoclasicismo no dejó de sentir a un cierto reflejo barroco, pero asi y todo corresponden a aquel estilo: La Iglesia de San Pantaleón, en Roma, el Casino de Livia en Florencia, y la Iglesia de Santa Magdalena en Venecia.
Edificios Neoclasicos surgieron también en Inglaterra, como el museo Britanico, las Bolsa, etc., y en los Estados Unidos destacadamente el capitolio de Washington, como prueba de la amplitud de la tendencia.

Sin embargo, las nuevas inquietudes artísticas y los nuevos resurgimientos sociales fueron dando paso a nuevas formas que tuvieron como punto de base el uso del metal y el vidrio. De 1820 a 1840, escribió Velarde, pueden citarse importantes y novísimas obras de pura estructura férrea y vidriada como las galería de Orleans. El Jardín Botanico de París y el Pabellón de Brighton en Inglaterra. Aparecieron puentes, almacenes, rascacielos puramente estructurales y curiosos ensayes de casas metalicas.

AUTOR.

El romanticismo no puede ser identificado con un estilo singular, con una técnica o con una forma, pero sin embargo la pinturaromantica se caracteriza por una aproximación muy imaginativa y personal, intensidad emocional y por un caracter para mi idealista. Mientras que el arte clasico y neoclasico es sensatez, claro y completo en cuanto a la expresión, el arte romantico se caracteriza por esforzarse en expresar estados de animo, sentimientos muy intensos o místicos, así como por evitar la claridad y la definición.

La palabra ‘romantico’ se asoció con escenarios salvajes, perspectivas grandes, ruinas y una tendencia que se manifiesta en un significado progresivo por lo moderado de lo glorioso como oposición a la belleza.

En Francia el periodo de formación del romanticismo coincidió con las Guerras Napoleónicas .

Los primeros artistas franceses de este estilo encontraron su fuente de inspiración en los sucesos que les rodeaban.
El arte romantico quiere mostrar la vitalidad y variedad de un estilo que supo adaptarse con habilidad a los distintos países donde se fue asentando. La estrecha vinculación entre esta corriente artística y el contenido político y social del momento produjo gran cantidad de obras que ocupan un lugar preferente en la Historia del arte.

Lo que mas distingue a los pintores romanticos es su afición por reflejar el paisaje, y en esa paisajística se suele intentar reflejar.

En general se llamo Romanticismo a la forma de sentir predominante entre fines del siglo XVIII y la primera mitad del siglo XIX.

Esta Corriente se basa en la sensibilidad y la imaginación por sobre la razón.
Entre susprincipales características se encuentran el amor a la libertad en el ambito social y moral, la evasión de la realidad, la exaltación del individuo, el uso de la intuición como medio para alcanzar la verdad, el amor idealizado, la naturaleza como algo desordenado y libre y no como un sistema racional, la religiosidad como un consuelo para la desdicha y frustración, y el “nacionalismo” que surge con base en la idea de que los pueblos y naciones tienen su propia lengua historia y tradiciones.
El movimiento romantico abarca casi todo el siglo XIX; pero su mayor apogeo se sitúa entre 1825 y 1875.
Características mas importantes del romanticismo:
- Es el movimiento que se opone a serenidad clasica.
- Es la expresión viva, que se opone frente a la frialdad del Neoclasicismo.
- Es la exaltación de la libertad, frente a las reglas de la academia.
- Es la variedad, contra la unidad en la composición.
- La imaginación y el sentimiento, frente a la razón.

En la pintura sobresale el español Goya considerado como precursor del arte moderno por su composición facil, colorida y llena de luz.

La escultura se presenta también muy pobre y desorientada en general. Los escultores no se volvieron a los modelos góticos, ni a los modelos romanicos de la Edad media.

Modifican apenas los modelos neoclasicos, dandoles mayor movimiento e inspirandose mas en la naturaleza. Abandonan los temas mitológicos y los de la historia clasica y se fijan en los de la Edad Media y contemporanea.
    

En la pintura romantica lo quemas resalta es la exaltación del colorido. Su rica policromía inunda los cuadros como una fuerte reacción contra la monocromía y la preponderancia de la línea que caracterizó a la Neoclasica.

Por lo que se refiere al contenido, destaca el sentimiento personal que sale al exterior a través de las cosas; muchos de sus temas son extraídos de la historia, pero no en torno al mundo griego o romano y sus aspectos mitológicos, sino mas bien al cuadro histórico con escenas de la vida.
   
  El retrato romantico suele ofrecer un interés mayor, por cuanto trata de reflejar mejor el espíritu del pintor antes que el de la persona en cuestión.
    
El paisaje se convierte en ideal mas que en un motivo, viene a ser un medio para expresar la intimidad del pintor; por esta razón, el paisaje en el cuadro romantico suele estar impregnado de melancolía, y muestra efectos fantasticos que prolongan las cosas y el cielo de acuerdo con la exaltación momentanea del pintor.

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